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Aftermath – A Origem

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on novembro 12, 2012 by canibuk

“Aftermath” (1994, 30 min.) de Nacho Cerdà. Com: Pep Tosar.

Apesar dos poucos trabalhos realizados por Nacho Cerdà, “Aftermath” não é fruto da casualidade, muito pelo contrário, está intimamente ligada ao primeiro curta-metragem filmado por este catalão de 25 anos, “The Awakening” (que participou da vigéssima quarta edição do Festival de Sitges, em 1991), filmado durante um curso de cinema organizado pela universidade do Sul da Califórnia, em 1990. Após finalizar “Aftermath”, Nacho Cerdà declarou: “Minha intenção era filmar a morte da alma com um tratamento aséptico, distanciado; “Aftermath” é como a segunda parte, mostrando a morte do ponto de vista do corpo, da carne!”.

Depois de rodar outro curta-metragem em parceria com Walt Morton (“Casebreakers”, comédia de humor negro que foi lançada durante o Festival de Valencia), a idéia de morte seguia presente em todos os projetos. Um de seus roteiros, “Inmolación”, começou a tomar forma e Cerdà iniciou a pré-produção para filmá-lo em co-produção com a universidade da Califórnia. Após sucessivas mexidas no roteiro, “Inmolación” acabou se tornando um média-metragem de 40 minutos, mas como o orçamento inicial não era suficiente para produzi-lo, acabaram abortando o projeto. Frustrado, Nacho Cerdà começou a trabalhar num novo curta sobre a morte, com orçamento mais modesto, porém intenções igualmente ambiciosas. Assim, em fevereiro de 1994, nasce “Aftermath”, onde predominava sua fixação por morte, médicos e autópsias.

Antes de escrever o roteiro, Nacho Cerdà realizou uma entrevista com um médico legista sobre o tenebroso mundo dos tórax abertos e se ofereceu para assistir uma dissecação no Instituto Anatômico Forense do Hospital Clínico. Acabou presenciando três autópsias consecutivas, encontrando o que seria a linha de seu roteiro, feito de detalhes sórdidos e reais como as toalhas introduzidas nos crânios dos cadáveres para absorver o sangue ou os orgãos metidos de forma desordenada nas bacias. Cerdà reciclou toda essa informação e pôs-se a escrever o roteiro definitivo. O material estava pronto para ser filmado.

Nacho Cerdà fala:

Sobre o título: “Aftermath é uma expressão que significa algo como “o que há depois de…”, e creio que era o título perfeito para o que me interessava contar: O estado do corpo depois da morte, sua desolação e o nada!”.

Sobre a cor: “É um filme que fala da morte física e, portanto, da degradação da carne. Por isso sua cor precisava ter uma textura física, que se aproxima-se da cor do sangue, da pele morta.”.

Sobre o formato: “Rodei “The Awakening” em 16mm, porém isso não quer dizer que todos meus curtas precisam ter esse formato. Apesar de ser uma produção independente, eu queria ir além do que já havia feito. E 35mm parecia ser mais adequado às necessidades da história!”.

Sobre o silêncio: “Creio que um filme deve ter o poder de explicar-se com a presença da imagem e dos efeitos sonoros. As palavras não são necessárias, ainda mais quando se trata de uma história narrada do ponto de vista dos mortos. E eles vivem num mundo morbidamente silencioso!”.

Sobre a iluminação: “Idealizamos a iluminação levando-se em conta a enfermidade dos protagonistas. A medida que avança a história, fomos deixando a luz mais tenebrosa, mais metálica, mais triste. É como uma volta ao estado primitivo do ser humano: A escuridão!”.

Sobre a montagem: “Era importante que a montagem do filme desse as informações aos poucos, gota à gota, para provocar a sensação de que tudo passa sem pressa. Por isso há longos planos e na segunda parte da históriaadquire um ritmo de cerimônia. A montagem também ajuda à deixar o espectador perturbado!”.

Sobre a interpretação: “Pep Tosar, o ator, queria uma interpretação puramente mecânica. De algum modo desejava converter os mortos em personagens vivos e os vivos em personagens mortos!”.

Sobre o espectador: “Com os movimentos  de câmera eu quis introduzir o espectador na história, como se fosse um terceiro personagem. Transformar o espectador num voyeur necrófilo!”.

Pré-Produção

Devido ao baixo orçamento de “Aftermath”, houve o máximo de aproveitamento dos elementos disponíveis. Por vezes os elementos mais próximos (e mais baratos) são os ideais para a realização de um filme, como foi o caso desta produção. Estava claro que para uma maior credibilidade à história, era necessário um cenário real. Um cenário com as sombras da morte real, como o instituto Anatômico de Barcelona, que possue a sala de autópsias mais completa da Espanha. Depois de conseguir a sala de autópsia, Cerdà realizou os story-boards onde 125 páginas ilustram plano à plano como seria filmado a película. Por sua temática os detalhes deveriam ser extremamente realistas, e para isso os efeitos especiais deveriam ser perfeitos. A empresa DDT, dirigida por David Alcalde e David Marti, contava com um currículo extenso e brilhante no mundo da publicidade e curta-metragens. Atraídos pelas possibilidades do roteiro no que se referia aos efeitos, acreditaram no trabalho, descartando já de cara a possibilidade de aplicar próteses em atores vivos, pois a iluminação e os ângulos de câmera idealizados pelo diretor revelariam o truque. Os técnicos da DDT resolveram construir cadáveres humanos inteiros, usando skin-flex, que com sua textura e cor parecida com a carne humana, já superou o velho látex.

A equipe da DDT tinha pela frente um interessante desafio: construir um cadáver inteiro com um material que só haviam trabalhado em pequenas doses. O skin-flex é um produto fabricado nos USA pela indústria Burman, que já trabalhou em filmes como “Body Snatchers” de Abel Ferrara. Primeiro os técnicos utilizaram modelos reais, que se apresentaram como voluntários à passar umas cinco horas deitados, até ter-se pronto os moldes dos cadáveres, um homem e uma mulher, co-protagonistas do filme. O processo durou aproximadamente um mês.

A busca pelo ator ideal para o papel do legista também foi díficil, até que David Alcalde, da DDT, sugeriu a Cerdà o nome de Pep Tosar, que estava trabalhando num pequeno teatro de Barcelona e meses atrás tinha atuado num curta com efeitos da DDT. Cerdà gostou da força da interpretação de Pep Tosar e o contactou para ser o legista.

Pela falta de diálogos era preciso de uma música densa para o filme. Quase que por acaso Cerdà escolheu “Requiem de Mozart”, ao ouvi-la na casa de Javier Sánchez, um dos produtores executivos do curta.

Apesar de ter sido rodado integralmente em Barcelona, há técnicos de vários países, como por exemplo Christopher Baffa (diretor de fotografia) e Raul Almazan (montador), que eram norte americanos. Baffa constantemente trabalha em produções independentes e já foi diretor de fotografia de segunda unidade de “God’s Army” e “Carnossauro 2” e Almanzan já havia montado “Casebreakers”, curta anterior de Cerdà.

A Filmagem

As filmagens iniciaram no dia 28 de maio (de 1994) e se estenderam até 04 de junho. No primeiro dia foi filmado o epílogo do filme, que acontece na casa do protagonista. No dia 29 de maio iniciou-se as filmagens no Instituto Anatômico. O horário de trabalho da equipe devia adaptar-se as exigências do centro e seus horários. Somente após a última autopsia do dia que a equipe estava autorizada a iniciar seus trabalhos madrugada a dentro, com umas dez horas diárias de muito trabalho.

Curiosidades das Filmagens

– O ambiente das filmagens foi sempre muito cordial, contando-se o cenário mórbido que se fazia presente à todo instante. Logo os membros da equpe estavam acostumados com o cotidiano funesto do local de trabalho.

– Num dos dias de filmagem chegou um cadáver já morto a meses, totalmente decomposto. O fedor era tão intenso que parte da equipe teve que deixar de trabalhar.

– As filmagens aconteceram em tri-língüe: Cerdà dirigia-se aos seus colaboradores em catalão, castelhano e inglês. A salada de idiomas não causou problemas de maior importância.

– O Cachorro que aparece no epílogo do filme esteve o dia todo sem comer para devorar a carne como um animal esfomeado. Na quarta tomada seu apetite já estava saciado e essa foi a tomada que saiu melhor.

– No primeiro dia a equipe trabalhou 18 horas seguidas.

– Na pós-produção, Cerdà utilizou-se de efeitos digitais. Em alguma seqüências que teriam problemas de continuidade, uma máquina chamada “Harry” fez milagres: entre vazios e tomadas com muito sangue, os técnicos conseguiram um balanço onde a continuidade lógica prevalecia.

A Montagem

Dia 15 de junho Raul Almazan, com a constante supervisão de Cerdà, começou a montar “Aftermath”. Antes de mais nada, montaram um trailer promocional de 3 minutos para deixar o filme conhecido pelos mais diferentes festivais de cinema. Logo depois dedicaram-se ao curta. Das duas horas e pouco de material, começaram a selecionar o que faria parte do curta, que deveria ter meia hora de duração. Em quatro semanas tinham nas mãos um filme de 38 minutos, mas segundo as próprias palavras do diretor: “Naquela primeira versão a montagem estava péssima, com algumas coisas que ocorriam depressa demais e outras demasiadamente lentas!”. Voltaram à trabalhar na montagem até chegar na versão definitiva de 30 minutos.

por Ricardo Spencer, originalmente publicado no fanzine “Arghhh” número 21 (editado por Petter Baiestorf em junho de 1997).

* Veja a filmografia de Nacho Cerdà no IMDB.

Assassinas Voadoras Promovem Carnificina no Festival do Peixe Frito

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on agosto 31, 2012 by canibuk

“Piranha 2 – The Spawning” (“Piranhas 2 – Assassinas Voadoras”, 1981, 84 min.) de James Cameron. Produção de Ovidio G. Assonitis. Com: Tricia O’Neil, Lance Henriksen e Steve Marachuk.

No calor da noite jamaicana  um casal de turistas mergulha no local onde há os destroços de um navio afundado para ter um pouquinho de sexo nas profundezas do mar azul. Peitinhos a mostra, sunga rasgada e os corpos do casal de amantes assanhados são devorados por piranhas famintas!… Hum, espere aí, piranhas em água salgada?… Sim, este é o brilhante ponto de partida do genial (e muito tosco) roteiro do produtor Ovidio Assonitis (com alguns pitacos do diretor James Cameron em seu único trabalho que admiro). Aqui somos apresentados ao Clube Elysium, uma espécie de hotel cheio dos mais variados tipos humanos que somente o cinema italiano tem a capacidade de criar. Entre uma e outra cena idiota, somos apresentados à Anne Kimbrough (Tricia O’Neil), instrutora de mergulho que trabalha ali com seu filho tapado, caçadoras de homens ricos, velhas ninfomaníacas, pescadores que usam dinamite, ricaços egocentricos, o xerife boa pinta, dentistas otários e, lógico, como não poderia faltar, o dono de hotel ganancioso que, a todo custo, quer fazer um festival do peixe frito na praia.

Em uma de suas aulas de mergulho Anne leva seus alunos até os destroços do navio onde as piranhas vivem. Um dos alunos entra no navio e é comido pelas piranhas. Assim o xerife, que se revela marido de Anne, começa as investigações. Anne, auxiliado por um aluno que quer comer ela, invade o necrotério para analizar o corpo podre do aluno morto. Enquanto estão fotografando o cadáver uma enfermeira descobre a farra e os expulsa. Ao arrumar o corpo do morto a enfermeira tem a surpresa que todos estão esperando, ou seja, uma piranha voadora sai de dentro do corpo e voa até sua jugular estraçalhando-a (as piranhas são de borracha, quando atacam os próprios atores precisam segurá-las e simular que estão vivas e violentas, rendendo momentos impagáveis de humor involuntário). Já em sua casa, Anne e seu aluno estão vendo as fotos do cadáver quando, como seria normal num caso assim, pinta um clima de tesão e eles se beijam e vão prá cama para uma foda revigorante. Deste ponto em diante o filme fica cada vez mais divertido, com as piranhas voadoras saindo da água como um cardume/bando sedento por carne humana. Logo Anne está implorando para o dono do Clube Elysium cancelar todas as atividades na água, mas ele não aceita isso (Assonitis e Cameron perdem aqui uma ótima oportunidade de esculhambar este clichê, já que como as piranhas voam e respiram fora da água, se todas todas as atividades da água fossem canceladas, ainda teríamos os deliciosos ataques).

Quando o aluno de Anne se revela um bioquímico, ficamos sabendo que ele sabia que no navio afundado havia ovos de piranhas modificadas geneticamente para serem utilizadas como armas pelos militares americanos. Como o festival do peixe frito não foi cancelado, todos os hóspedes que esperavam comer um peixinho frito de graça viram a refeição principal das piranhas que promovem uma carnificina gore repleta de feridas pustulentas, sangue grosso e membros amputados. A última esperança de todos é Anne mergulhar até o navio, ninho das piranhas, e explodir tudo com bananas de dinamite, promovendo assim um dos finais mais toscos que o cinema trash já filmou.

Com uma equipe-técnica completamente italiana (onde ninguém falava inglês), James Cameron deve ter se sentido um peixe fora d’água nesta produção do picareta Assonitis. “Piranha 2” era para ter sido dirigido por Miller Drake (assistente de direção no clássico “Alligator” de Lewis Teague, filmado um ano antes) que havia trabalhado com Roger Corman e Joe Dante no primeiro “Piranha” (1978) que traria de volta as personagens de Kevin McCarthy (que reapareceria todo cheio de cicatrizes porque foi vítima das piranhas no primeiro filme) e de Barbara Steele. James Cameron havia sido contratado para fazer os efeitos especiais do filme e, quando Drake foi despedido da produção, Cameron pode realizar seu sonho de dirigir um filme, mas, para azar do americano, Assonitis resolveu acompanhar as filmagens de perto e discutia quase sobre tudo com Cameron (nada pior para um produtor do que ter um diretor que não faz o que lhe é ordenado) e assim proibiu Cameron de ver as filmagens do dia e, depois, não o deixou acompanhar a edição do filme. Aliás, James Cameron se refere ao “The Terminator/O Exterminador do Futuro” (1984) como seu primeiro filme (há um curta-metragem de Cameron de 1978, intitulado “Xenogenesis” que merece ser redescoberto).

Ovidio G. Assonitis (1943) nasceu no Egito e é produtor de cinema independente. Nos anos de 1960 se tornou distribuidor de filmes no sudoeste da Ásia (em apenas 10 anos como distribuidor colocou no mercado mais de 900 filmes). Entre 1970 e 2000 produziu cerca de 50 filmes, muitos deles coproduções com produtoras como American International Pictures, Nippon Herald Films Inc. e Toho-Towa, geralmente com lucros absurdos como “Chi Sei?/Beyond the Door/Espírito Maligno” (1974), filme de baixo orçamento dirigido por ele mesmo, que teve arrecadação mundial de mais de 40 milhões de dólares. Com o pseudônimo de Oliver Hellman, além de “Chi Sei?”, dirigiu ainda “Tentacoli” (1977), trasheira estrelada por John Huston, sobre polvos assassinos; “There Was a Little Girl/Madhouse” (1981), sobre uma professora de surdos atormentada por sua irmã gêmea e a comédia “Desperate Moves” (1981). Como produtor trabalhou com os mais variados tipos de diretores italianos possíveis, realizando belíssimos filmes de baixo orçamento como “Nel Labirinto del Sesso” (1969) de Alfonso Brescia; “Il Paese del Sesso Selvaggio/The Man from the Deep River” (1972) de Umberto lenzi, um dos primeiros filmes do ciclo de filmes de canibais italianos; “Dedicato a una Stella” (1976) de Luigi Cozzi, um drama romantico; “Stridulum/Herdeiros da Morte” (1979) de Giulio Paradisi, sci-fi de horror sobre o bem e o mal em luta secular; “Iron Warrior/O Guerreiro de Aço” (1987) também de Alfonso Brescia; “Curse 2 – The Bite” (1989) de Frederico Prosperi, sobre um mané que é mordido por uma cobra radioativa e o resto pode ser imaginado; “Lambada” (1991) de Fábio Barreto, trasheira musical que tentava lucrar com a moda da lambada; “American Ninja 5” (1993) de Bobby Gene Leonard, com Pat Morita no elenco; entre vários outros exemplos de como ser um exploitation man do cinema.

Giannetto De Rossi (1942), responsável pelos ótimos momentos gores de “Piranha 2”, começou como maquiador em filmes como “Le Ore Dell”Amore” (1963) de Luciano Salce, comédia romântica estrelada por Ugo Tognazzi e Barbara Steele, “C’era una Volta il West/Era uma vez no Oeste” (1969) de Sergio Leone e “Quando le Donne Avevano la Coda/Quando as Mulheres Tinham Rabo” (1971) de Pasquale Festa Companile, comédia incorreta com Senta Berger. Em 1972 trabalhou na comédia “All’Onorevole Piacciono le Donne…/O Deputado Erótico”, dirigido por Lucio Fulci, trampo que colocou os dois em contato. Logo em seguida De Rossi trabalhou com Jorge Grau no clássico “Non si Deve Profanare il Sono dei Morti/Let Sleeping Corpse Lie/Zumbi 3”, onde criou efeitos de maquiagens gores convincentes. Mas foi com Lucio Fulci que extrapolou todos os limites do bom gosto ao elaborar os efeitos ultra gores de filmes como “Zumbi 2” (1979); “… E Tu Vivrai nel Terrore! L’Aldilà/Terror nas Trevas” (1981) e “Quella Villa Accanto al Cimitero/The House by the Cemetery/A Casa dos Mortos-Vivos” (1981). Sempre metido nas produções mais divertidas, De Rossi trabalhou em inúmeros filmes que marcaram época, como “L’Umanoide/O Humanóide” (1979), sci-fi cara de pau de Aldo lado; “Conan The Destroyer/Conan, O Destruidor” (1984) de Richard Fleischer, fantasia com Schwarzenegger; “Rambo III” (1988) de Peter McDonald, ação com Stallone; “Killer Crocodille” (1989), horror sobre um crocodilo gigante de Fabrizio de Angelis; entre vários outros. Giannetto De Rossi também foi responsável pela criação dos efeitos realistas do “snuff movie” que é projetado em “Emanuelle in America” (1977) de Joe D’Amato, estrelado por Laura Gemser. Giannetto ainda dirigiu três longas: “Cyborg, il Guerriero D’Acciaio” (1989), sci-fi de ação; “Killer Crocodille II” (1990), continuação sangrenta das aventuras do crocodilo gigante; e o filme em vídeo “Tummy” (1995), sobre um garoto que foge do orfanato com duas criaturas mágicas.

“Piranha 2 – Assassinas Voadoras” foi lançado em DVD no Brasil pela Columbia Tri Star Home Video e é ótimo para ver que todos os gigantes da indústria cinematográfica mundial começam pequenos.

por Petter Baiestorf.

Der Todesking

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , on abril 2, 2012 by canibuk

“Der Todesking” (“O Rei da Morte”, 1990, 74 min.) de Jörg Buttgereit. Com: Susanne Betz, Gerd Breitung, Ingo Buesing e Heinrich Ebber.

Um homem de classe média coloca sua correspondência em dia, liga para o escritório e pede demissão. Limpa a casa, dobra sua roupa, faz um lanche, vai tomar banho e se entope de comprimidos para morrer afogado na banheira. Seu peixe de aquário assiste a tudo e morre. É algum dia de semana. É a única concessão que Jörg Buttgereit faz em direção de uma linearidade narrativa. “Der Todesking”, segundo longa do autor de “Nekromantik 1 e 2” e de “Schramm”, ia se chamar “Seven Suicides”. Segmentado. Episódios-situações. Indigesto para o público com dieta Global ou McDonalldiana. Imagens angustiantes e situações opressivas. Uma mãe lê um tratado sobre suicídio para a filhinha no parque. Nós lemos uma lista impessoal de obituário. Um cadáver se desmancha quadro a quadro numa podridão real durante os dias que vão passando. A sociedade, e a mídia em especial, é fascinada pela morte. Em saber quem morreu e como. Mas nunca se interessa com os motivos e com a dor antes e durante um suicídio, por exemplo. Uma velha solitária parece ter inveja de um belo casal jovem que ela observa pela janela, sem saber que eles vão se matar. Quem ainda não pensou em meter uma bala na cabeça de uma chata que vem atrapalhar na hora que se está assistindo um raro filme de nazixploitation com torturas quase explícitas? E sair por aí dando tiros em qualquer um e filmando tudo para depois mostrar para os amigos num domingo a tarde? Precisa algum motivo? Existe motivo para alguém matar ou morrer? Alguém se importa com isto? “O que me mata, é meu segredo!” – Buttgereit nos faz pensar neste segredo. Heil Todesking.

Escrito por Coffin Souza (originalmente publicado no fanzine Sanguelia).

“Der Todesking” é um horror experimental sério, deprimente e adulto que tenta discutir, sem moralismos, um assunto tabu da sociedade ocidental: O Suicídio!

Buttegereit começou a fazer filmes em Super 8 em 1977 quando ganhou uma câmera de presente ao passar pelas torturas da Primeira Comunhão que ele odiava. Seu primeiro projeto se chamou “Gags und Schwarzer Humor” que fazia paródias dos comerciais de TV. Nesta época ele desenvolveu várias experimentações com cores e película riscada porque sua câmera quebrou.

Seu primeiro curta que ganhou destaque foi “The Exploding Sports Shoe” (1980) que era um sapato esportivo explodindo em slow-motion e que foi incluído num documentário sobre punk rock. Depois começou a se profissionalizar fazendo curtas como “Captain Berlin” (1982), “Mein Papi” (1982), “Horror Heaven” (1984) e “Hot Love” (1984) até conseguir dinheiro para seu primeiro longa, “Nekromantik” (1987), o filme definitivo sobre necrofília e que lhe deu fama mundial.

Depois de um processo onde Buttgereit perdeu tudo que tinha, ficou quase 10 anos sem dirigir nenhum filme, sobrevivendo como técnico de efeitos especiais. No ano de 2002 voltou como diretor de documentários com trabalhos como “Die Monsterinsel” (2002), “Through the Night” (2007), “Monsterland” (2009) e “Into the Night” (2010). Sua única ficção neste período foi “Captain Berlin Vs. Hitler” (2010).

adendo de Uzi Uschi.

Veja o filme na íntegra aqui:

A exentricidade de Joel-Peter Witkin

Posted in Arte e Cultura, Bizarro, Body Modification, Fotografia with tags , , , , , , , , , on novembro 17, 2011 by canibuk

Eu me xingo todos os dias, me amo e me odeio, amo e odeio o que faço mas acho que isto é normal, pois você deve se colocar no centro e se desafiar. Se você não se desafia… digo, quebrar as regras para produzir algo bom e novo. Algumas vezes eu faço escolhas ridículas, mas eu sou um apostador, um apostador visual. Algumas vezes o resultado é fantástico.”  Joel-Peter Witkin. Trecho de uma  entrevista tirada do site olhavê.com/blog

Fotografando desde os onze anos de idade, Joel-Peter Witkin tornou-se  um fotógrafo americano extremamente inovador, controverso e considerado polêmico por muitos por causa dos temas abordados no seu trabalho. Um fato que, segundo o artista,  lhe serviu como forte inspiração aconteceu quando Joel, ainda criança, presenciou um terrível acidente de carro onde viu uma garota ser decapitada, uma experiência brutal que o levou a retratar a morte e um lado da vida que todos tentam evitar desde que o mundo é mundo. Desde então o “sangue frio” para o horrendo sempre foi uma característica forte do jovem.  Quando adolescente, começou a tirar fotografias de um anão de três pernas para que seu irmão gêmeo, pintor, pudesse usar como modelo. Filho de mãe judia e pai católico, a religiosidade também  sempre esteve presente nas suas obras.  Sua primeira fotografia conhecida foi tirada de um rabino que dizia ter visto e falado com Deus. Em seguida, veio um hemafrodita  que apresentava-se num circo de horrores, isso despertou um fascínio grande no Joel e ali ele teve sua primeira experiência sexual, experiência que o marcou e refletiu-se no seu trabalho.

“Eu acredito que a minha vida e as minhas fotografias são inseparáveis. Em outras palavras, enquanto faço as fotos, e eu acho que isto é verdade para a maioria dos artistas verdadeiros, não em uma base diária, mas através de uma descoberta visual através do anos. Duas coisas acontecem em meu trabalho, comecei a fotografar quando tinha 11 anos e agora estou com 70 anos então tive muito tempo para fazer fotos e pensar sobre as coisas e aumentar o nível de amor. Muitas pessoas pensam que minhas fotografias são muito “dark” e “bla bla bla”, mas na verdade elas não são. Nas fotografias que eu faço minha intenção é mostrar os nossos tempos, o presente tempo que estamos vivendo na Terra, baseado na história da civilização ocidental. ”     Joel-Peter Witkin. Trecho de uma  entrevista tirada do site olhavê.com/blog

Witkin estudou artistas renascentistas como Giotto e simbolistas como Alfred Kubin e Gustav Klint e grande parte de seus trabalhos tem  como referências a arte clássica e religiosa.

Ao se alistar no exército foi incumbido de fotografar as mortes dos soldados que ocorriam durante os treinamentos militares, acidentes causados por manobras ou casos de suicídio, após tal experiência, entre 1961 e 1964  alistou-se como fotógrafo durante a guerra do Vietnã. Perturbado com tudo o que já tinha visto e passado e com o que ainda o esperava pela frente, Joel tentou cometer suicídio.  Em 1978, casa-se com uma tatuadora e é a partir daí que começa sua ascensão.

Muitas de suas obras, em especial aquelas que continham cadáveres,  tiveram que ser criadas no México pois era o único lugar onde era autorizado a utilizar os corpos. Joel ia cuidadosamente escolher os cadáveres no necrotério ou nos hospitais, de acordo com a idéia já estabelecida para a fotografia.                                                            Sua técnica de trabalho consiste em arranhar os negativos, alterar as cores da impressão e uma técnica de impressão com a mãos utilizando alguns componentes químicos, tudo cuidadosamente elaborado.

Formado em Master of Arts pela Universidade do Novo México, Witkin fez sua primeira exposição em 1980, em Nova Iorque. Ganhou grande notoriedade, foi elogiado por uns e criticado por muitos outros. Tratando de temas tabus e usando imagens que a maioria das pessoas desprezam ou consideram chocantes, foi chamado de sensacionalista, blasfemo e despudorado. Sua obra é muito discutida por críticos de arte que questionam se o cara é mesmo um artista talentoso e inovador ou apenas um vendedor de sadismo disfarçado como amor e compaixão, por outro lado, adoradores reconhecem e defendem seus méritos artísticos.

O que sabemos é que é impossível ficar indiferente à suas obras. Ou você adora ou odeia. Witkin faz um trabalho incomum  e os temas não são charmosos,  trabalha com a morte,  sadomasoquismo,  corpos defeituosos, doenças mentais, atrocidades, perversidades sexuais e desajustados, consegue, ainda assim, mesmo usando todo tipo de perversidade visual extrema, dar um caráter belo a sua obra que é carregada de crítica a falta de humanidade e aos padrões estéticos estabelecidos pela sociedade.  Já é considerado um dos principais fotógrafos da segunda metade do século XX, tem diversos livros publicados e suas obras são compradas por grandes galerias no mundo inteiro.

Joel-Peter Witkin