Jail Bait

Jail Bait (“A Face do Crime”, 1954, 71 min.) de Edward D. Wood Jr. Com: Lyle Talbot, Dolores Fuller, Steve Reeves, Herbert Rawlinson e Conrad Brooks.

Em “Glen or Glenda?” (1953) Ed Wood explorou o tema do travestismo na sociedade americana, contou a tocante história de pessoas que não se sentiam bem em relação ao sexo em que nasceram e resolveram enfrentar os valores sociais da época de então para serem felizes (e o assunto de troca de sexos continua gerando muita polêmica até nos dias de hoje, mais de 60 anos depois do filme de Ed Wood). Neste “Jail Bait” Wood dá seqüência a sua obsessão por mudanças estéticas contando a história do delinqüente Don Gregor (Clancy Malone) que, após um crime, obriga seu pai (Herbert Rawlinson), um famoso cirurgião plástico, a fazer uma operação caseira com a ajuda de sua irmã (Dolores Fuller) que tinha treinamento básico em enfermagem. Paralelo a todo o drama fantasioso (somente da cabeça de Ed Wood poderia sair uma operação plástica caseira) Don está sendo procurado por uma dupla de homens da lei (Lyle Talbot e Steve Reeves).

Como todo bom filme Noir, “Jail Bait” tenta ter um clima soturno (é todo filmado a noite dando a ideia de uma noite eterna de várias semanas) e reviravoltas, muitas reviravoltas na estrambólica trama. Don é uma das típicas personagens de Wood, um sujeito marginalizado que diante das circunstâncias acaba fazendo as escolhas erradas e, como Wood nunca condenava as personagens marginalizadas, é impossível ver Don como um típico bandido. Don é apenas um típico filhinho de papai em busca de aventuras para preencher sua existência vazia.

Em termos de produção, se compararmos “Jail Bait” com os outros filmes de Wood, é uma produção bem cuidada, com mais acertos do que equívocos. Talvez pela mão da HOWCO, já que o filme foi pago por eles. A HOWCO foi uma produtora/distribuidora dos sócios Joy Newton Houck Sr. (pai do diretor de filmes vagabundos Joy N. Houck Jr. e proprietário de 29 salas de cinema), Ron Ormond (diretor de westerns e exploitations movies) e J. Francis White (proprietário de 31 salas de cinema) que fez com que filmes como “The Brain From Planet Arous” (1957) e “Attack of the Fifty-Foot Woman” (1958), ambos do diretor Nathan Juran, rendessem muito dinheiro. George Weiss (produtor de “Glen or Glenda?”) conta que em troca de um orçamento melhor para o filme, Ed Wood desistiu de sua participação nos lucros (o que mostra a esperteza dos produtores, que se livraram do Ed Wood na partilha de lucros e, ainda, melhoraram seu próprio filme).

Ed Wood talvez seja uma das personalidades mais conhecidas e queridas do cinema exploitation por causa de sua milionária e oscarizada cinebiografia “Ed Wood” (1994), único filme realmente excepcional e memorável do quase sempre morno Tim Burton, baseado no livro “Nightmare of Ecstasy: The Life and Art of Edward D. Wood Jr.” (1992) escrito por Rudolph Grey e responsável pelo fabuloso resgate à memória e arte deste artista único do cinema americano. Ed Wood foi para Hollywood em 1947 onde tentou a sorte na TV e teatro (sua peça teatral “Casual Company” é retratada no início da cinebiografia). Ao contrário do que está no filme de Tim Burton, Ed Wood foi apresentado ao Bela Lugosi por seu então colega de quarto Alex Gordon (roteirista de “Jail Bait”, produtor dos primeiros filmes de Roger Corman para a A.I.P. e irmão de Richard Gordon da Amalgamated Productions)  e deste encontro resultou uma amizade que rendeu 3 parcerias memoráveis: “Glen or Glenda?”, “Bride of the Monster” e “Plan 9 from Outer Space”. Também teríamos tido Bela Lugosi em “Jail Bait” (o papel do cirurgião plástico havia sido planejado para ele), mas por estar ocupado não pode aceitar o papel (que acabou sendo interpretado pelo também ator veterano Herbert Rawlinson, que veio a falecer uma noite após as filmagens terem sido concluídas). Alguns dos filmes não tão famosos de Ed Wood que indico são “Night of the Ghouls” (1959), uma tentativa de realizar um filme de horror sobrenatural onde absolutamente tudo dá errado em, talvez, a comédia mais involuntária da história do cinema (que só foi lançado em 1983); The Sinister Urge” (1960), seu último filme “comercial”, um suspense filmado em apenas cinco dias e que acho bem feito (diante das circunstâncias de uma filmagem de cinco dias); e “Necromania: A Tale of Weird Love!” (1971), uma tentativa de pornô (onde os atores não conseguem nem mesmo uma ereção satisfatória) que tem o mérito de apresentar ao mundo o caixão-cama de Criswell. Ed Wood também assinou mais de 50 roteiros, incluindo o Cult “The Violent Years” (1956), de William Morgan, sobre uma gangue de garotos delinqüentes, e vários para o diretor/produtor Stephen Apostolof.

Assim como em seus outros filmes, Wood sempre se cercou de técnicos baratos, mas que tinham muita experiência. No elenco de “Jail Bait” vemos Lyle Talbot (que começou sua carreira na década de 1930 e esteve no elenco de mais de 300 produções); Steve Reeves (que anos depois de trabalhar com Wood ficaria marcado pela interpretação da personagem Hércules em uma série de filmes italianos); Dolores Fuller (sua então esposa na época, mas que já era uma veterana na arte da interpretação, tendo integrado o elenco (não creditada) do clássico “It Happened One Night/Aconteceu Naquela Noite” (1934) do genial Frank Capra) e Conrad Brooks (amigo de Wood que sempre esteve nas suas produções, tendo aparecido inclusive no “Ed Wood” de Tim Burton e na refilmagem “Plan 9” (2015) de John Johnson). A trilha sonora é de Hoyt Curtin (que são as músicas da trilha sonora de “Mesa of the Lost Women” (1953), de Ron Ormond e Herbert Tevos, re-aproveitadas em novo contexto). O diretor de fotografia é o veterano William C. Thompson que também fotografou todos os outros filmes de Wood até “The Sinister Urge” (seu último filme). Thompson, que começou no drama mudo “Absinthe” (1914) de Herbert Brenon e George Edwardes-Hall, sempre esteve envolvido no mercado de exploitations. As maquiagens são de Harry Thomas que sempre soube trabalhar bem com orçamentos apertados e assinou as maquiagens em clássicos do trash como “Cat-Women of the Moon” (1953) de Arthur Hilton; “Killers From Space” (1954) de W. Lee Wilder; “The Unearthly” (1957) de Boris Petroff e “The Little Shop of Horrors” (1960) de Roger Corman.

“Jail Bait” foi lançado no Brasil em VHS e DVD pela Continental Home Vídeo e merece ser conferido justamente por ser o filme menos vagabundo do lendário pior diretor de todos os tempos.

Escrito por Petter Baiestorf para seu livro “Arrepios Divertidos”.

Assista Jail Bait aqui:

As Estrelas de Freaks

Hoje em dia é comum ver jovens saudáveis (principalmente via facebook e/ou outras redes sociais) reclamando da vida, cantando para todos, tais como rouxinóis mimados, suas depressões, suas amarguras, tudo prá chamar atenção. A maioria não passa de mancebos mimados por uma geração de pais sem voz ativa que os criou fazendo suas vontades e quando chegam à vida adulta percebem que não são o centro do mundo como sua família os fazia acreditar que eram. Inspirado por essas reclamações de mimadinhos depressivos de facebook resolvi publicar aqui uma pesquisa feita por Borja Crespo (dei uma pequena incrementada em alguns dados) sobre os atores com limitações físicas que trabalharam no filme “Freaks” (1931) de Tod Browning. Estes maravilhosos humanos cheios de problemas físicos não ficaram trancados em seus quartos choramingando, eles sairam e enfrentaram preconceitos, limitações e qualquer outro problema que se apresentava. Com vocês, as estrelas de “Freaks”, muito mais humanos do que muita gente saudável vegetando por aí na frente de alguma TV ou banco de alguma igreja dos dias de hoje!

Schlitze The Pinhead: Sua cabeça é muito pequena. Um crânio humano normal é de 1500 a 1700 centímetros cúbicos, mas alguém com microencefalia tem entre 400 e 1000. Quando realizou “Freaks” tinha aproximadamente 40 anos. Nasceu em Yucatán, México, em 1901. Seu nome real era Simon Metz (mas se apresentou a vida inteira vestido como mulher, mesmo porque vestir vestidos facilitava suas idas aos banheiros). Começou no showbizz como “Maggie, a última azteca” fazendo truques de magia e dançando em shows. Durante as filmagens de “Freaks”, ele gostava de ficar imitando o diretor Browning em tudo que ele fazia, incluíndo seus tons de voz. Era como uma criança pequena que nunca cresceu. Seu papel tem maior duração que as outras “Pinheads” do filme, Elvira e Jenny Lee Snow. Suas palavras na cena do vestido novo são díficeis de entender, mas seus gestos dizem tudo. Também participou de outros filmes, como “The Sideshow” (1928) e “Island of Lost Souls” (1932), ambos de Erle C. Kenton, “Tomorrow’s Children” (1934) de Crane Wilbur e “Meet Boston Blackie” (1941) de Robert Florey. Faleceu em 1971 com 70 anos de idade.

Peter Robinson, o Esqueleto Vivo: Nascido em 1874, falecido em 1947. Foi esqueleto vivo no circo Ringling Brothers durante muitos anos. Se casou com a mulher gorda do circo que pesava seis vezes mais do que ele. Em “Freaks” tem um filho com a mulher barbada e se mostra como um pai orgulhoso de seu rebento. “Freaks”, aparentemente, é seu único filme. Era um especialista em tocar gaitas e se casou com a artista Baby Bunny Smith, que também trabalhava em feiras nas areas rurais dos USA.

Harry e Daisy Earles: Eram irmãos (e tinha ainda mais duas irmãs anãs). Os quatro trabalharam profissionalmente em circos e espetáculos. Harry se chamava, na vida real, Kurt Schneider, nascido em 1902 na Alemanha (faleceu em 1985 na Flórida, USA). Se tornou amigo de Tod Browning quando trabalharam juntos em “The Unholy Three” (1925). Harry apareceu em 13 filmes (7 deles curtas), produções como “That’s My Baby” (1926) de William Beaudine, “Three-Ring Marriage” (1928) de Marshall Neilan, no remake sonoro de “The Unholy Three” (1930), desta vez dirigido por Jack Conway e no clássico “The Wizard of Oz/O Mágico de Oz” (1939) de Victor Fleming. Já Daisy atendia pelo nome real de Hilda E. Schneider. Nasceu em 1907, também na Alemanha e faleceu na Flórida em 1980). Geralmente trabalhando junto de seu irmão, apareceu ainda nos filmes “Three-Ring Marriage”, “The Wizard of Oz” e “The Greatest Show on Earth/O Maior Espetáculo da Terra” (1952) de Cecil B. DeMille, única produção que seu irmão não está junto.

Daisy e Violet Hilton: São irmãs siamesas unidas pela cintura com a mesma circulação sanguínea. Nasceram em Brighton, Inglaterra, em 1908, filhas de uma garçonete que as vendeu para agentes de shows bizarros explorarem elas em music-halls e feiras rurais. Ajudadas por um advogado conseguiram agendar seus próprios shows. Como não se sentiam diferentes de outras mulheres, tiveram inúmeros relacionamentos em sua vida. Também aparecem no filme “Chained for Life” (1951) de Harry L. Fraser. Após este filme as duas irmãs passaram por inúmeras dificuldades financeiras e foram encontradas, em 1969, mortas em seu apartamento.

Angelo Rossito: Nascido em 1908 e falecido em 1991, Rossito trabalhou em inúmeros filmes. Apesar de seu nome, Rossito é americano do estado de Nebraska. Fez sua estréia no cinema em “The Beloved Rogue” (1927) de Alan Crosland contracenando com John Barrymore e Conrad Veidt. Depois apareceu em mais de 80 filmes, com destaque para produções como “The Mysterious Island” (1929) de Lucien Hubbard, “Dante’s Inferno” (1935) de Larry Lachman, “A Midsummer Night’s Dream” (1935) de William Dieterle e Max Reinhardt, “The Corpse Vanishes” (1942) de Wallace Fox e estrelado por Bela Lugosi, “Mesa of the Lost Women” (1953) de Ron Ormond, “Invasion of the Saucer Man” (1957) de Edward L. Cahn, “Confessions of a Opium Eater” (1962) de Albert Zugsmith e estrelado por Vincent Price, “Dracula Vs. Frankenstein” (1971), “Brain of Blood” (1972) e “Cinderella 2000” (1977), trio de filmes com direção/produção do pior (mas muito divertido) cineasta que a indústria cinematográfica já teve: Al Adamson, “The Lord of the Rings/O Senhor dos Anéis” (1978) de Ralph Bakshi e “Galaxina” (1980) de William Sachs, entre inúmeros outros clássicos do cinema de baixo orçamento. Uma de suas últimas aparições foi em “Mad Max Beyond Thunderdome” (1985) de George Miller.

Frances O’Connor: Nasceu em 1914 no estado de Minnesota, USA, sem os braços desde o momento em que aprendeu a andar, começou a usar seus pés como mãos. Aprendeu a cozinhar, jogar bridge, se vestia, comia e fazia tudo usando apenas seus próprios pés. Sentia orgulho de conseguir fazer tudo sem ajuda de ninguém. No verão costumava trabalhar em shows, se recolhendo a sua casa em Wyoming durante o resto do ano. “Freaks” é sua única aparição cinematográfica. Frances nunca chegou a se casar, embora dizem que sua lista de admiradores não era pequena.

Koo Koo, A Garota Cega de Marte: Nasceu em 1880 com o nome de Minnie Woolsey. Quando se apresentava nos circos usava o nome Minnie Ha Ha. Também chegou a ser conhecida como “a garota de Marte” em alguma feiras. Tinha 52 anos quando participou de “Freaks” e muitos dos técnicos que trabalhavam no filme chegaram a acreditar que ela realmente era de Marte. Mas Minnie sofria da síndrome de Harper, que é uma forma de nanismo intra-uterina caracterizada por anomalias congênitas múltiplas. “Freaks” é seu único filme. Há poucos dados precisos sobre sua morte, mas fontes afirmam que ela faleceu atropelada por um automóvel em 1960 (se isso é correto ela teria vivido 80 anos).

Johnny Eck: John Eckhardt Jr. nasceu em Baltimore (terra de John Waters) em 1911, com um irmão gêmeo bem formado. Aprendeu a andar sobre suas mãos desde pequeno e era um excelente estudante, atleta e músico. Sua presença em “Freaks” é carismática e marcante, depois deste clássico apareceu em mais 3 filmes da série Tarzan: “Tarzan – The Ape Man” (1932) de W.S. Van Dyke, “Tarzan Escapes” (1936) e “Tarzan’s Secret Treasure” (1941), ambos dirigidos por Richard Thorpe. A canção “Table Top Joe” de Tom Waits é inspirada em Johnny e, desde 1990, um roteiro sobre sua vida, escrito por Caroline Thompson (“Edward Scissorhands”), circula por Hollywood sem conseguir investidores financeiros. Depois de suas aventuras pela terra do cinema, voltou para baltimore onde se tornou pintor de quadros, cujos trabalhos seguem abaixo, pós-artigo.

Prince Randian: Nasceu sem pernas, nem braços, em 1871 na Guiana Britânica e faleceu em 1934 em New York. Falava hindu, inglês, francês e alemão, foi casado e teve 5 filhos. Era capaz de escrever, acender cigarro, pintar, lavar-se e se arrumar para sair usando apenas sua boca. Dizem que possuia um grande sentido de humor e sempre viveu com a idéia de que não havia impedimentos físicos desde que dominasse sua própria mente. Sou um grande admirador de Randian, que provou ser possível fazer tudo mesmo quando a vida conspira contra você!

Pinturas de Johnny Eck:

William Seabrook e as Delícias da Culinária Canibal

William Seabrook Buehler, nascido dia 22 de fevereiro de 1884 em Westminster, Maryland, foi um jornalista explorador obcecado por descobrir (e relatar) culturas desconhecidas para o público branco médio dos USA numa época em que a informação dependia de jornalistas corajosos e criativos (diferente dos dias atuais em que essa profissão foi dominada por jovens preguiçosos/acomodados que fazem o que seu dono manda). Dado à aventuras, em 1915 se juntou ao exército francês na Primeira Guerra Mundial e, no ano seguinte durante a batalha de Verdun, foi intoxicado por gás alemão. Quando voltou aos Estados Unidos, cheio de cicatrizes e histórias, conseguiu emprego no jornal The New York Times e começou a viajar pelo mundo em busca de histórias de culturas desconhecidas.

Fascinado por ocultismo e satanismo, Seabrook passou uma semana com o charlatão Aleister Crowley no outono de 1919. Crowley vinha de uma família rica e na falta do que fazer espantava o tédio criando textinhos esotéricos para impressionar ricos como ele próprio. Em 1904 ele “recebeu” de “entidades espirituais” o livro “The Book of the Law” (“O Livro da Lei”, muito plagiado por Paulo Coelho e Raul Seixas nos anos 70). Também era pansexual e experimentador de qualquer tipo de drogas naturais ou sintéticas e a farra com Seabrook deve ter sido ótima, já que nosso explorador também era chegado numa boa festa com putaria e drogas. O fato é que este encontro entre duas personalidades tão originais rendeu o livro “Witchcraft: Its Power in the World Today”, onde Seabrook narra este encontro.

Logo se interessou pelas práticas do vodu haitiano e viajou para lá a fim de realizar suas próprias experiências. Jamie Russell em seu livro “The Book of the Dead” (Editora Barba Negra) nos conta que Seabrook foi apresentado aos zumbis haitianos por um fazendeiro local e logo reparou que estes zumbis são “frutos da crença religiosa que domina a ilha, símbolo poderoso do medo, da desgraça e perdição”. Essa viagem resultou no livro “The Magic Island” (“A Ilha da Magia”, 1929, nada a ver com a ilha de Florianópolis, também conhecida como a Ilha da Magia, lógico!) onde o pesquisador descreve os zumbis como “um cadáver humano sem alma, ainda morto, mas tirado do túmulo e mantido por feitiçaria com um semblante mecânico de vida – é um corpo que se faz andar e agir e mexer como se estivesse vivo”. O público americano foi ao delírio, na época, com os relatos emocionates e tétricos desta aventura de Seabrook. Este livro é o responsável por introduzir o conceito “zumbi” na cultura popular e serviu de inspiração para o roteiro de “White Zombie/Zumbi Branco” (1932) de Victor Halperin, estrelado por Bela Lugosi e com momentos bem divertidos.

Cada vez mais sedento por novas aventuras, se recusou a escrever sobre canibalismo até que conseguisse provar ele mesmo a carne humana. Durante uma viagem pela África Ocidental conviveu com uma tribo conhecida como Guere onde pediu ao chefe que gosto tinha a carne humana e, diante de sua insatisfação ao ouvir a descrição do chefe tribal, saiu de lá com a certeza de que experimentaria ele próprio o gosto da carne humana. Pouco tempo depois subornou um servente de um hospital de Paris para que lhe conseguisse um quilo de carne humana, logo em seguida deu entrada o cadáver de um operário que havia sido atropelado e Seabrook conseguiu sua preciosa iguaria. Correu para o apartamento de um amigo e convenceu a cozinheira da casa a assar, grelhar e cozinhar aquele estranho tipo de carne de “bode selvagem” (nome que usou para a cozinheira) que até então ninguém havia comido. Enquanto experimentava a carne humana fez minuciosas anotações onde a comparava com carne de porco e sentiu a necessidade de mais tempero. Escreveu: “Carne leve, boa, sem gosto bem definido. Não muito duro ou pegajoso, uma carne agradável e de excelente paladar!”. Fica a dica!

Man Ray, fotografo e diretor de vários curtas surrealistas como o clássico “Le Retour à La Raison” (1923), relatou que Seabrook pediu para que ele cuidasse seu apartamento uma tarde. Ao chegar lá o fotografo encontrou uma garota nua acorrentada ao pilar da escadaria com um cadeado e instruções para não ser desamarrada pois estava recebendo muito bem por aquele serviço. Seabrook era um sádico sexual dado a cultivar práticas de sexo bizarro gostoso. Diz a lenda que circula em torno de sua figura, que quando viajava uma de suas malas estava sempre cheia de chicotes e correntes para satisfazer suas fantasias sexuais.

No final de 1933 foi internado na instituição mental de Westchester County para tratamento de alcoolismo, onde permaneceu internado durante quase seis meses e, em 1935, publicou “Asylum”, livro onde relatou suas experiências no hospício e que acabou se tornando um best seller. Ainda em 1935 se casou com Marjorie Muir Worthington, uma escritora com mais de 15 livros publicados, incluíndo “The Strange World of Willie Seabrook” (1966). O casamento durou somente até 1941 por culpa do alcoolismo de William e seu comportamento cada vez mais sádico nas diversões sexuais do casal. Em 1961 foi produzido o telefilme “Witchcraft” de Harold Young, com inspirações nos estudos ocultistas de William, filme este que infelizmente ainda não consegui assistir.

Em 1945, no dia 20 de setembro, cometeu suicídio por overdose de drogas. No final da vida costumava afirmar que “não havia visto nada que não têm uma explicação racional e científica”. Em tempos que o cinema americano se encontra tão sem idéias, seria lindo ver uma produção bem feita sobre a vida de Seabrook e suas descobertas macabras.

Receita de Carne Humana Agridoce

Ingredientes:

600 g de carne humana cortada em cubinhos de 2cm

1/2 xícara (chá) de farinha de trigo

1 ovo

1/2 xícara (chá) de açúcar

1/2 xícara (chá) de vinagre

1/3 xícara (chá) de suco de abacaxi

1/4 xícara (chá) de catchup

1 colher (chá) de molho de soja

2 colheres (sopa) de maizena

2 colheres (sopa) de água

1 xícara (chá) de pedacinhos de abacaxi em calda, escorrido

1 pimentão verde cortado em pedaços de 1cm

Óleo para fritar

Sal e pimenta-do-reino a gosto.

Modo de Preparo:

Misture a farinha e o sal. Passe a carne humana no ovo batido e depois na mistura de farinha, até que os pedaços estejam bem cobertos. Frite a carne numa frigideira em bastante óleo quente por 6 a 8 minutos, ou até que fique bem dourada. Retire, escorra e reserve mantendo quente. Em uma panela funda, misture o açucar, o vinagre, o suco de abacaxi, o catchup e o molho de soja e pimenta-do-reino, se desejar. Leve ao fogo e deixe levantar fervura. Misture a maizena com água e adicione ao molho, mexendo sempre. Continue cozinhando até que o molho engrosse. Reserve. Junte ao molho a carne humana quente, os cubinhos de abacaxi e os pedaços de pimentão. Esquente outra vez, mexendo sem parar, por cinco minutos. Sirva enquanto quente, acompanhado de arroz.

* IMPORTANTE: Como Seabrook nos ensinou, não faça este prato em casa, faça-o na casa de algum amigo sem nada falar. Como sou vegetariano não testei este prato.

O Imperativo Econômico: Porque foi Necessário o Cinema B

O volume total da produção de Hollywood, nas décadas de 1930 e 1940, encontra paralelo em poucas outras formas artísticas. E tal como o florescimento da pintura em Florença no século XV, ou o esplendor do romance na Inglaterra vitoriana, a Idade de Ouro da indústria cinematográfica foi produto de circunstâncias econômicas bem determinadas. Por alguma coisa a Idade de Ouro esteve, qualitativamente, longe de ser dourada. Só uma pequena porção dos filmes produzidos nos anos 30 e 40 é hoje lembrada. Ainda vemos os filmes de grandes vedetes e as obras pessoalizadas dos grandes realizadores (Ford, Hawks, Walsh, Cukor, McCarey, etc.), mas a esmagadora maioria dos filmes de Hollywood dos anos 30 e 40 eram pura e simplesmente mulas de carga: filmes destinados a pagar a renda e as contas pequenas.

Isto implica, de fato, uma análise financeira que está para lá do âmbito deste ensaio. A história definitiva das finanças de Hollywood está por ser escrita e este trabalho nem chega a ser um começo. Por alguma coisa a ênfase deste artigo é quase exclusivamente sobre as companhias que faziam filmes B. O grupo das diferentes companhias produtoras de filmes B era coletivamente chamada “B-Hive” e “Gower Gulch”. Prosperaram entre 1935 e 1950. Hoje em dia os historiadores de cinema lembram-nas como “Poverty Row”. Muita de sua produção foi, há muito, esquecida; pouco aparece, mesmo na televisão ou nas sessões de cinema de cineclubes e Universidades. E certamente hoje em dia poucos sabem que era a Monogram Pictures, Republic, Producers Releasing Corporation, entre outras produtoras. A maioria das pessoas pensa em filmes B simplesmente como filmes de baixo orçamento, com enredos seguindo determinadas fórmulas. Outros podem, acertadamente, fazer notar que o filme B era o filme que constituía a “lower half” do “Double Bill” (também conhecido como “Double feature”). Estas definições são ambas corretas, mas, talvez, incompletas. A razão porque os filmes B foram o que foram (e mesmo porque existiram) deve-se ao sistema de exibição de filmes nos estados Unidos nos anos 30 e 40.

Double Bill

De 1935 até cerca de 1950, os espectadores americanos esperavam ver um “Double bill”, com dois filmes completos, cada vez que iam ao cinema. Além disso havia ainda os desenhos animados, um noticiário e vários trailers. Foi o espectador da Depressão quem primeiro exigiu um programa completo, de mais de três horas de duração, em troca de seu dinheiro. Esta conduta é uma conseqüência lógica do estado de espírito durante a Depressão. Que só alguns espectadores costumavam assistir à programação completa está fora de causa.

Por volta de 1932 muitos cinemas tinham começado a proporcionar “Double bills” e, pelo fim de 1935, essa prática tinha-se revelado tão popular que 85% dos cinemas tinham “Double bills”. Só os cinemas de primeira classe, situados nas maiores cidades, mantinham sessões simples.

Tinha havido, certamente, produções de baixo custo antes da chegada do “Double Bill”, mas, como veremos, foi esta que tornou os filmes B uma necessidade.

Distribuição: Uma Digressão

Quando a era do “Double Bill” despontou, o sistema de distribuição era muito diferente de hoje (este texto foi escrito no final dos anos de 1980). Cinco das maiores companhias (RKO, MGM, Twentieth Century-Fox, Warner Brothers e Paramount) possuíam grandes cadeias de cinema. E controlavam, por isso, os meios de exibição, produção e distribuição. Estas cinco companhias, “verticalmente integradas” (na terminologia do negócio), controlavam os seus produtos em todo o percurso, desde a criação, passando pelo marketing, até o seu destino final.

Numa decisão histórica, anti-trust, de 1948, o Supremo Tribunal determinou que este tipo de “integração vertical” violava as leis anti-trust e ordenou às cinco companhias em questão que vendessem os seus cinemas. A separação entre exibição e produção/distribuição levou quase cinco anos. Até esta ordem de desmembramento, grande parte da indústria cinematográfica usufruía de distribuição “garantida”. Os filmes RKO passavam em cinema RKO. Os filmes da Paramount nos cinemas Paramount e assim sucessivamente. Cada companhia sabia quantos cinemas controlava e em quantos podia se apoiar.

As companhias sabiam, igualmente, que tinham aquilo que se podia chamar de “audiência garantida”. O índice de audiência tinha atingido setenta e cinco milhões de espectadores por semana, pelos fins dos anos 30, e tinha continuado a subir durante a guerra e, finalmente, tinha atingido o seu auge com o espantoso número de um bilhão de espectadores por semana, dois terços da população total americana, em 1946. Dois anos mais tarde a freqüência semanal tinha descido para oitenta e cinco mil e a grande queda começava, com quarenta mil em 1957 e vinte mil nos finais dos anos 60, princípios de 70.

Entra o Filme B

A posição invejável das companhias em relação à audiência e aos cinemas, juntamente com o programa duplo, colocou os estúdios numa espécie de dilema. Estavam mais do que desejosos de fornecer as melhores cartas (os filmes classe “A”, com grandes nomes como Gable, Cagney, Bogart, Tracy, Harlow, Davis, Crawford, etc), mas, em grande parte, as principais companhias não tinham interesse, nem possibilidades, de fornecer o “second feature”.

É óbvio que o filme classe “A” iria ficar com a grande parte das bilheterias. Graças à distribuição garantida não havia praticamente riscos ao produzir o “second feature” (ou “B”), mas os lucros seriam modestos. Os grandes estúdios encontravam, pois, pouca ou nenhuma razão econômica para produzir filmes B. A razão disto era o sistema que as grandes companhias tinham criado, no qual o filme “A” jogava com a porcentagem do produto de bilheteria, que ia para o produtor/distribuidor, e o exibidor ficava com o resto. No caso das companhias integradas, isto era mais ou menos um exercício de contabilidade, já que eventualmente todo o dinheiro ia para a mesma caixa, mas as sessões de produção e exibição destas companhias eram dirigidas separadamente. A divisão podia ser nesta porcentagem, 60/40 – 60% para os distribuidores, 40% para o cinema), e no caso de um filme extraordinariamente popular, a divisão podia ir até 80/20 ou mesmo 90/10 (nos anos de 1970 ainda acontecia, em grandes produções como “The Godfather” e “The Exorcist”, esse tipo de porcentagem).

É óbvia a razão pela qual as companhias não realizavam “Double bills” com dois filmes de primeira classe. Porque gastar tudo na mesma jogada, quando se pode recolher duas entradas sobre dois filmes? Em contraste com a porcentagem do filme “A”, a do outro filme jogava com um rendimento invariável (fixo). Visto que o rendimento não se baseava na freqüência ou popularidade, o produtor podia prever com bastante precisão quanto ganharia em cada filme B. Mas faltava a possibilidade de lucros espetaculares devido a um êxito estrondoso. Era por isso que as grandes companhias se esquivavam de produzir tais filmes. Contudo, havia poucos riscos. Uma companhia podia produzir um filme B por 75/80.000 dólares e tirar um lucro de 10/15.000 dólares. E vendo que se podia fazer um razoável lucro fornecendo nada mais do que filmes de gênero, de uma hora de duração, sem grandes custos, que muitas companhias menores entraram em cena para apanhar os minúsculos lucros que as grandes companhias desprezavam.

Uma Digressão: O Sistema de “States’Rights”

Muitas companhias produtoras de filmes B, financeiramente incapazes de montar um sistema privado de distribuição, entregavam o lançamento dos seus filmes a distribuidores independentes, a coberto do “states’rights”. Mediante este arranjo, uma forma de “franchise”, uma companhia vendia o direito de distribuir os seus filmes numa base territorial. A Monogram, nos anos 30 podia, por exemplo, vender os seus filmes para o Sudoeste a um distribuidor de Atlanta e para o Midwest a um distribuidor de Chicago, etc. Os distribuidores, neste sistema, eram conhecidos por “franchisees”. Uma única firma, é claro, podia negociar produtos de várias companhias, e muitas faziam-no.

A Monogram e a Republic chegaram a ter seus próprios escritórios de distribuição nas grandes cidades, mas quase todas as outras companhias utilizavam o sistema de “states’rights”. Era o processo mais econômico de distribuição, pois não requeria nenhum investimento direto adiantado da parte do produtor na distribuição (além, claro, do custo de produzir o filme em primeiro lugar). É óbvio que os “franchisees” recebiam, pelos seus esforços, uma porcentagem sobre a receita de cada filme.

Nos anos 30, um importante grupo destas firmas era a First Division que lidava com os estúdios Monogram, Chaterfield e Invencible. Nos anos 40, a Aster Pictures e a Cavalcade Films eram dois dos mais importantes distribuidores independentes. Mesmo nos anos 60 e 70, produtores independentes como Russ Meyer e Roger Corman fizeram uso deste sistema.

As Companhias B

A somar às cinco grandes companhias integradas havia três semi-grandes: a Columbia e a Universal, que eram produtoras/distribuidoras e a United Artists, que só distribuía.

Então vieram as companhias de filme B. As duas mais importantes foram a Republic e a Monogram. Ambas duraram de meados dos anos 30 até os anos 50. As produções destas duas companhias simbolizavam a clássica companhia de filmes B de Hollywood. Além da Republic e da Monogram, proliferaram pequenas companhias de filmes B pouco após o aparecimento do som. Houve um abalo, com muitas companhias que se afundaram nos momentos mais negros da depressão, entre 1932 e 1934. A situação estabilizou-se, gradualmente, e por volta de 1937 as três mais importantes companhias de filmes B era a Republic, a Monogram e a Grand National. A companhia fenômeno de filmes B dos anos 40 foi a PRC (Producers Releasing Corporation), mas por volta de 1947 já tinha desaparecido. Os anos 50 viram o fim da Republic e da Monogram e a formação da American International Pictures, a popular A.I.P. de James H. Nicholson e Samuel Z. Arkoff, casa de gente como Roger Corman, Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, entre muitos outros. No começo dos anos 60 foi aparecendo, gradualmente, uma nova vaga de grupos tendo em vista a realização de filmes B de Exploitation, entre eles a Cinemation, Fanfare e Crown International.

Um Pouco de História das Companhias B

Uma das mais antigas companhias de segunda classe era a Tiffany, conhecida por Tiffany-Stahl na era do cinema mudo (o realizador John M. Stahl era também, em parte, proprietário da companhia e chefe de produção, ótima situação para um realizador). O principal credor da Tiffany-Stahl, nesta altura, era Mae Murray. Produzia principalmente filmes leves de alta sociedade, como “Husband and Lovers” (1924), que mais tarde teriam passado por filmes classe “A”. Em 1931, contudo, Stahl foi para a Universal. A companhia Tiffany muda sua produção (devido à subida de custos de produção provocado pelo som) e passa a produzir westerns baratos, geralmente com Phil Rosem ou Al Rogell como realizadores; mas no outono de 1932, a Tiffany estava em terríveis apuros finaceiros. A Sono Art-World Wide, outra companhia de “poverty Row”, comprou os filmes da Tiffany quando esta fechou as portas. Mas, dentro de um ano, seu destino era idêntico, com a Twentieth Century-Fox comprando a Sono Art-World Wide, que tinha sido fundada apenas três anos antes.

Muitas outras obscuras companhias se perderam entre 1932 e 1934. Magestic, dirigida por um ambicioso produtor chamado Larry Darmour, faliu após três anos de negócios, em 1935. A sua única produção interessante foi “The Vampire Bat” (1933, com  Fay Wray e Dwight Frye, lançado no Brasil pela Dark Side, da London Filmes, com o título de “O Morcego Vampiro”), realizada por Frank Stryer. A Chaterfield, fundada em 1928, e a Invencible, fundada em 1932, partilharam escritórios e estúdios e tinham ligações financeiras. Ambas se especializaram em melodramas de ação e mistério e desapareceram em 1936. O produtor Ralph M. Like distribuía suas produções sob a sigla de Action Pictures e Mayfair Pictures, ambas desapareceram em 1933. Do mesmo modo o produtor M.H. Hoffman lançava seus filmes sob as siglas Allied e Liberty, abandonando-as em 1934 para tornar-se produtor na Monogram.

Victory Pictures (primeira empresa do lendário Sam Katzman), Puritan Pictures, Ambassador-Conn (de Maurice Conn), havia, literalmente, dúzia de minúsculas companhias com grandes nomes comercialmente sonantes, que duravam dois ou três anos e depois desapareciam. A alta taxa de mortalidade destas companhias recém nascidas não é de surpreender se considerarmos que uma indústria completamente nova estava nascendo (a de produção dos filmes B). Era um caso de sobrevivência do mais apto e temos que admirar a grande determinação dos que, em plena depressão, decidiam fundar companhias cinematográficas.

Em 1934 era nítido que as principais companhias produtoras de filmes B eram a Monogram (fundada por W. Ray Johnston em 1930) e a Mascot, que Nat Levine criara em 1929. A Mascot era a grande fonte de filmes em episódios e a Monogram tinha um programa equilibrado de produção de filmes B. Em 1934 a Monogram produzia 36 filmes por ano.

Aconteceu que estas firmas estavam em dívida com o Consolidated Film Laboratories, um laboratório de revelação de filmes que lidava com muitos filmes B. O dono da CFL, Herbert J. Yates, queria dirigir uma companhia de cinema e exigiu o pagamento da dívida à Monogram e à Mascot e fundiu-as, nos princípios de 1935, na Republic Pictures. Levine parece ter ficado satisfeito com este arranjo e os filmes em episódios, no estilo da Mascot, tornaram-se rapidamente um produto da sigla Republic. Mas passado alguns anos, W. Ray Johnston e seu sócio Trem Carr, compreenderam que não estavam se acertando com o poderoso Yates; abandonaram a Republic e ressuscitaram a Monogram de 1936 a 1937. Pelos fins de 1937 a nova Monogram tinha produzido 20 filmes e uma nova companhia menor tinha surgido em cena, a Grand National, que tinha sido fundada em 1936 por Edward Alperson, antigo gerente de distribuição que tinha conseguido assinar um contrato com James Cagney, durante uma das brigas periódicas do ator com a Warner. Cagney apareceu no filme “Great Guy” (1936) de John Blystone, a única produção digna de mérito da Grand National. A firma ainda conseguiu fazer muitos filmes medíocres durante os seus três anos de existência, falindo em 1939, depois de ter investido 900 mil dólares num musical de Victor Schertzinger, “Something to Sing About”. Alperson partilhava das ambições de Johnston e Yates, mas sua má admistração afundou a Grand National.

Por causa da falência da Grand National, outro gerente de distribuição cinematográfica resolveu formar uma companhia para a produção de filmes B e tomou conta dos antigos estúdios da Grand National. Depois de ter tido vários nomes (Progressiv Pictures, Producers Distribuing Corporation, Sigmund Neufeld Productions) e várias crises finaceiras, Judell conseguiu, finalmente, arranjar um nome de que gostava: Producers Realeasing Corporation, PRC, que inclusive possuía alguns cinemas, e foi o maior competidor da Republic e da Monogram ao longo dos anos 40. Produzia vários tipos de filmes: westerns, filmes de guerra, de mistério, musicais e até mesmo alguns filmes em episódios (algo que a Monogram evitou fazer). No fim dos anos 40 a procura por filmes B tinha baixado. A PRC, sempre marginal, estava com problemas. Em 1947 foi absorvida pela Eagle-Lion, uma companhia distribuidora cujo dono era o inglês J. Arthur Rank. E assim desapareceu a sigla PRC. Quatro anos depois, a United Artists comprou a Eagle-Lion e, tal como a Sono Art-World Wide, a PRC acabou sendo absorvida por uma grande companhia.

escrito por Charles Flynn e Todd McCarthy.

Com uma pálida face de felina e sobrancelhas inclinadas para lá!

Nós do Canibuk adoramos as divas macabras e sexys que marcaram o cinema entre as décadas de 30 e 60, Carolyn Jones (Morticia Adams), Yvonne De Carlo (Lily Munster), Elsa Lanchester (Noiva do Frankenstein) e a mais recente, Cassandra Peterson (Elvira). Mas nesse post vamos falar daquela que certamente inspirou a maioria delas:  Vampira, personagem inesquecível da Maila Nurmi que ficou popular nos anos 50.

Maila Nurmi nasceu na Finlândia em 1922, mas foi ainda bebê pros EUA. Foi  atriz da Broadway,  onde trabalhou com a Mae West na Peça “Catherine Was Great” , sendo demitida pela mesma em 1944, porque, segundo consta, a West temia estar tendo seu brilho ofuscado. Também foi dançarina e modelo, chegando a modelar pro Alberto Vargas (o famoso pintor das Pin Ups) e Man Ray e fez pequenas participações em filmes de baixo orçamento.

A personagem  surgiu em 1953 num anual baile de máscaras que existia em Hollywood naquela época, inspirada no cartoon  “The New Yorker” de Charles Addams,  ela achatou os seios, usou uma enorme peruca preta e pintou o corpo com pó de lavanda pra ficar com aparência de morta. Derrotou, neste baile, vários concorrentes, ganhando o prêmio de melhor figurino. Chamou também a atenção do produtor de TV Hunt Stromberg Jr., que a perseguiu por uns 5 meses, conseguindo enfim seu número de telefone. Tudo isso lhe rendeu o convite para apresentar o programa de horror que se chamaria “The Vampira Show” e seria exibido tardes da noite numa espécie de chamadas que podemos comparar por aqui com o Cine Trash, apresentado pelo Zé do Caixão nos anos 90, e que era do caralho, diga-se de passagem. Pra não plagiar a criação de Addams, ela fez algumas modificações na personagem, tornando-a mais sexy e acrescentando elementos de outras influências culturais. Misturando o penteado e a cigarrilha da “Lady Dragon” dos quadrinhos “Terry and the Pirates“, a maquiagem e sobrancelhas da “Rainha Malvada” de “Branca de Neve“, a cintura fina e as longas unhas de dominatrixes tiradas de revistas especializadas em fetiche e pin ups.

Lady Dragon, os cabelos e cigarrilha - elementos que Maila incorporou na personagem Vampira.

O nome Vampira foi sugestão do seu marido Dien Riesner, que era um roteirista. A mulher alta e macabra de pele pálida, sobrancelhas exageradamente arqueadas, longos cabelos pretos, unhas vermelhas enormes, cintura finíssima, usando um vestido preto com uma fenda que revelava suas pernas vestidas numa meia arrastão, arrebatou de primeira uma legião de fãs, muitos do sexo masculino, com fã-clubes surgindo em todo o mundo. Conhecida como sendo mal-humorada e sem “papas na língua” confessou usar o sexo como sua arma, e que se utilizava, conscientemente, de  seus longos dedos e da cigarrilha pra passar idéia  de símbolos fálicos, –gostei demais dessa parte, ahahaha. Seguiu-se uma sucessão de aparições e shows que só aumentavam sua popularidade, foi indicada ao Emmy em 1954,  apareceu em diversos artigos de revistas e em shows especiais por volta de Las Vegas. O Vampira Show durou apenas um ano. Em 1955, Maila teve seu programa cancelado e foi demitida da TV por suspeita de inclinações comunistas, segundo anunciou um jornal da época.

Tendo chamado a atenção de Bela Lugosi, que quando a viu na TV se declarou fã e confessou a Ed Wood sua vontade de trabalhar com a vampira exótica, foi convidada, então,  para fazer a mulher de Lugosi no filme  “Plan 9 from Outer Space“.  Pouco depois do início das filmagens, Bela Lugosi faleceu, mas o filme foi concluído, pois Ed Wood já tinha filmado um bom material com ele.

Logo após as filmagens  de “Plan 9 from Outer Space“, Maila declarou estar consciente de ter cometido “suicídio profissional”, desacreditava tanto no roteiro do filme que pediu pra não ter falas. Revelou ter pena de Ed Wood e o chamava de “pouco inteligente”.  Ironicamente, hoje ela é mais conhecida  pelo papel nesse filme do que pelos shows e aparições que fez por onde quer que fosse.

No final dos anos 50, sua carreira entrava em declínio. Começou a fazer participações em filmes considerados “péssimos”, numa tentativa de estender a fama.

Em 1981, Maila foi sondada por uma TV de Los Angeles que surgiu com a idéia de reviver a Vampira na televisão. Colaborou com a produção do show onde teria os créditos de produtora executiva, mas, devido a incompatibilidade de idéias, largou o projeto. Em 2005, confessou a Bizarre Magazine que tudo aconteceu porque a emissora tinha contratado a atriz Cassandra Peterson sem a consultar. Como ela detinha os direitos sobre a personagem, não foi possível usarem o nome Vampira, então logo renomearam o show para “Elvira’s Movie Macabre“, com a Peterson como apresentadora. Maila processou Cassandra Peterson alegando que a personagem Elvira juntamente com todos os elementos do show não passavam de plágio.  Peterson se defendeu dizendo que Elvira nada tinha de Vampira, exceto o vestido e cabelos pretos. Maila perdeu o processo. Mas não restam dúvidas que a personagem  Elvira é fortemente influenciada pela Vampira, o que só aumenta a força  e importância dessa personagem que virou um ícone do horror.

The Vampira Show

Do dia 30 de abril de 1954 até 02 de abril de 1955, a rede ABC Television, de Los Angeles, através de sua afilhada KABC-TV, levou ao ar o show de variedades “The Vampira Show”, apresentado por Vampira e criado/produzido por Hunt Stromberg Jr., programa feito ao vivo (por este motivo, cenas com a Vampira apresentando este programa são verdadeiras raridades). Com um salário semanal de 75 dólares, Vampira apresentava para o público da TV vários clássicos do cinema de horror do passado. A música tema do programa foi criada a partir do movimento adagio do “Music for Strings, Percussion and Celesta” do compositor Bela Bartok, misturado com trechos de “The Planets” de Gustav Holst. A série foi cancelada em 1955, quando Maila Nurmi se recusou a vender os direitos da personagem para a rede de TV ABC (e foi acusada de ser comunista).

No youtube há umas poucas imagens do programa original, como é possível conferir no vídeo abaixo:

Após se aposentar, Maila virou pintora e começou a pintar retratos da Vampira.  Os quadros são muito procurados por colecionadores. Morreu dormindo, aos 85 anos, em janeiro de 2008.

Na música ela foi homenageada por bandas como Misftis, com a música “Vampira”:

E no Brasil, pela banda Zumbi do Espaço, com a música “Nos Braços da Vampira”:

Além da própria vampira, em carne e ossos, cantar duas músicas no EP “I’m Damned” com a banda Satan’s Cheerleaders em 1987.

Caça às Bruxas

A carreira de Maila Nurmi foi prejudicada quando ela foi acusada de ser comunista pelos macartistas comandados por Joseph Raymond McCarthy, um político de extrema direita que foi eleito senador pelo partido Republicano em 1946 (após ter sido rejeitado pelo partido Democrata) e, durante os próximos 10 anos de sua vida política, ele e sua equipe tornaram-se célebres pelas agressivas e infâmes investigações nos USA contra os simpatizantes do Comunismo. McCarthy propôs acabar com greves usando a força do exército e queria ainda levar quem se recusasse a trabalhar ao tribunal marcial. O período entre 1950 e 1956, quando as perseguições se tornaram mais fortes, é conhecido pelo nome Macartismo, “terror vermelho” ou, ainda, como “caça às bruxas”, numa alusão ao período da idade-média onde os católicos perseguiam seus inimigos acusando-os de bruxaria. Muitas pessoas tiveram suas carreiras destruídas pelos macartistas, várias chegando a se suicidarem. Por sorte, o senador McCarthy morreu em 02 de maio de 1957, vítima de hepatite aguda.

Filmes com Maila Nurmi/Vampira

Em 1947 Maila Nurmi, antes da fama, estreiou no longa dramático “If Winter Comes” de Victor Saville no papel não-creditado de uma convidada. No ano seguinte, 1948, fez outra figuração na comédia musical “Romance on the High Seas” de Michael Curtiz como uma passageira num navio, também não-creditada. Depois de seu programa na TV (além do “The Vampire Show”, ela ainda trabalhou nos programas “The Red Skelton Show”, “Vampira” (1956) e “Playhouse 90” (1957), este dois últimos, tentativas de retornar à personagem Vampira em outros canais de TV). Segue uma listinha de produções onde a Vampira interpreta personagens que merecem uma conferida:

“The Beat Generation” (1959, 95 min.) de Charles F. Haas, sobre um detetive em busca de um estuprador. Maila Nurmi interpreta uma poetisa.

“Plan 9 From Outer Space” (1959, 79 min.) de Edward D. Wood Jr., uma louca invasão de gays espaciais que pretendem dominar o mundo ressuscitando os mortos. Nurmi aparece creditada como Vampira e faz o papel dela mesma.

“The Big Operator” (1959, 91 min.) de Charles F. Haas, drama de investigação criminal estrelado pela Mamie Van Doren e Mickey Rooney. Nurmi aparece no papel de “Gina”.

“Sex Kittens go to College” (1960, 94 min.) de Albert Zugsmith, comédia adolescente estrelada por Mamie Van Doren onde Nurmi faz o papel de “Etta Toodie”.

“The Magic Sword” (1962, 80 min.) de Bert I. Gordon, fantasiadramática estrelada pelo astro Basil Rathbone onde Nurmi faz um pequeno papel.

“Dry” (1996, 10 min.) de Mika Ripatti, depois de ter ficado por vários anos afastada do cinema (depois de “The Magic Sword” ela só fez uma pequena participação não-creditada no longa “Population: 1” de Rene Daalder, no papel de uma mãe), Maila Nurmi reaparece neste curta “Dry” no papel principal.

“I Woke Up Early the Day I Died” (1998, 90 min.) de Aris Iliopulos, uma comédia com roteiro escrito nos anos de 1960 por Edward D. Wood Jr. e estrelado por Billy Zane, Tippi Hedren, Ron Perlman e Christina Ricci. Nurmi faz uma participação como uma mulher no lobby de um hotel.

“No Way In” (2000, 20 min.) de Sam Mussari, curta-metragem que marca a última aparição de Maila Nurmi no cinema, aqui no papel de uma mulher num bar.

Em 1994 Tim Burton realizou sua obra-prima “Ed Wood”, a cinebiografia do diretor/produtor/roteirista Edward D. Wood Jr., interpretado por Johnny Depp, onde a modelo Lisa Marie encarna, com perfeição, a Vampira e a apresenta para uma nova geração de fãs. Nesta produção de Burton temos um gostinho de como teria sido o programa “The Vampira Show” e sua popularidade em Hollywood durante a curta temporada da série. “Ed Wood” foi lançado em VHS/DVD no Brasil. Item obrigatório na coleção de qualquer cinéfilo que se preze.

Documentários Imperdíveis com Depoimentos de Maila Nurmi/Vampira

“James Dean: The First American Teenager” (1976) de Ray Connolly.

“The Incredibly Strange Film Show: Ed Wood Jr.” (1989) – Uma série de documentários sobre cineastas bagaceiros geniais, sempre apresentados por Jonathan Ross.

“Flying Saucers Over Hollywood: The Plan 9 Companion” (1992) de Mark Patrick Carducci.

“Vampira” (1995) de Mika Ripatti, sobre a carreira de Maila Nurmi, produzido na Finlândia.

“The Haunted World of Edward D. Wood Jr.” (1995) de Brett Thompson.

“Schlock! – The Secret History of American Movies” (2001) de Ray Greene.

“Monsterama: A Tribute to Horror Hosts” (2004) de Ed Polgardy.

“American Scary” (2006) de John E. Hudgens.

“Vampira: The Movie” (2006) de Kevin Sean Michaels, sobre a vida e obra de Maila Nurmi.

Classic Collection da Flashstar

A distribuidora flashstar está lançando alguns clássicos do cinema “B” e do cinema trash em versões colorizadas digitalmente, as cópias estão lindas e os filmes até agora parecem escolhidos à dedo. Nos DVDs rola até alguns extras e trazem, sempre, a versão colorida e a versão original em preto e branco no DVD (mas os cuidados com essa coleção poderiam ser ainda maiores, “Zaroff”, por exemplo, veio com o rótulo todo errado, como comentarei mais abaixo). Neste mês abre a pré-venda de “Phanton From Space”  (1953) de W. Lee Wilder  e “Phantom Planet”  (1961) de William Marshall. Testei os seguintes DVDs:

“The Last Man On Earth” (“Mortos Que Matam”, 1964, 86 min.) de Ubaldo Ragona. Com: Vincent Price, Franca Bettoia e Emma Danieli. O roteiro deste filme é baseado no livro “I Am Legend” de Richard Matheson e mostra a humanidade sendo dizimada por um vírus que transforma os humanos numa espécie de vampiros zumbificados (acho este filme uma delícia, mas faltou os zumbis dele serem perigosos como foram os zumbis do George A. Romero em 1968, no clássico “The Night of the Living Dead”). Vincent Price é um cientista que não é infectado e acredita ser o último homem no planeta Terra. Existem várias outras versões prá essa história, sendo a melhor de todas a produção “The Omega Man” (1971), de Boris Sagal, estrelado pelo Charlton Heston. Nos extras do DVD temos Vincent Price apresentando um episódio da cine-série “Aconteceu em Hollywood”, sobre filmes de faroeste.

“The Devil Bat” (“O Morcego Diabólico”, 1940, 68 min.) de Jean Yarbrough. Com: Bela Lugosi e Suzane Kaaren. Lugosi é um cientista enlouquecido por seus patrões gananciosos e busca vingança criando uma raça de morcegos diabólicos. Um intrépido repórter investiga as mortes e começa a suspeitar de uma misteriosa loção pós-barba que está sendo utilizada em toda a cidade e que pode ter relação com os tais morcegos. Este filme foi produzido praticamente sem dinheiro pela Producers Releasing Corporations e em 1990 foi restaurado em 35mm por Bob Furmanek. O diretor Jean Yarbrough também dirigiu o “She-Wolf of London” (1946) e alguns filmes da dupla Abbott & Costello.

“Reefer Madness” (“A Erva Maldita”, 1936, 65 min.) de Louis J. Gasnier. Com: Dave O’Brien, Dorothy Short, Carleton Young, Thelma White e Kenneth Craig. Este clássico anti-maconha também era conhecido pelo título “Tell You Children” na época que foi lançado e sobreviveu ao tempo graças ao culto de maconheiros cinéfilos que rolam de rir com os absurdos mostrados nesta produção hilária. Acompanhamos um traficante de maconha que vicia as crianças da sociedade americana com apenas uma simples tragada num inocente baseadinho e ficamos sabendo de casos de usuários de maconha, como o garoto de 16 anos, que “fumou a terrível droga e matou toda a família com um machado” ou a garota de 17 anos que após fumar “se deixou ser seduzida por cinco homens mais velhos ao mesmo tempo”. A versão colorizada digitalmente mostra a fumaça dos baseados coloridos, variando de fumaça verde até rosinha. Genial!!! Esse filme é uma diversão, em 2005 Andy Fickman refilmou “Reefer Madness” como um musical, mais demente, mais engraçado, com cenas gores, zoações com religião e até zumbis (foi lançado aqui no Brasil em DVD pela distribuidora Imagem Filmes com o título de “A Loucura de Mary Juana”, pode sair atrás dele que é ótimo). Nos extras deste lançado pela Flashstar há o divertido curta documentário “Grandpa’s Marijuana Handbook” onde um velho de quase 80 anos explica as virtudes de se fumar maconha.

“The Giant Gila Monster” (“O Gigante Monstro Gila”, 1959, 75 min.) de Ray Kellogg. Com: Bob Thompson, Lisa Simone, Shug Fisher e Don Sullivan. Um lagarto gigante (na verdade um lagarto comum andando sem rumo por entre carros em miniatura bem vagabundos) começa a atacar uma região dos Estados Unidos e o xerife da localidade precisa pedir a ajuda de um mecânico adolescente bom moço, tão bom moço que chega a irritar. Os efeitos deste filme são hilários, como quando o lagarto é empurado por algum desalmado da equipe técnica para arrebentar uma parede de isopor. As miniaturas feitas para este filme são muito vagabundas, por isso mesmo, o filme virou um cult e merece ser revisto sempre. Em tempo: a trilha sonora deste filme é uma delícia.

“The Killer Shrews” (“O Ataque dos Roedores”, 1959, 68 min.) de Ray Kellogg. Com: James Best, Ingrid Goude, Ken Curtis e Gordon McLendon. Eis que Ray Kellog ataca novamente com outro clássico de orçamento extremamente baixo, também filmado no Texas. Aqui um capitão de navião chega até uma remota ilha deserta onde um grupo de cientista está realizando experiências biológicas secretas e descobre que a ilha está dominada por roedores (os terríveis Musaranhos aqui no filme são cães maquiados para parecerem roedores gigantes, inacreditável a cara de pau de Kellogg) que precisam ser exterminados. A seqüência final com o capitão, mais a mocinha do filme e seu pai cientista, fugindo dos roedores dentro de tonéis de lata é uma das coisas mais divertidas já filmada em todos os tempos. Nos extras do DVD há um documentário chamado “Saiba mais sobre os Musaranhos”, mas é sobre esquilos, o que me fez rolar de rir histérico.

“Bride of the Monster” (“A Noiva do Monstro”, 1955, 69 min.) de Edward D. Wood Jr. Com: Bela Lugosi, Tor Johnson, Tony McCoy e Loretta King. Bela Lugosi, mais canastrão que habitualmente, interpreta o Dr. Vornoff, um cientista que pretende criar uma raça de super-homens atômicos para dominar o planeta Terra e é auxiliado pelo gigante Lobo (Tor Johnson em seu melhor momento no cinema). Ed Wood estava inspirado quando filmou este longa com orçamento zero, prá quem se interessa pelos bastidores dos filmes, recomendo o longa “Ed Wood” (1994) de Tim Burton, que mostra um pouco do que foi as filmagens deste clássico cult. “Night of the Ghouls” (1959), também de Wood, é a seqüência deste filme e, após ter sido finalizado, passou década sem ser exibido em lugar algum. Nos extras do DVD uma entrevista com Bela Lugosi.

“Missile to the Moon” (“Míssil Para A Lua”, 1958, 78 min.) de Richard E. Cunha. Com: Richard Travis, Cathy Downs e K.T. Stevens. O governo americano cancela o projeto científico da viagem para a Lua e o cientista Dirk Vert resolve ir por conta própria para nosso satélite com dois presidiários escondidos na nave espacial. Chegando na Lua, eles precisam ficar apenas nas regiões de sombras (para não serem queimados pelos raios solares) e descobrem que nessas sombras se escondem monstros lunares, mulheres e gigantescas aranhas malignas. “Missile to the Moon” é uma refilmagem do “Cat-Women of the Moon” (1953) de Arthur Hilton. Reparem nas aranhas gigantes sendo controladas por fios indiscretos e na paisagem lunar que se assemelha muito à região de Vasquez Rocks, pertinho de Los Angeles.

“The Most Dangerous Game” (“Zaroff – O Caçador de Vidas”, 1932, 63 min.) de Irving Pichel & Ernest B. Schoedsack. Com: Joel McCrea, Fay Wray, Leslie Banks e Robert Armstrong. O roteiro foi adaptado do livro “The Most Dangerous Game” de Richard Connell sobre um grande caçador que resolve começar a caçar humanos como esporte. “Zaroff” foi co-digirido pelo co-diretor de “King Kong” (1933) e, como custou muito pouco sua realização, deu muito mais lucro que a super-produção “King Kong”. A capinha feita pela Flashstar está toda errada, na frente a produção é atribuída ao genial Ray Harryhausen (que nasceu em 1920, ou seja, na época do lançamento deste filme Harryhausen tinha apenas 12 anos) e na parte de trás temos a sinópse do “Bride of the Monster” (ambos os filmes foram entregues no pacote de Março da Flashstar) com a equipe-técnica do “Zaroff”. Em tempo: Fay Wray é a mesma garota por quem o Kong se apaixonou no ano seguinte à essa produção. Abaixo os erros na parte traseira da capinha (mais atenção senhores da Flashstar, por favor!!!).

White Zombie

“White Zombie” (1932, 67 min.) de Victor Halperin. Com Bela Lugosi.

Aqui os irmãos Halperin mostram os zumbis do Haiti (que são pessoas comandadas por um mestre voodoo) estragando os planos de casamento de um casal boboca (os Halperin tinham algum problema não resolvido com o santo matrimônio, só pode). Quando lançado, “White Zombie” foi um grande fracasso de bilheteria (teve vários problemas de distribuição) e crítica (pelo tom sério do filme), mas mesmo assim ganhou uma seqüência em 1936, “Revolt of the Zombies” (já lançado no Brasil pela revista digital Showtime). O Zumbi branco é considerado o primeiro filme na temática zumbis, outros filmes na linha do “White Zombie” são “The Ghost Breakers” (1940), “King of the Zombies” (1941), “I Walked With a Zombie” (1943) e “The Plague of the Zombies” (1966). Aí um certo Sr. Romero apareceu com seus zumbis canibais podres em 1968 e a história ficou bem mais divertida!

E sim, este é o filme que inspirou Rob Zombie a colocar o nome de White Zombie na banda dele.

O filme é meia boca, mas acho que todos devem assistir o clássico “White Zombie” porque faz parte de sua educação cinéfila. Segue link dele full movie no youtube:

Classic Collection da Flashstar

Ontem fiquei sabendo de uma notícia que ao mesmo tempo me fez ficar imensamente feliz e meio revoltado pelo Brasil ter péssimas distribuidoras de filmes. Flashstar (que é uma distribuidora de vídeo que consegue deixar as cópias de seus filmes escuros ou com a imagem péssima) abriu pré-venda de 3 filmes de sua coleção Classic Colletion que vai lançar em DVD no Brasil clásssicos da bagaceirada cinematográfica mundial, os filmes são: “Reefer Madness/A Erva do Diabo” (clássico dos anos 30 sobre os males da maconha), “The Killer Shrews” (sobre ataques de ratos gigantes bagaceiros de 1959) e “The Giant Gila Monster/O Gigante Monstro Gila” (sobre um hilário lagarto atacando, com muita má vontade, humanos canastrões de 1959).

O foda é que a flashstar já destruiu as imagens de vários filmes, por exemplo, não muito tempo atrás comprei a série bagaceira do “Hellraiser” (as primeiras 4 partes foram lançadas por eles numa prometida box que não veio junto) e a imagem dos filmes estava horrível, então o que pensar de filmes que eles podem ter catado em qualquer lugar prá lançar aqui, já que, só prá citar, nos USA “The Killer Shrews” e “The Giant Gila Monster” tinham sido lançados num mesmo DVD.

Encomendei os 3 filmes desta Classic Collection da Flashstar (como encomendei também o “Matinee”, de Joe Dante, que também abriu a pré-venda através deles) para minha coleção e rolou ainda 15% de desconto (por ter pegado todos os títulos) e cada filme ficou custando uns R$ 15,00, mas o preço normal dos filmes nas lojas deverá ser por volta de R$ 23.90). A entrega será dia 26/02/2011, quando deverei voltar a falar sobre a qualidade deles aqui no blog. Minha esperança é que a Flashstar não desista destes lançamentos (acredito que venderá pouquíssima cópias), mesmo porque já prometem para Fevereiro a pré-venda de “The Last Man on Earth/Mortos que Matam” com Vincent Price (que no Brasil é comercializado pela Continental com o absurdo valor de R$ 41.90) e “The Devil Bat/O Morcego Diabólico” com Bela Lugosi.

Glen or Glenda? (1953)

Que o Edward D. Wood Jr. é considerado o pior diretor de todos os tempos todo mundo já está careca de saber, então, prá não ficar falando a mesma coisa de sempre, segue o “Glen Or Glenda?” (filme sobre travestis que ele fez em 1953 e estrelado pelo Bela Lugosi entre uma e outra picada de morfina) inteiro para você assistir neste finalzinho de noite no conforto de seu lar e perceber a genialidade do bagaceiro Ed Wood (se não perceber a genialidade do Wood quem sabe o filme sirva prá despertar o travesti que vive dentro de você):