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A Ilha do Terror

Posted in Fotonovela with tags , , , , , , , , , , , , , , on agosto 13, 2012 by canibuk

“Ein Toter Hing Im Netz” (ou “Horrors of Spider Island” ou “It’s Hot in Paradise” ou “Girls of Spider Island” ou “Body in the Web”) nunca foi lançado em vídeo/DVD no Brasil, mas saiu por aqui em formato fotonovela com o título de “A Ilha do Terror” pela revista “Ultra Ciência” número 6 (1963) da editora Editormex Internacional Ltda. Infelizmente nossas distribuidoras de filmes não tem o costume de lançar double features (programas duplos com dois filmes vagabundos sendo lançados juntos), mas filmes como “Horrors of Spider Island” seriam candidatos perfeitos para este tipo de lançamento. Para ler sobre o filme clique  em “Um Cadáver Pendurado na Teia“.

Digitalizei a fotonovela e a publico no Canibuk na íntegra. Boa diversão!

Bilhetes Infernais para o Horror Express

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on agosto 6, 2012 by canibuk

“Horror Express” (1972, 90 min.) de Eugenio Martín. Com: Christopher Lee, Peter Cushing, Telly Savalas, Alberto de Mendonza, Silvia Tortosa, Helga Liné e Julio Peña.

Este pequeno clássico do horror, livremente inspirado no conto “Who Goes There?” de John W. Campbell (que também serviu de inspiração aos filmes “The Thing from Another World/O Monstro do Ártico” (1951) ce Christian Nyby e “The Thing/O Enigma de Outro Mundo” de John Carpenter), também conhecido pelo título “Pánico en el Transiberiano”, chama atenção por seu elenco internacional que incluí Christopher Lee, Peter Cushing e Telly Savalas.

No ano de 1906 o professor Alexander Saxton (Lee) encontra na Manchúria os restos congelados de uma criatura meio-macaco, meio-homem, que ele acredita ser o elo perdido na evolução humana. Para levar sua descoberta para a Europa o professor precisa tomar o expresso transiberiano da China à Russia, onde encontra seu rival Dr. Wells (Cushing). Ainda na plataforma da estação a criatura suga a mente de um ladrão e um monge (Alberto de Mendonza), conselheiro espiritual da condessa Irina Petrovski (a bela Silvia Tortosa), como todo bom charlatão fanático religioso, dá a culpa para o Tinhoso. Mesmo com o incidente a viagem começa e, uma vez dentro do trem, a criatura escapa e mata algumas pesssoas. Em autópsia realizada pelos cientistas descobrem, abrindo os crânios das vítimas, que as lembranças de seus cérebros foram drenadas (porque os cérebros estavam lisos, ora bolas). Logo em seguida a criatura é morta a tiros e, analizando o líquido encontrando no globo ocular do cadáver, a dupla de cientistas descobre imagens da terra vista do espaço, imagens pré-históricas de nosso planeta e chegam a conclussão de que a criatura é um alien e que pode ter infectado outros passageiros. O governo Russo manda o capitão Kazan (Telly Savalas, em papel impagável), um violento cossaco, entrar no trem para resolver tudo, nem que seja necessário um pouco de violência gratuita. Depois que ficamos sabendo que a criatura alienígena sobreviveu por milhões de anos no planeta Terra no corpo de protozoários, peixes e outros animais, o alien se transfere para o corpo do monge e ressucita todas suas vítimas na forma de zumbis carniceiros que nunca podem faltar num autêntico filme de baixo orçamento.

Com roteiro da dupla Arnaud D’Usseau e Julian Zimet (que juntos também escreveram o clássico “Psychomania” (1973) de Don Sharp), nos deparamos com deliciosos absurdos pseudo-científicos e um punhado de cenas maravilhosas, como quando o monge clama ao alien para que lhe sugue a mente e o alien se nega dizendo que “não há nada que se aproveite na sua mente!”, desprezando o fanático religioso. Aliás, no filme todo há sempre um clima de ciência/razão contra religião/misticismo. As maquiagens vagabundas de Fernando Florido (que também trabalhou em filmaços como “El Retorno de Walpurgis/Curse of the Devil” (1973) de Carlos Aured, “Quién Puede Matar a un Niño/Island of the Damned” (1976) de Narciso Ibáñez Serrador, “Inquisición” (1976) de Paul Naschy e “Serpiente de Mar” (1984) de Amando de Ossorio) tem ótimas sacadas, como o olho vermelho-brilhante da criatura e a própria criatura, meio-fóssil de macaco. Os olhos brancos que os cadáveres-humanos cujos cérebros foram sugados tem, dão um visual extremamente macabro, assim como as cenas gore onde seus crânios abertos revelam os cérebros lisos.

“Horror Express” foi produzido pelo produtor americano Bernard Gordon com orçamento de 300 mil dólares. Gordon re-utilizou o trem que havia sido construido para o filme “Pancho Villa” (1972), também dirigido por Eugenio Martín, conseguindo um cenário bem barato para sua produção de horror. A grande sacada do produtor americano foi conseguir para o elenco artistas já consagrados no mercado internacional, como Savalas, Lee e Cushing. Este último ainda abalado pela morte da esposa, pediu para ser afastado da produção, mas para nossa sorte seu amigo pessoal Christopher Lee o apoiou nos momentos difíceis e Cushing permaneceu no cast. Bernard Gordon (1918-2007) trabalhou durante anos na obscuridade impedido de ganhar créditos pela lista negra anti-comunistas de Hollywood. Com ajuda do produtor Charles Schneer escreveu o roteiro de “Earth Vs. The Flying Saucers” (1956), dirigido por Fred F. Sears. Trabalhou durante anos sob o pseudônimo Raymond T. Marcus. Ao se mudar para a Europa fez amizade com o roteirista/empresário Philip Yordan e conseguiu trabalho em Madrid na Samuel Bronston Company. Com Yordan escreveu o roteiro do clássico “The Day of the Triffids/O Terror Veio do Espaço” (1962) de Steve Sekely, uma história envolvendo plantas carnívoras espaciais que andavam. Outro clássico escrito por ele foi “Krakatoa: East of Java/Krakatoa – O Inferno de Java” (1969), aventura dirigida por Bernard L. Kowalski. Como produtor realizou “El Hombre de Río Malo/A Quadrilha da Fronteira” (1971), divertido western estrelado por Lee Van Cleef e Gina Lollobrigida, além dos já citados “Pancho Villa” e “Horror Express”, todos os três com direção de Eugenio Martín.

O diretor espanhol Eugenio Martín (1925) estudou direito na Universidade de Granada. Graças aos seus curta-metragens, como “Viaje Romántico a Granada” (1955), “Adiós, Rosita (Vieja Farsa Andaluza)” (1956), “Romance de una Batalla” (1956), entre outros, se tornou assistente de diretores como Guy Hamilton, Michael Anderson, Nathan Juran e Nicholas Ray. Sua primeira direção de um longa foi com a comédia “Despedida de Soltero” (1961), seguido de seu primeiro filme de horror, “Ipnosi” (1962), estrelado por Jean Sorel que alguns anos depois trabalhou nos clássicos “Belle de Jour/A Bela da Tarde” (1967) de Luiz Buñuel e “Paranoia” (1970) de Umberto Lenzi. No final dos anos de 1960 dirigiu alguns westerns, como “El Precio de um Hombre” (1967), estrelado por Tomas Millian; e “Réquiem para el Gringo” (1968), co-dirigido por José Luis Merino. Depois de alguns musicais (“Las Leandras” e “La Vida Sigue Igual”, ambos de 1969, e o último estrelado por Julio Iglesias), realizou o horror “La Última Senhora Anderson” (1971), estrelado por Carroll Baker. Neste momento conheceu o produtor Bernard Gordon e fizeram juntos três filmes. Em seguida fez “Una Vela Para el Diablo/It Happened at Nightmare Inn” (1973), suspense de horror sobre duas irmãs loucas e seu hotel sinistro. Depois de passar o resto dos anos 70 realizando comédias obscuras, entrou nos anos 80 com as produções de horror “Aquella Casa em las Afueras” (1980) e “Sobrenatural” (1983). Por essa época sua carreira no cinema ficou meio estagnada e Martín migrou para a televisão.

Christopher Lee (1922) é inglês e se tornou mundialmente famoso quando interpretou monstros clássicos para a produtora Hammer. Primeiro foi o monstro de Frankenstein em “The Curse of Frankenstein/A Maldição de Frankenstein” (1957) e depois foi o Conde Drácula em “Dracula/Horror of Dracula” (1958), ambos com direção de Terence Fisher. Ainda em 1958 apareceu ao lado de Boris Karloff na fantástica produção “Corridors of Blood”, de Robert Day, sobre um médico tentando descobrir um anestésico para operações mais complicadas. Voltou ao papel de sugador de sangue louco por decotes femininos nos filmes “Dracula – Prince of Darkness” (1966) de Terence Fisher; “Dracula Has Risen from the Grave” (1968) de Freddie Francis; “Taste the Blood of Dracula” (1969) de Peter Sasdy; “Scars of Dracula” (1970) de Roy Ward Baker, entre outros, que ajudaram a torná-lo a principal cara do Conde Drácula no cinema. Em 1966 Lee interpretou o místico russo Rasputin em “Rasputin, The Mad Monk” de Don Sharp, contando na época que quando era criança encontrou com Felix Yussupov, assassino de Rasputin. Nos anos 70 estrelou alguns ótimos filmes, como “I, Monster” (1971) de Stephen Weeks, uma adaptação de “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde” do escritor Robert Louis Stevenson, “The Wicker Man/O Homem de Palha” (1973) de Robin Hardy, clássico cult do cinema de horror; e “To The Devil a Daughter/Uma Filha Para o Diabo” (1976) de Peter Sykes e com a curiosidade de trazer uma Natassja Kinski ainda ninfetinha e pelada nos bons tempos em que o cinema era um antro politicamente incorreto. Depois dos anos 70 Lee apareceu em inúmeros filmes bobocas de Hollywood. Este fantástico ator já fez tanta coisa que é necessário um artigo somente sobre ele. Para ler sobre Peter Cushing, clique em “Island of Terror“.

Telly Savalas (1922-1994) aparece pouco tempo em cena no “Horror Express”, mas o suficiente para roubar o filme para si com sua personagem ensandecida do brutal capitão cossaco. Nascido com o nome de Aristotelis Savalas em Garden City, NY, começou trabalhando na televisão. Foi descoberto pelo ator Burt Lancaster que o ajudou a decolar na carreira de ator. Em 1965 raspou a cabeça para o filme “The Greatest Story Ever Told/A Maior História de Todos os Tempos”, onde interpretou Pontius Pilate, e gostou tanto do novo visual que o adotou por toda vida. Na televisão se imortalizou no papel de Kojak na série de mesmo nome, que foi ao ar em outubro de 1973. Com Mario Bava fez “Lisa e Il Diavolo” (1974). Outros filmaços com Savalas incluem produções como “Una Ragione Per Vivere e Una Per Morire/Uma Razão para Viver… Uma Razão para Morrer” (1972) de Tonino Valerii. co-estrelado por Bud Spencer; uma participação hilária em “Capricorn One/Capricórnio Um” (1977) de Peter Hyams; “Beyond the Poseidon Adventure/Dramático Reencontro no Poseidon” (1979) de Irwin Allen, entre vários outros. Mas Savalas é um ator tão cult que qualquer filme dele é uma verdadeira diversão. Veja todos!

Na época de seu lançamento, “Horror Express” foi um fracasso comercial na espanha, país que abrigou sua produção. Foi lançado em DVD pela distribuidora London Filmes, mas sem nenhum material extra.

por Petter Baiestorf.

Veja “Horror Express” aqui:

La Montagna del Dio Cannibale

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on agosto 1, 2012 by canibuk

“La Montagna del Dio Cannibale” (1978, 103 min.) de Sergio Martino. Com: Ursula Andress, Stacy Keach, Claudio Cassinelli e Franco Fantasia.

“A Montanha dos Canibais” começa com Susan Stevenson (Ursula Andress) tentando encontrar, com ajuda de seu irmão (Antonio Marsina) e do professor Edward Foster (Stacy Keach), seu marido nas selvas da Nova Guiné. Como acreditam que o marido de Susan desapareceu numa montanha amaldiçoada, que ainda abrigaria uma tribo de canibais selvagens, eles só podem contar com a ajuda de outro explorador, Manolo (Claudio Cassinelli), para tentar chegar até a terrível montanha. Enfrentando sucuris, jacarés, tarantulas, cobras, pernilongos, plantas venenosas e outras armadilhas mortais da selva, o grupo chega até a missão do padre Moses (Franco Fantasia, sempre inspirado) onde atrapalham a paz do dia-a-dia da comunidade religiosa comandada pelo padre. São os instintos carnais do homem civilizado batendo de frente com os instintos primitivos de índios domesticados pela mão do cristianismo branco que vê pecado em tudo. Logo o grupo precisa deixar a comunidade religiosa e chega à montanha onde são capturados pelo índios canibais. Finalmente ficamos sabendo que a montanha é constituida de urânio que Ursula Andress deseja mais ardentemente do que seu marido (agora um cadáver com um contador Geiger batendo no lugar de seu coração e adorado pelos selvagens como se fosse um Deus). Manolo é torturado e Susan despida e preparada para ser a Deusa viva da tribo, enquanto os outros viram o ingrediente principal do banquete de sangue para a Deusa branca da montanha dos canibais.

Com uma produção de baixo orçamento, mas bem cuidada, “La Montagna del Dio Cannibale” é mais violento do que “Il Paese del Sesso Selvagio/Man From Deep River/Mundo Canibal” (1972, Ocean Pictures em DVD) de Umberto Lenzi, mas bem comportado se comparado aos sádicos filmes de Ruggero Deodato de mesmo tema como “Ultimo Mondo Cannibale/O Último Mundo dos Canibais” (1977, Omni Vídeo em VHS) ou “Cannibal Holocaust” (1980, Platina Filmes em DVD). É engraçado ver uma atriz com fama, como era o caso de Ursula Andress, no elenco deste filme. Ela fica pelada boa parte das cenas, faz sexo e é vítima de todo tipo de abusos físicos típicos de uma produção italiana deste período. “A Montanha dos Canibais” foi roteirizado pelo diretor Martino e Cesare Frugoni (entre outros trabalhos, ajudou nos roteiros de filmaços como “Cani Arrabbiati” (1974) de Mario Bava; “I Guerrieri Dell’Anno 2072/New Gladiators” (1984) de Lucio Fulci ou “Inferno in Direta/Cut and Run” (1985) de Ruggero Deodato), sempre confrontando o civilizado com o primitivo.

Sergio Martino (1938) nasceu em Roma, Itália. É neto do cineasta Gennaro Righelli (que tem o mérito de ter dirigido o primeiro filme sonoro do cinema italiano, “La Canzone Dell”Amore”, em 1930). Começou realizando documentários no final de 1960. Em 1970 dirigiu o western “Arizona si Scatenò… E li Fuori Tutti/O Retorno de Arizona Colt”, estrelado pelo brasileiro Anthony Steffen. Logo se especializou na produção de Giallos, a maioria escritos pelo roteirista Ernesto Gastaldi e estrelados por sua cunhada Edwige Fenech (que era casada com seu irmão Luciano, também produtor deste “A Montanha dos canibais”), dos quais destaco o maravilhoso “I Corpi Presentano Tracce di Violenza Carnale/Torso” (1973, Continental em DVD). Antes da realização de seu filme de canibais, voltou a realizar um western de destaque: “Mannaja/A Man Called Blade” (1977). Em 1979 escalou a gostosa Barbara Bach para levar alguns sustos no maravilhoso “L’Isola Degli Uomini Pesce/Island of the Fishmen”. No rastro do sucesso de “Escape from New York” (1981, Universal Home Video em DVD) de John Carpenter, realizou a sci-fi de ação “2019 – Dopo la Caduta di New York” (1983), estrelado por George Eastman. Com o cinema italiano entrando em falência, Martino migrou para a televisão onde produz até hoje. A título de curiosidade, para o lançamento de “La Montagna del Dio Cannibale” seu irmão usou o pseudônimo de Darryl F. Zanuch, a picaretagem do cinema italiano tem muito que ensinar ao cinema bom-moço brasileiro.

Nunca fui fã da atriz Ursula Andress (1936), mas neste filme ela está fantástica como a megera branca querendo roubar as riquezas naturais dos povos primatas. Andress é suiça e virou sex symbol depois de ser a primeira Bond girl em “Dr. No/007 Contra o Satânico Dr. No” (1962) de Terence Young. Daí em diante apareceu em inúmeros filmes de Hollywood como “Fun in Acapulco/Seresteiro de Acapulco” (1963) de Richard Thorpe, estrelado por Elvis Presley; “4 for Texas/Os Quatro Heróis do Texas” (1963) de Robert Aldrich, com a lindíssima Anita Ekberg e a dupla de conquistadores baratos Frank Sinatra e Dean Martin; “She” (1965) de Robert Day, uma interessante fantasia sobre uma cidade perdida com produção da Hammer e Peter Cushing batendo ponto no elenco; “What’s New Pussycat/O Que é que Há, Gatinha?” (1965) de Clive Donner com roteiro de Woody Allen e Peter Sellers no elenco; “Soleil Rouge/Sol Vermelho” (1971) de Terence Young, com Charles Bronson e Toshirô Mifune e “Africa Express” (1976) de Michele Lupo até que, acredito eu, deve ter perdido alguma aposta com os irmãos Martino e acabado em “La Montagna del Dio Cannibale”. Depois disso sua carreira de atriz não trouxe nada de relevante (só uma aparição meia boca no engraçado “Clash of the Titans/Fúria de Titãs” (1981) de Desmond Davis, com efeitos de stop motion do mestre Ray Harryhausen.

Já o ator Stacy Keach (1941) saiu do set de “La Montagna del Dio Cannibale” diretamente para o set de “Up in Smoke/Queimando Tudo” (1978) de Lou Adler com a dupla Cheech Marin e Tommy Chong (ele também dá as caras em “Nice Dreams/Altos Sonhos de Cheech e Chong” (1981) de Tommy Chong). Keach apareceu em muito filme bom, como “The Long Riders/Cavalgada dos Proscritos” (1980) de Walter Hill no papel do vilão boa praça Frank James; “Roadgames/Enigma na Estrada” (1981) de Richard Franklin; “Body Bags/Trilogia do Terror” (1993, London Films em DVD) e “Escape From L.A./Fuga de Los Angeles” (1996, Paramount Home Video em DVD), ambos de John Carpenter. Outro ator que merece destaque é Franco Fantasia (1924-2002), que participou de mais de 130 filmes (em “La Montagna del Dio Cannibale” ele, além de atuar, também foi assistente de direção), inúmeras produções que viraram cults nos dias de hoje, como os clássicos “Space Men/Assignment: Outer Space” (1960) de Antonio Margheriti; “Un Dollaro Bucato/O Dólar Furado” (1965) de Giorgio Ferroni; “Justine de Sade” (1972) de Claude Pierson; “Zombie 2” (1979, London Films em DVD); “Mangiati Vivi!/Os Vivos Serão Devorados” (1980) de Umberto Lenzi e “Vendetta del Futuro/Keruak – O Exterminador de Aço” (1986) também de Sergio Martino, em participação não-creditada.

Em tempo, a trilha sonora de “La Montagna del Dio Cannibale” é assinada por Guido e Maurizio de Angelis, os irmãos responsáveis por soundtracks sensacionais para filmaços como “… Continuavano a Chiamarlo Trinità/Trinity Ainda é Meu Nome” (1971, New Line Video em DVD) de Enzo Barboni, estrelado pela genial dupla Bud Spencer e Terence Hill; “Valdez – Il Mezzosangue/Chino” (1973, Studio T Home Video em DVD) de John Sturges e Duilio Coleti, estrelado por Charles Bronson; “Zorro/A Marca do Zorro” (1975) de Duccio Tessari; “Keoma” (1976, USA Filmes em DVD) de Enzo G. Castellari, com Franco Nero; “Killer Fish/O Peixe Assassino” (1979, Abril Video em VHS) de Antonio Margheriti; “Alien 2 – Sulla Terra” (1980) de Ciro Ippolito e “Banana Joe” (1982, Paris Filmes em DVD) de Steno, comédia sobre a burocracia do estado genialmente estrelada por Bud Spencer em grande forma. A dupla trabalhou compondo trilhas para praticamente todos os grandes diretores italianos dos anos 70/80, que iam de Umberto Lenzi, passando por gente como Ruggero Deodato, Sergio Corbucci, Bruno Corbucci, Marino Girolami, Sergio Sollima, até Michele Lupo.

“La Montagna del Dio Cannibale” foi lançado em DVD no Brasil pela Cult Classic em cópia com alguns minutos  a mais de Ursula Andress pelada do que a cópia em VHS da distribuidora Pole Vídeo que circulava por aqui antes. Não é o melhor filme do ciclo de filmes de canibais italianos, mas mesmo assim garante momentos de diversão. Obrigatório!

por Petter Baiestorf.

Assista “La Montagna del Dio Cannibale” aqui:

“La Montagna del Dio Cannibale” pelo mundo:

Cani Arrabbiati

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on julho 30, 2012 by canibuk

“Cani Arrabbiati” (1974, 96 min.) de Mario Bava. Com: George Eastman, Riccardo Cucciolla, Lea Lander e Don Backy. Também conhecido como “Semaforo Rosso” ou “Kidnapped”.

Se tem um filme em que você deve confiar na indicação sem maiores perguntas e sem se informar muito, é este clássico “Cani Arrabbiati”, mais conhecido como “Rabid Dogs”, do fantástico diretor italiano Mario Bava. Na minha opinião o melhor trabalho de Bava em uma carreira repleta de grandes momentos. O mais incrível é que este filmaço, na época em que foi finalizado, não teve distribuição nos cinemas porque a produtora responsável por ele entrou em falência e foi impedida, legalmente, de lança-lo. Somente no ano de 1995 (alguns dizem 1998, não lembro direito e pesquisando achei informações desencontradas, mas vi ele em 1999 em cópia pirata conseguida pelo colecionador Thómaz Albornoz) que o filme ganhou distribuição por insistência de Lea Lander, atriz do filme (que em algumas produções assinava com o nome de Lea Kruger para lucrar com a fama de seu primo Hardy Krüger, ator em clássicos como “Barry Lyndon” (1975, Warner) de Stanley Kubrick, “A Bridge too Far/Uma Ponte Longe Demais” (1977) de Richard Attenborough ou “The Wild Geese/Selvagens Cães de Guerra” (1978) de Andrew V. McLaglen).

O que você deve saber da trama é o seguinte: Quatro ladrões tentam assaltar um carro blindado. Um deles é morto durante o assalto e os três restantes precisam fugir pegando duas mulheres de reféns (uma logo é morta) e roubando um carro que estava parado num semáforo (o motorista, Richard, diz desesperado que está levando seu filho doente ao hospital, mas não consegue sensibilizar os bandidos). Logo o trio de maníacos começa a torturar psicologicamente seus reféns (a ação do filme se desenvolve, com maestria, dentro de um carro), com um dos ladrões querendo estuprar a mulher, Maria (Lea Lander), a todo custo. Saber mais do que isso estraga as ótimas surpresas que o roteiro nos proporciona. Posso assegurar que você vai se deparar com um dos melhores finais da história do cinema (dependendo de qual versão do filme você estiver vendo, pois existem pelo menos seis cortes de “Cani Arrabbiati” circulando no mercado mundial).

Com base numa história de Ellery Queen (pseudônimo usado pelos primos de origem judaica, Frederic Dannay e Manfred Bennigton Lee) publicada pela Arnoldo Mondadori Editore através da série policial “Il Giallo Mondadori”, os roteiristas Alessandro Parenzo e Cesare Frugoni, com algumas intervenções de Mario Bava, criaram uma tensa peça sobre o sadismo humano e sua capacidade de maldades em nome de lucro fácil, com um final extremamente niilista. Mario Bava nunca esteve tão a vontade e sarcástico em um filme, dá prá sentir ele se divertindo enquanto fazia o filme. “Cani Arrabbiati” era seu filme preferido dos que fez.

Mario Bava (1914-1980) foi técnico de efeitos, diretor de fotografia, roteirista e diretor, filho do escultor Eugenio Bava, um dos pioneiros do cinema italiano, responsável por trucagens e direção de fotografia de inúmeros filmes mudos. Mario, em 1956, foi contratado pelo diretor Riccardo Freda para fazer a fotografia de “I Vampiri”, filme que Freda abandonou no meio da produção deixando a oportunidade para Bava finalizá-lo. Seu primeiro filme solo é o clássico “La Maschera del Demonio/Black Sunday/A Maldição do Demônio” (1960, London Films) com Barbara Steele no elenco. Em seguida dirigiu uma série de filmes bastante influentes como “Sei Donne per L’Assassino/Blood and Black Lace” (1964) sobre modelos assassinadas; “Terrore Nello Spazio/Planet of the Vampires” (1965) que mostra astronautas lutando contra criaturas em planeta hostil, que serviu de inspiração para “Alien” (1979) de Ridley Scott e foi plagiado por “Pitch Black/Eclipse Mortal” (2000) de David Twohy; “Operazione Paura/Kill, Baby, Kill” (1966), horror gótico bastante imitado; “Diabolik” (1968), uma adaptação adulta inspirada em histórias em quadrinhos, dando uma nova perspectiva ao gênero e “Reazione a Catena/A Bay of Blood/A Mansão da Morte” (1971, também conhecido como “Twitch of the Death Nerve” ou “Ecologia del Delitto”), slasher exemplar que, alguns anos depois, foi descaradamente copiado em “Sexta-Feira 13 – Parte 2”. Decepcionado com a distribuição de seus últimos filmes como “Lisa e il Diavolo” (1974) e “Cani Arrabbiati”, Bava realizou ainda “Schock” (1977) e se aposentou. Lamberto Bava é seu filho e seguiu a tradição familiar, sem grande destaque, na produção de filmes.

Um dos atores do filme é Luigi Montefiori (George Eastman) que se tornou conhecido por sua longa parceria com Joe D’Amato. Trabalhou com vários grandes diretores italianos como Enzo G. Castellari, Enzo Barboni, Umberto Lenzi e até Federico fellini (ele está no elenco de “Satyricon” (1969), clássico felliniano imperdível). Foi ator e produtor do clássico “Antropophagus” (1980) dirigido por seu amigo D’Amato. Outro ator de destaque no elenco é Riccardo Cucciolla, um dublador (também diretor de dublagens) que eventualmente trabalhava como ator. Cucciolla também está no elenco de “Sacco e Vanzetti” (1970) de Giuliano Montaldo, um dos mais belos filmes políticos dos anos 70.

“Cani Arrabbiati” nunca teve um lançamento no Brasil. Espero que saia uma versão nacional com material extra como um clássico destes pede (e que não seja lançado pela Continental, lógico!). A título de curiosidade: escrevi o roteiro de “Raiva” (2000) inspirado em “Cani Arrabbiati”.

por Petter Baiestorf.

Veja “Cani Arrabbiati/Rabid Dogs” aqui:

Carnival of Souls

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , on julho 23, 2012 by canibuk

“Carnival of Souls” (1962, 78 min.) de Herk Harvey. Com: Candace Hilligoss, Frances Feist e Sidney Berger.

Produzido em 1962, “Carnival of Souls” é um destes pequenos tesouros revelados somente em Home Video na década de 1980. Filme barato (U$ 30.000,00) rodado em preto e branco na pequena Lawrence no Kansas, USA, depois de redescoberto foi considerado um dos mais atmosféricos e originais filme de horror da sua época.

Escrito por John Clifford, produzido e dirigido por Herk Harvey, “Carnival” começa como vários filmes vagabundos dos anos 50/60: dois carros lotados de jovens apostam uma corrida em uma estrada qualquer. Sobre uma ponte o carro que conduzia três garotas perde o controle e mergulha nas águas barrentas de um rio. Algum tempo depois, Mary (Candace Hilligoss) emerge como a única sovrevivente do acidente num estranho estado de choque. Sem consciência do que lhe aconteceu ela segue seu caminho e arranja um emprego de organista em uma igreja da cidade. Logo passa a ser perseguida por um homem de aparência cadavérica (o próprio diretor) e se sente atraída por um pavilhão abandonado nos arredores da cidade. Ninguém além dela vê a estranha figura e, além disso, Mary mergulha as vezes numa outra “dimensão” onde ela não é vista nem ouvida pelos outros. Apavorada decide deixar a cidade e se vê num ônibus lotado de passageiros com cara de mortos-vivos. A resposta para seu drama macabro parece estar no velho pavilhão onde vai presenciar um estranho baile fantasmagórico.

Influência confessa de George Romero para seu “The Night of the Living Dead” (1968), “Carnival of Souls” foi pobremente distribuido na época e muito pouco visto. Henk Harvey nunca mais teve chance de dirigir um longa apesar de demonstrar segurança e imaginação em seu debut. Além de uma presença em cena como líder fantasmagórico com rosto pálido, cabelos esbranquiçados, grandes olheiras e roupa preta. Profissionalmente Harvey dirigia curtas industriais e educativos para uma empresa de sua cidade, onde encontrou o roteirista Cliford, seu parceiro na criação deste pequeno clássico. Também merece um destaque especial o diretor de fotografia Maurice Prather com seu trabalho em preto e branco brilhante e com um maravilhoso jogo claro-escuro evocando uma constante atmosfera surreal.

“Carnival of Souls” é a prova de que não basta se fazer algo realmente bom e original para ser descoberto e admirado. Herk Harvey padeceu anos de obscuridade e má distribuição até seu trabalho receber a fama e o reconhecimento que merece. Relançado nos cinemas e depois em vídeo 20 anos depois, passou a ser cult e merecer destaque em encontros e convenções de horror, inclusive com a presença da ilustre e ainda desconhecida equipe. Em 1998 Wes Craven produziu uma refilmagem chinelona à cores e com um palhaço sinistro na trama. Prefira o original ou o fantasma pálido de Herk vai te perseguir…

por Coffin Souza.

Assista “Carnival of Souls” aqui:

La Bestia Nello Spazio

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on junho 4, 2012 by canibuk

“La Bestia Nello Spazio” (“The Beast in Space”, 1980, 92 min.) de Alfonso Brescia. Com: Sirpa Lane, Vassili Karis, Lucio Rosato, Maria D’Alessandro e Marina Lotar.

“La Bête” (1975), dirigido pelo mestre do erotismo Walerian Borowczyk, sobre um casamento arranjado entre duas famílias burguesas onde a noiva, para que possa receber a herança de seu falecido pai, precisa se casar com um homem deformado que cria cavalos, foi um marco do cinema erótico com suas ousadas cenas de sexo entre uma mulher (Sirpa Lane) e um monstro (a título de curiosidade: A seqüência do sonho onde o monstro estupra/é estuprado pela mulher foi filmado para ser um dos seis episódios do filme “Contes Immoraux/Contos Imorais” (1974), obra anterior de Borowczyk, mas na edição ele e outro episódio ficaram no chão da sala de montagem e o diretor resolveu usa-lo em seu grande clássico). “La Bête” e a tradição da bela sendo estuprada pela fera, que vem do inconsciente branco-cristão europeu antes mesmo da invenção do cinema, serviram de inspiração para a produção de “La Bestia Nello Spazio” de Alfonso Brescia (não confundir com a dupla de diretores Brescia do Brasil).

“La Bestia Nello Spazio” é uma mistura entre “Star Wars” (apesar que produções sci-fi européias sempre ficam mais prá “Barbarella” do que para “Star Wars”) e “La Bête” que conta a história de um grupo de soldados espaciais que recebem a missão de ir ao planeta Lorigon obter Antalium (o elemento chave para a construção da bomba de neutron). Assim que a equipe começa a missão, Sondra (Sirpa Lane, do elenco de “La Bête”) começa a ter sonhos envolvendo sexo violento. Logo chegam ao seu destino e pousam no planeta (o pouso da espaçonave lembra os filme de sci-fi de 30 anos antes, de tão tosco e mal executado). Para poupar dinheiro com cenários, logo o grupo de corajosos desbravadores encontra um bosque igualzinho à qualquer bosque aqui do planeta terra e sua primeira visão perturbadora em Lorigon é ver dois cavalos fazendo sexo (em cenas de stock footage, outra referência explícita à “La Bête”), visão essa que deixa as mulheres do grupo excitadas. Depois desta cena gratuita de sexo animal, encontram uma casa de design alienígena onde seu moderno equipamento detecta Antalium. Em uma entrada triunfal ficam conhecendo Onaph, o anfitrião do planeta, que lhes conta a história de Lorigon e do super computador Zocor. No banquete que é servido de boas-vindas, todos comem, bebem e ficam tarados, vítimas de uma alucinação sexual coletiva, e a pegação entre a tripulação tem início. Onaph se revela um fauno bestial movido a sexo e torna os pesadelos de Sondra reais com cenas de sexo onde as penetrações explícitas foram enxertadas (casualmente todos os closes de penetrações nas vaginas foram feitos na mesma buceta, reconhecível pelo pentelhos pavorosos). Assim que todos conseguem sair da alucinação, escapam da casa e travam uma batalha com robôs lorigonianos, culminando numa cena de absoluta cara de pau onde sacam seus sabres de luz a la “Star Wars”. No meio desta batalha nossos heróis encontram tempo para destruir Zocor, o super computador que se alimenta de Antalium, e até o próprio planeta (a explosão mal feita do planeta fecha o filme com chave de ouro).

Os cenários e figurinos são pobres, mas de cores chamativas como todo bom filme barato que se preze deve ter. As armas são um achado com seus canos montados sobre lanternas, a cada tiro a ponta da arma se acende e os inimigos caem mortos. Os efeitos especiais parecem ter sido feitos para um filme dos anos 60 de tão precários. O roteiro escrito por Brescia, com uma ajudinha de Aldo Crudo, é uma grande bobagem com a missão de mostrar cenas de sexo que são bem filmadas (a versão que assisti tem 92 minutos e mais 3 minutos adicionais de cenas de sexo explícito que acabaram ficando de fora da versão final, mas cuidado, há versões deste filme rodando por aí com duração variando entre 73 e 86 minutos). O super computador é uma caixa gigante colorida com luzes vermelhas que piscam, nada melhor para um filme que não se leva a sério em nenhum momento, dá prá notar que os atores estão se divertindo. A trilha sonora do filme foi composta por Marcello Giombini (sob pseudônimo de Pluto Kennedy).

Alfonso Brescia (nascido em 1930 e falecido em 2001) é mais conhecido pelo pseudônimo de Al Bradley (ou Bradly Al) e se tornou famoso por seus filmes de sci-fi de baixo orçamento (na linha dos filmes de Antonio Margheriti como “Assignment: Outer Space/Destino: Espaço Sideral” (1960) ou “Il Pianeta Degli Uomini Spenti/Battle of the Worlds/O Planeta dos Desaparecidos” (1961), ambos lançados em DVD double feature pela London Films) que valem a pena serem conhecidos. Filmes como “Battaglie Negli Spazi Stellari” (1977), “Anno Zero – Guerra Nello Spazio” (1977), “La Guerra dei Robot” (1978) e “Sette Oumini D’Oro Nello Spazio” (1979) foram todos produzidos para lucrar em cima do sucesso de “Star Wars”, mas são muito mais divertidos, com aquele sabor especial que somente os filmes vagabundos tem. Exploitation man por natureza, começou dirigindo peplum movies. “La Rivolta dei Pretoriani” (1964) e “Il Magnifico Gladiatore” (1964) são sua visão do império romano que, nos anos 60, estavam na moda. Versátil como todos os diretores de exploitations, foi mudando de gênero conforme o gosto do consumidor mudava. Já em 1966 abandonou a produção de peplum para se dedicar ao western e realizou “La Ley del Colt”, na cola do sucesso dos filmes de Sergio Leone. Seu melhor filme no gênero western foi “Killer Calibro 32” (1967). Quando os filmes de faroeste começaram a dar sinais de cansaço, fez o drama “Nel Labirinto de Sesso” (1969) e o filme de guerra “Uccidete Rommel” (1969), para ver qual caminho seguir. Nenhum, nem outro! No início dos anos 70 era o horror que começava a chamar atenção do público, assim fez “Il Tuo Dolce Corpo da Uccidere” (1970), estrelado por Eduardo Fajardo (figurinha fácil dos spaghetti westerns) e “Ragazza Tutta Nuda Assassinata nel Parco” (1972). Depois de algumas comédias onde destaco “Superuomini, Superdonne e Superbotte” (1975), que zoava com o mundo dos super-heróis, e de seus filmes de sci-fi já citados, Brescia teve problemas com Joe D’Amato ao lançar “Ator 3: Iron Warrior” (1986) sem autorização de D’Amato, verdadeiro dono da série. No final dos anos 80 lançou uma imitação barata de “Rambo” chamada “Fuoco Incrociato/Cross Mission/Missão Mortífera” (1988) que tentava lucrar com o gênero ação. Brescia é um diretor pouco citado por trashmaníacos, mas merece destaque por sua carreira cheia de obras muito bagaceiras com alto grau de diversão.

No elenco de “La Bestia Nello Spazio” temos atores/atrizes que topavam tudo que é tipo de filme para pagar o aluguel. Sirpa Lane foi lançada no cinema por Roger Vadim com o filme “La Jeune Fille Assassinée” (1974), thriller erótico que destacou a beleza da jovem e fez com que Borowczyk a chamasse para viver Romilda de L’Esperance, sua personagem mais famosa no cinema, em “La Bête”. Em 1978 Joe D’Amato realizou “Papaya dei Caraibi/Papaya – Love Goddess of the Cannibals” e lhe deu o papel de Sara. Nos anos 80 trabalhou em mais dois filmes que merecem destaque, “Le Notti Segrete di Lucrezia Borgia” (1982) de Roberto Bianchi Montero e “Giochi Carnali” (1983), dirigido por Andrea Bianchi, mesmo diretor dos cults “Malabimba” (1979) e “Le Notti del Terrore/Burial Ground” (1981). Vassili Karis já havia trabalhado com Brescia em “Battaglie Negli Spazi Stellari” e “Anno Zero – Guerra Nello Spazio” antes deste “Bestia”. Outros filmes onde Karis dá as caras são “È Tornato Sabata… Hai Chiuso Un’Altra Volta/O Retorno de Sabata” (1971, disponível em DVD pela MGM Vídeo) de Gianfranco Parolini, um divertido western estrelado por Lee Van Cleef; “Casa Privata per le SS/SS Girls” (1977), asneira nazixploitation de Bruno Mattei; “Le Porno Killers” (1980), comédia de humor negro de Roberto Mauro e “Scalps” (1987) da dupla Claudio Fragasso e Bruno Mattei, um western gore chato, mas lindo. Outro ator de “Battaglie Negli Spazi Stellari” que aparece nesta produção é Lucio Rosato que, como todos os atores italianos em atividade nos anos 60, 70 e 80, teve a oportunidade de trabalhar em muitos filmes divertidos. Não deixe de ver Rosato em ação nos filmes “Gli Specialisti” (1969), western do mestre Sergio Corbucci; “Carcerato” (1981), um drama musical onde foi novamente dirigido por Brescia e “The Barbarian” (1987), um adorável lixo cinematográfico de Ruggero Deodato.

Atentem ainda para a presença da pornostar sueca Marina Hedman Bellis (também conhecida pelos nomes Marina Frajese, Marina Lotar ou Marina Lothar) no elenco. Marina era modelo quando Lucio Fulci lhe deu um pequeno papel (não creditado) na comédia “La Pretora” (1976), estrelado por Edwige Fenech. Logo em seguida apareceu já em sua primeira cena de sexo hardcore no cult movie “Emanuelle in America” (1977) do esperto Joe D’Amato, que com este filme chamou atenção por usar algumas cenas que seriam de torturas reais (mas que sob olhar atento percebemos que são trucagens). Ainda com D’Amato ela fez outros filmes, como a comédia “Il Ginecologo Della Mutua” (1977) e “Immagini di un Convento” (1979), nunsploitation com seqüências de sexo explícito. Depois de trabalhar com D’Amato foi descoberta pelos diretores italianos e trabalhou com vários caras bons. “Pasquale Festa Companile a contratou para “Gegè Bellavista” (1978) e “Come Perdere una Moglie e Trovare un’Amante” (1978); com Dino Risi fez o drama “Primo Amore” (1978); o atento Jesus Franco a chamou para um papel na comédia “Elles Font Tout” (1979), estrelado por sua musa Lina Romay, lógico; e Federico Fellini a chamou para sua obra-prima “La Città Delle Donne/Cidade das Mulheres” (1980), divertido clássico estrelado por Marcello Mastroianni e Anna Prucnal (que faz a personagem Anna Planeta no cult absoluto “Sweet Movie” (1974) de Dusan Makavejev). Fazer cinema na Europa dos anos 70/80 era algo realmente mágico. Depois deste começo de carreira promissor, Marina Hedman resolveu seguir o caminho dos filmes de horror e hardcore e fez o terror adulto “Orgasmo Esotico” (1982) de Mario Siciliano, “La Bimba di Satana/Satan’s Baby Doll” (1972) de Mario Bianchi, “La Bionda e La Bestia” (1985) de Arduino Sacco, “The Devil in Mr. Holmes” (1987) de Giorgio Grand, entre muitos outros pornôs europeus.

Dificilmente “La Bestia Nello Spazio” será lançado em DVD no Brasil, mas deixo aqui a dica para quem quiser conhecer essa pequena peça do selvagem cinema italiano que, quando faliu, deixou saudades. O estilo de filmar dos cineastas italianos sempre foi uma grande bagunça que no fim dava certo e rendia ótimos filmes.

por Petter Baiestorf.

“La Bestia Nello Spazio” copiando a arte de “Zardoz” descaradamente.

Queen Kong

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on junho 1, 2012 by canibuk

“Queen Kong” (ou “Queen Gorilla”, 1976, 87 min.) de Frank Agrama. Com: Robin Askwith, Rula Lenska e John Clive.

Na ânsia de lucrarem alguns poucos dólares, produtores de filmes exploitations sempre caçaram assuntos/temas em evidência para fazer de seus pequenos filmes baratos, grandes negócios lucrativos. Em 1976 o produtor Dino De Laurentiis lançou o remake de “King Kong” (1933) e Frank Agrama rapidamente lançou este hilário “Queen Kong” (que nunca foi lançado no Reino Unido devido a uma ação legal movida por De Laurentiis contra a imitação de Agrama), objeto de culto no Japão, onde o filme foi completamente redublado por comediantes japoneses para ficar ainda mais mongol. Aliás, os japoneses são tão fanáticos por King Kong que é da produção nipônica que vem “Wasei Kingu Kongu” (1933) de Torajiro Saito, um curta-metragem feito no mesmo ano do clássico de Cooper & Schoedsack e que hoje é considerado perdido (numa época foi sugerido que o filme se perdeu após os bombardeios atômicos de 1945, pronto, já deu prá entender porque USA quis tanto testar a bomba nuclear contra os japoneses); Ainda nos anos 30 os japoneses fizeram outro filme com o Kong, “Edo ni Arawareta Kingu Kongu: Henge no Maki/King Kong Appears in Edo” (1938) de Sôya Kumagai também foi produzido sem autorização da RKO Radio Pictures e mostra King Kong atacando no Japão medieval, hoje é considerado perdido também; Em 1962 a Toho Studios promoveu a luta do século em “Kingu Kongu tai Gojira/King Kong Vs. Godzilla”, dirigido pelo mestre Ishirô Honda, que também dirigiu “Kingu Kongu no Gyakushû/King Kong Escapes” (1967), onde Kong luta contra um robô gigante. Graças aos japoneses o grande macacão tarado se manteve sempre em evidência (os Shaw Brothers também contribuíram para o mito de Kong, saiba mais lendo o artigo “Evelyne e o King Hong Kong” de nosso colaborador Coffin Souza).

“Queen Kong” é uma paródia “cena por cena” do King Kong original, mas com todo o cinismo e sarcasmo dos anos 70. A produção do filme é bem pobre, as nativas da ilha de “Konga” usam um figurino colorido que parece roubado de alguma escola de samba aqui do Brasil, a fantasia da gorila é feia e desajeitada, o dinossauro com quem ela luta (foto acima) é um dos piores que já vi, as maquetes são grosseiras e os efeitos especiais mal elaborados; isso, combinado à interpretações canastronas e um roteiro cara de pau, transforma  o filme de Agrama numa grande curtição que nunca se leva a sério e tira proveito de suas próprias deficiências, enfim, um ótimo candidato para ser exibibido aos amigos acompanhado, lógico, de pizzas e caixas e mais caixas de cerveja.

Frank Agrama, o produtor/diretor por trás do filme, é um egípcio cheio de energia para empreitadas duvidosas (na Itália ele tem mais de dez processos correndo na justiça por fraudes fiscais). Em 1965 dirigiu “El Ainab el Murr” e tomou gosto pela coisa. Seus filmes seguintes não chegaram ao ocidente (leia-se Europa e USA) e fomos privados de títulos como “Toufan Bar Farase Petra” (1968) e “Bazy-E-Shance” (1968), filme onde se tornou, além de diretor, produtor de seus próprios projetos. Em 1972 escreveu, produziu e dirigiu o thriller “L’Amico del Padrino” em associação com produtores italianos, que foi estrelado por Erika Blanc (atriz do clássico cult “Operazione Paura/Kill, Baby, Kill!” (1966) de Mario Bava). Assim conseguiu chamar atenção na Europa e seu próximo filme, “Essabet el Nissae” (1973) foi estrelado por ninguém menos que o superstar turco Cüneyt Arkin (que foi ator em mais de 270 filmes, entre eles os clássicos “Kara Murat Ölüm Emri” (1974) de Natuk Baytan e “Dünyayi Kurtaran Adam” (1982) de Çetin Inanç, a versão turca de “Star Wars” que coloca o filme de George Lucas no chinelo). Seu filme mais popular como diretor é “Dawn of the Mummy” (1981), sobre modelos sendo atacadas por uma múmia com alguns ótimos momentos gore. Nos anos 80 Agrama passou apenas a produzir e ganhou certa fama com a série “Robotech”, que depois virou video game de sucesso.

O ator Robin Askwith, que em “Queen Kong” interpreta Ray Fay (trocadilho idiota com o nome de Fay Wray, estrela do Kong original), é um comediante inglês que geralmente fazia comédias sexuais como “Bless This House” (1972) de Gerald Thomas e “Cool It Carol!” (1972) de Pete Walker, ou filmes de horror como “Tower of Evil” (1972) de Jim O’Connolly, “The Flesh and Blood Show” (1972) também de Pete Walker ou seu filme mais famoso, o cult “Horror Hospital” (1973) dirigido pelo maluco Antony Balch. Em 1999 a editora Ebury Press lançou sua autobiografia “The Confessions of Robin Askwith”, infelizmente inédita no Brasil. John Clive, que também paga mico em “Queen Kong”, tem em sua filmografia grandes clássicos do cinema: “Yellow Submarine” (1968) de George Dunning, onde faz a voz de John; “The Italian Job” (1969) de Peter Collinson, onde ladrões ingleses planejam um assalto na Itália e “A Clockwork Orange/Laranja Mecânica” (1971) de Stanley Kubrick, um dos melhores filmes já produzidos pelo cinema mundial.

por Petter Baiestorf.

frame de “Wasei Kingu Kongu” (1933).

The Werewolf of Washington

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on maio 30, 2012 by canibuk

“The Werewolf of Washington” (“O Lobisomem de Washington”, 1973, 90 min.) de Milton Moses Ginsberg. Com: Dead Stockwell, Katalin Kallay e Biff McGuire.

Todos que acompanham diariamente o Canibuk sabem de minha paixão por filmes trash (sou um defensor e divulgador do “gênero”), eis que finalmente tirei tempo para assistir “The Werewolf of Washington”, simplesmente um dos piores filmes que já vi, no patamar de produções pavorosas como “Zombie Brigade/A Terrível Noite do Espanto” (1986) de Carmelo Musca e Barrie Pattison ou “The Lost Platoon/Pelotão Vampiro” (1991) de David A. Prior. A história do lobisomem de Washington começa (mal iluminado) na Hungria onde nosso jornalista herói (Dean Stockwell) é atacado por um lobisomem que lhe passa a maldição dos peludos. De volta aos USA descobrimos que o jornalista é assessor de imprensa do presidente americano. Apartir daí o roteiro vai ficando cada vez mais cômico, mostrando o lobisomem letrado atacando desafetos do presidente em cenas do mais completo absurdo, como quando estripa a esposa bêbada de um senador que foi embora de uma festa na Casa Branca caminhando (ora bolas, que esposa de senador iria embora caminhando e, ainda por cima, sozinha?). Aliás, cenas ridículas em tom de comédia pastelão dão o rumo desta ruindade cinematográfica: Numa cena o lobisomem pega carona no teto do carro de sua vítima; noutra cenas os dedos do lobisomem incham dentro dos buracos de uma bola de boliche e ele não consegue se livrar da bola nem com ajuda do presidente da nação mais poderosa da Terra; pouco depois, na sala de reuniões da Casa Branca, o jornalista começa a se transformar diante de militares e políticos e sai correndo da sala sem que ninguém perceba o que está acontecendo; nums das correrias do lobisomem ele encontra um cientista anão que claramente mantêm um projeto secreto com monstros no porão da Casa Branca (percebam os pés do Frankenstein em cena); o jornalista amarrado numa cadeira com inúmeras correntes cadeadas enquanto fala com a filha do presidente, sua paquera, é genial e sua transformação fajuta dentro do helicóptero presidencial (o que leva o filme à um final ótimo) é um grande momento da sétima arte que somente a cabeça de jerico de cineastas bagaceiros poderiam conceber.

Essa diversão em forma de película foi realizada por Milton Moses Ginsberg, novaioquino de 1943, cujo primeiro trabalho de direção foi o cult “Coming Apart” (1969), drama estrelado por Rip Torn no papel do psiquiatra que filma seus encontros com as mulheres que o visitam. “The Werewolf of Washington” meio que sepultou sua carreira de diretor por conta da ruindade técnica do filme, apenas em 1999 ele voltou à direção com “The City Below the Line”, seguido pelo também curta “The Haloed Bird” (2001) e “Kron” (2011), um média-metragem. A biografia de Ginsberg diz que ele se retirou da indústria cinematográfica após ter sido diagnosticado de um linfoma em 1975, mas sua carreira como montador de filmes como montador de filmes que seguiu em paralelo à doença me fazem pensar que seu Lobisomem de Washington teve alguma coisa haver com o afastamento. Uma pena, já que seu filme de lobisomem é uma curiosa sátira política que brincava com a era Nixon, com o fascismo policial dos anos 70 anti-hippies e o escândalo Watergate.

Dead Stockwell foi ator mirim em filmes como “The Green Years” (1946) de Victor Saville, “The Boy With Green Hair/O Menino dos Cabelos Verdes” (1948) de Joseph Losey e “The Secret Garden/O Jardim Secreto” (1949) com direção de Fred M. Wilcox, responsável também pela direção do clássico sci-fi “Forbidden Planet/O Planeta Proibido” (1956). No início dos anos 60 desistiu da carreira e se tornou hippie. Nos anos 80 trabalhou em alguns cults como “Paris, Texas” (1984) de Wim Wenders e “Blue Velvet (1986) de David Lynch. O Produtor associado de “The Werewolf of Washington” é Stephen A. Miller, que anos depois escreveu (em parceria com John Beaird) o clássico slasher “My Bloody Valentine/Dia dos Namorados Macabro” (1981) de George Mihalka.

Aqui no Brasil “The Werewolf of Washington” foi lançado em DVD pela distribuidora/editora digital Showtime com “Seddok, L’Erede di Satana/Atom Age Vampire/O Vampiro da Era Atômica” (1960) de Anton Giulio Majano e “Grave of the Vampire/O Túmulo do Vampiro” (1974) de John Hayes no mesmo DVD. A qualidade dos filmes é péssima, mas o valor de R$ 7.90 que paguei pelo DVD compensa.

por Petter Baiestorf.

Assista este clássico bagaceiro agora:

Alguns momentos hilários de “The Werewolf of Washington”:

The Astro-Zombies

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on maio 15, 2012 by canibuk

“The Astro-Zombies” (ou “Space Zombies” ou “The Space Vampires”, 1968, 91 min.) de Ted V. Mikels. Com: Tura Satana, John Carradine, Wendell Corey, Tom Pace, Joan Patrick e mais um bando de desconhecidos.

A trama de “The Astro-Zombies” é quase inexistente: Um cientista, depois que é despedido da agência espacial americana, decide criar monstros com partes dos corpos de vítimas inocentes. Lógico que as criaturas vão fugir e aprontar altas confusões (desculpem, não consegui resistir). Depois dos créditos iniciais que são mostrados sob as imagens de robôs de brinquedo andando de um lado pro outro, não podemos esperar mais nada do que uma trama confusa. Mas como o diretor atende pelo nome de Ted V. Mikels (aqui com uma ajuda na produção e roteiro do ator Wayne Rogers da série de TV “M*A*S*H*”) sabemos que se trata de uma delíciosa bobagem sem orçamento, completamente mongol onde nada funciona, com interpretações pavorosas, edição tosca, trabalho técnico amador (a iluminação do filme é extremamente mal feita), maquiagens horríveis e uma falta de lógica impagável que transforma o filme em objeto de culto por sua ruindade absoluta.

Ted V. Mikels, nascido em 1929 com o nome real de Theodore Mikacevich, é um diretor da categoria de Ed Wood, H.G. Lewis, Doris Wishman e Ray Dennis Steckler, que sempre filmou sem dinheiro algum e teve lucro com seus filmes, o que possibilitou a compra de um castelo em Glendale, California, onde vive até hoje com um harém de mulheres. Começou sua carreira artística trabalhando no teatro e logo depois partiu para a lucrativa produção de filmes vagabundos para o mercado de drive-ins americanos. Também era um esperto produtor que, imitando William Castle, sempre tinha gimmicks promocionais, como ambulâncias e gostosas enfermeiras a disposição do público que poderia passar mal na exibição de seus filmes (só se fosse passar mal de raiva pela adorável chinelagem!).

Seu primeiro longa foi “Strike Me Deadly” (1963) onde um guarda florestal e sua esposa testemunham um assassinato e são mantidos prisioneiros em uma cabana isolada. “The Black Klansman” (1966), uma saga sobre a intolerância racial onde um negro se disfarça de branco e entra para um grupo de caipiras da Ku Klux Klan para se vingar da morte de sua filha num atentado que este grupo realizou na igreja que a menina freqüentava, foi uma tentativa de cinema mais sério de Mikels. Depois de “The Astro-Zombies”, Mikels realizou o clássico “The Corpse Grinders” (1971, que atualmente está em pré-produção a terceira parte da série), uma pequena peça de demência sobre uma fábrica de comida para gatos que, para enfrentar a crise, decide começar a fazer sua ração com cadáveres do cemitério local. Em seguida Ted realizou uma série de filmes onde os títulos prometiam muito mais do que era visto nas telas, como “Blood Orgy of the She-Devils” (1972), sobre o mundo obscuro da feitiçaria; “The Doll Squad” (1973), trasheira de ação mal filmada com um elenco de beldades que incluiam Tura Satana, Francine York e Lisa Todd e “Ten Violent Women” (1982), sua visão sobre o tarado mundo das prisões femininas num W.I.P. ruim/divertido.

Na qualidade de produtor Ted V. Mikels realizou vários bons filmes, com destaque aos geniais “The Worm Eaters” (1977) do hilário maníaco Herb Robins, um lendário clássico do mau-gosto cinematográfico onde várias pessoas comem minhocas em sorvetes, tortas e cachorros quentes com um grandes sorrisos nos seus rostos e o inspirado “Children Shouldn’t Play With Dead Things” (1973) da dupla Alam Ormsby e Bob Clark (que depois ficou rico e famoso com a série adolescente “Porky’s”), onde o orçamento era tão curto que os figurantes que interpretavam os zumbis do filme fizeram uma greve ao descobrirem que a comida que lhes era servida era, na verdade, arranjada na lixeira de um restaurante das redondezas. Em 2002 Mikels filmou a continuação de “The Astro-Zombies” intitulada “Mark of the Astro-Zombies”, estrelada por uma envelhecida (e gordona) Tura Satana, mas ainda dona de um senso de humor ótimo. Existem ainda as continuações “Astro Zombies: M3 – Cloned” (2010) e “Astro Zombies: M4 – Invaders from Cyberspace” que infelizmente ainda não tive a oportunidade de assistir.

Com um elenco de famosos, vemos como Mikels não levava jeito para a direção de atores. John Carradine fez inúmeros filmes de horror para a Universal Studios, como “House of Frankenstein” (1944) e “House of Dracula” (1945), ambos de Erle C. Kenton. Fez 11 filmes com John Ford, entre eles “Stagecoach” (1939), “The Grapes of Wrath” (1940) e “The Man Who Shot Liberty Valance” (1962). Já em fim de carreira contracenou com Vincent Price, Christopher Lee e Peter Cushing no “House of the Long Shadows/A Mansão da Meia-Noite” (1983) de Pete Walker. Seus últimos filmes foram produções de baixo orçamento (mas alta diversão) como “Buried Alive” (1990) do diretor de filmes hardcore Gérard Kikoïne agora investindo em horror e filmes do picareta cara de pau Fred Olen Ray, como “Bikini Drive-In” (1995), montado com stock footage do veterano ator (Carradine havia falecido em 1988). “The Astro-Zombies” foi o último filme do ator Wendell Corey que, entre outros, aparece no clássico “Rear Window/Janela Indiscreta” (1954) de Alfred Hitchcock. E Tura Satana dispensa apresentações aos leitores do Canibuk (mas leia mais sobre ela clicando aqui).

Quem quiser saber mais sobre a vida e carreira de Ted V. Mikels, procure o documentário “The Wild World of Ted V. Mikels” (2009) de Kevin Sean Michaels, com narração do gênio John Waters.

por Petter Baiestorf.

Curiosidades da Obra Cinematográfica de Alejandro Jodorowsky

Posted in Arte e Cultura, Cinema with tags , , , , on março 1, 2011 by canibuk

Cineasta, poeta, homem do teatro, surrealista, escritor (de romances e roteiros de cinema/quadrinhos) e psicomago (Jodorowsky é psicólogo, uma vez por semana ele faz umas charlatices com cartas de Tarô que servem de auto-ajuda à sociedade classe-média entediada de Paris). O melhor livro que já li, “Cuando Teresa Se Onojó Con Dios”, foi escrito por ele. Três dos melhores filmes que já vi foram escritos/dirigidos por ele (“El Topo” de 1970, “The Holy Mountain” de 1973 e “Santa Sangre” de 1989). Resolvi postar inúmeras curiosidades sobre a obra cinematográfica deste genial chileno cheio de clássicos (“Tusk”, longa de 1980, é o único filme dele que achei bem ruim). Essas informações que posto aqui são para os cinéfilos já iniciados na obra cinematográfica dele.

Infância:

* Nasceu ao Norte do Chile, Tocopilla, onde por 3 séculos não havia chovido, sendo o lugar mais seco do mundo. Na cidade havia apenas 8 árvores e até seus 10 anos foram as únicas árvores que ele conheceu. Tocopilla era uma cidade portuária de 2 mil pessoas onde aportavam navios do mundo inteiro. Havia a rua do puteiro e para as crianças era uma grande aventura ver o que acontecia por lá. Jodorowsky e os amiguinhos se masturbavam em círculos onde ele se descobriu diferente (branco, circuncidado com pênis no formato de cogumelo enquanto os amigos eram morenos com pênis pontudo.

* Ainda criança assistiu ao funeral do pênis de um marinheiro.

* Nunca teve contato físico com seu pai. Quando tinha uns cinco anos o carro que os levava quebrou e seu pai teve que carrega-lo por alguns quilômetros, isso marcou Jodorowsky prá sempre.

* O interesse pelo estudo das religiões veio porque seu pai era um ateu fanático. Toda vez que Jodorowsky ganhava algum símbolo religioso seu pai atirava-o no sanitário gritando: “Deus não existe!”

* Se formou em Filosofia e Psicologia.

Movimento Pânico:

* O nome remete ao Pânico e ao Deus Pan. Suas peças teatrais eram uma mistura de vanguarda, cinema e literatura.

* Fernando Arrabal era um de seus parceiros nas peças de Teatro de Pânico. Suas peças teatrais lembram os filmes de Otto Mühel e Kurt Kren (adoro os filminhos deles), só que não tão radicais.

* Criaram o movimento Pânico porque achavam que o surrealismo estava morto. O Surrealismo não gostava de rock’n’roll, não gostava da ficção cientifica, da pornografia. Politicamente os surrealistas eram trotskystas. O movimento do pânico era uma piada. Eles (Jodorowsky e Cia.) chamavam de pânico qualquer coisa que faziam. Acreditavam em confusão e desordem. Acreditavam que um artista precisava estar dentro do seu trabalho. Mas o grupo cultural, a sociedade, os levou a sério e acreditavam, até hoje, que foi um movimento. Mas nunca existiu, é uma piada, a cultura popular é idiota.

* “La Cravate” é o primeiro filme de Jodorowsky, feito de forma intuitiva, sem ser pensado, como “Fando Y Lis”.

Fando y Lis:

* Um dia fez amizade com um garoto com Síndrome de Down, transformou-o em assistente e motorista. Já estava filmando algumas coisas do “Fando Y Lis” (O garoto aparece na cena em que Lis é oferecida a 3 homens, o garoto com problemas mentais é o de cartola) e este garoto cometeu suicídio (acidental) quando sua cama pegou fogo com ele fumando um baseado. O pai deste garoto era Moshe Rosenberg,  um rico comerciante de jóias no México. Pela dedicação de Jodorowsky ao seu filho quis pagar uma peça, mas Jodorowsky pediu 100 mil dólares para terminar o “Fando Y Lis”. Moshe Rosenberg também foi um dos investidores no filme “El Topo”.

* “Fando Y Lis” é inspirado na peça de Fernando Arrabal, o roteiro tinha uma página e Jodorowsky foi fazendo o filme baseado em suas memórias da peça. Arrabal, como todo artista surreal, odiou o resultado.

* A peça era meio auto-biográfica. Fando possuí tanto ódio de Lis porque possuí ódio de sua mãe. Num flashback vemos que a mãe de Fando acusa seu pai de ser um revolucionário e ele é preso. Essa cena é inspirada na mãe de Arrabal que acusou o pai de Arrabal de ser um revolucionário. Arrabal tentou se exorcizar disso em seus dois primeiros filmes, “Viva la Muerte” (1970) e “J’irai Comme un Cheval Fou” (1973).

* Quando fez “Fando Y Lis” Jodorowsky não sabia nada de técnicas cinematográficas, então se amarrou ao diretor de fotografia (Rafael Corkidi) por um fio de borracha e movia o diretor de fotografia ao seu bel prazer.

* Jodorowsky odiava o ator que interpretou Fando por ele ser profissional demais. Depois disso sempre fazia questão de usar atores amadores quando possível.

* Nas cenas do cemitério das crianças enterradas foram filmar numa pequena cidade. Filmaram rápido e escondidos porque não tinha autorização e como haviam arrancado e misturado as cruzes achavam que poderiam ser mortos pela população.

* Na cena das pessoas nuas na lama Jodorowsky queria todos nus mas não pode fazer porque havia um espião do governo. A censura mexicana, na época, era bem pior que a censura brasileira.

* Os atores que fazem os travestis não são atores, são todos travestis reais que Jodorowsky mandou um assistente gay procurar pro filme.

* Na cena em que é tirado o sangue do braço de Lis (sem cortes), o ator que tira o sangue é um médico de verdade que quis trabalhar no filme. Ele tira sangue de verdade no braço e bebe, em 1966 não existia AIDS. Com a cena Jodorowsky quis simbolizar que todos os adultos são vampiros que sugam a inocência das crianças. O filme é sobre crianças perdendo a inocência, sobre a relação homem-mulher.

* Nos filmes de Jodorowsky se vê bastante (principalmente “Fando Y Lis” e “Holy Mountain”) pessoas alvejadas por tiros com pássaros que voam para fora destes ferimentos. Para os Egípcios a alma era um pássaro.

* Quando terminou as filmagens de “Fando Y Lis” Jodorowsky mostrou as cenas para Carlos Savage (que foi o editor de todos os filmes do Buñuel feitos no México) que o ajudou com idéias.

* “Fando Y Lis” foi filmado de forma “fora da lei”, sem permissão do sindicato mexicano. Foi dividido em 4 capítulos porque o sindicato, tomado por velhos diretores, não deixavam jovens diretores dirigir. Assim parecia quatro curtas e recebia apoio do sindicato dos curtas e podia ser exibido. Quando o filme ficou pronto um produtor o inscreveu no Festival de Acapulco e o escândalo foi tão grande que cancelaram o festival prá sempre.

* Emilio Fernandez, o maior diretor mexicano da época, que já havia matado duas pessoas, neste mesmo festival, disse: “Matarei Jodorowsky hoje à noite!”. Jodorowsky o viu na festa do festival e descobriu que ele sempre bebia uma garrafa de uísque, mandou outra garrafa de presente e quando viu que ele havia secado a primeira garrafa foi até ele e disse: “Estou aqui para você me matar!”. Emilio Fernadez gargalhou e disse que ele havia dado uísque e que estava tudo bem. No dia seguinte Emilio Fernandez declarou num jornal que queria ser assistente do Jodorowsky no próximo filme dele. Quando Jodorowsky filmou “Santa Sangre”, em 1989, precisou de uma casa estranha e alugou da filha de Emilio Fernadez a casa dele para filmar.

* Depois que finalizou “Fando Y Lis” ninguém queria saber do filme e não foi exibido por um ano.

El Topo:

* Primeiro Jodorowsky escreveu o roteiro de “El Topo”, aí mudou o roteiro ao encontrar as locações. Depois que encontrou os atores fez novas mudanças. Assumiu a personagem “El Topo” porque nenhum outro ator mexicano aceitou.

* Como não tinha dinheiro prá fazer os figurinos, Jodorowsky alugou trajes de uma ópera e o físico dos atores que determinava quem usava o que.

* Os atores só tem diálogos nos filmes dele quando não pode mostrar algo visualmente.

* “El Topo” começa quase biográfico. Quando Brontis (filho de Jodorowsky) desce do cavalo para enterrar o urso de pelúcia, era seu próprio urso de pelúcia. O retrato da mulher sobre a cova era a mãe de Brontis, ex-mulher de Jodorowsky. Fazia sete anos que Jodorowsky não via Brontis e no dia daquelas filmagens era o aniversário moleque.

* “El Topo” é um Deus vingativo, para cria-lo buscou inspiração em Zorro, Elvis Presley e nos rabinos. Também se inspirou em Moisés já que quando “El Topo” está no deserto faz os mesmos milagres.

* Os animais que ele usa no começo do filme eram animais doentes que ele comprou num abatedouro.

* O massacre da cena inicial ele filmou num local que não havia água, Jodorowsky levou mais de 5 mil litros prá fazer sangue. Nessa cena ele deixou os figurantes deitados no sol por mais de 4 horas, depois teve que leva-los pro hospital por causa da insolação. Ninguém reclamava porque ele se vestia de negro e agia como um Deus perverso e todos no set tinham medo dele (queria ver Jodorowsky e Klaus Kinski no mesmo set).

* Os coelhos foram levados prá filmar no deserto mas começaram a morrer de calor, se você prestar atenção vai ver os coelhos agonizando de calor durante o decorrer da cena onde eles aparecem.

* O técnico de som nos filmes de Jodorowsky sempre é o Gavira, que usava seu corpo e uma mala cheia de lixo prá criar os efeitos sonoros. Ganhou um Oscar depois ao fazer os efeitos sonoros do “O Exorcista”.

* Em todos seus filmes Jodorowsky dubla os atores.

* O diretor Alfonso Arau (que depois ficou famoso ao dirigir o filme “Como Água Para Chocolate”), aparece no filme como um dos pistoleiros que “El Topo” mata logo no começo do filme.

* Em “El Topo” há bandidos malvadões homosexuais (que dançam com os padres numa cena belíssima) e os xerifes homosexuais na cidade (cenas no vilarejo, perto do fim do filme), foi um choque na época.  Inclusive os padres são feitos por garotos loiros (muito difíceis de se achar no México) que Jodorowsky mandou seu assistente gay achar.

* O primeiro mestre, que é um carrasco (mas quando está sem os símbolos do poder é uma quase uma criança) inspirado em Pinochet.

* Jodorowsky explica que no filme os bandidos se redimem, o mocinho se torna mal. Não há distinção clara entre o bem e o mal, isso é uma doença americana. Ninguém é mal completo. Ninguém é bom por completo. Ninguém é mau por completo. Jodorowsky acha que se existe mal no mundo todos são culpados por este mal.

* Os dois meio-homens que fazem o Double-pistoleiro completo, se odiavam, mas funcionavam bem na tela formando o John Wayne jodorowskiano.

* Com o “El Topo” ele teve problemas com o sindicato novamente. Mas não respeitava o sindicato e filmava sem permissão. Em “El Topo” todas as cenas do deserto foram filmadas com 8 técnicos em 4 semanas.  Depois veio o sindicato que contratou 100 pessoas que passavam o dia inteiro comendo e se embriagando.

* Geralmente filmava tudo em uma ou duas tomadas (raramente 3) porque não havia tempo nem dinheiro. E as atuações eram realizadas quase em transe.

* Ao filmar “El Topo” ele queria expressar o que estava aprendendo com a meditação Zen, se sentia quase um santo. Mas ao mesmo tempo queria triunfar como artista. Depois se afastou deste sentimento e ficou anos sem gostar do filme.

* Na cena final Jodorowsky queima um esqueleto humano de verdade para ter maior realismo.

* Nesta época Jodorowsky acreditava que o cinema era uma arte. Era uma busca por um cinema sagrado (por isso o uso de tudo que é símbolo religioso).

* “El Topo” custou 400 mil dólares. Para diminuir despesas encontraram uma cidade cinematográfica que fora usada numa produção americana. Teve que se apressar e filmar todas as cenas finais na cidade porque estavam colocando uma rede de alta tensão e o set ficava no meio. Subornavam os trabalhadores da rede de alta tensão para atrasarem o trabalho e assim a produção do filme ganhar mais tempo.

* Todo orçamento do filme era em cheques, quando acabaram as filmagens tinham uma dívida de 400 mil dólares e um filme que não era entendido pelos mexicanos e não tinha distribuição internacional. Até que conseguiram vender o filme e o resto é lenda.

* “El Topo” foi o primeiro filme com estréia sem críticos convidados. O distribuidor não queria que os críticos destruíssem o filme antes do público ver.  Então foi feita a primeira exibição e se formou o que hoje é conhecido por “Sessão da Meia-Noite”. A crítica do New York Times destruiu o filme com uma crítica negativa e o público reagiu enviando cartas indignadas, tanto que o jornal acabou publicando uma página inteira elogiando o filme.

* “El Topo” foi exibido no cinema Elgin quando John Lennon e Yoko Ono estavam exibindo seus curtas do movimento Fluxus. O distribuidor do filme pediu pro John Lennon apresentar o filme e pedir que os espectadores ficassem para assisti-lo. As pessoas ficaram e “El Topo” virou filme Cult. Ficou um ano em cartaz no cinema Elgin. Jodorowsky acompanhou umas 3 sessões do filme e sempre era exibido com uma nuvem de fumaça de maconha pairando no ar.

* Depois que fez “El Topo”, o cineasta Sergio Leone o chamou para jantar, queria saber como tinha feito os movimentos de grua. Jodorowsky respondia: “Grua?… Que Grua, subi numas cadeiras!”.

The Holy Mountain:

* Em “Holy Mountain” o produtor secreto era John Lennon que deu um milhão pro Jodorowsky fazer o filme através da gravadora Apple.

* Allen Klein apresentou os Beatles para Jodorowsky. George Harrison ficou encantado com o roteiro e queria fazer o filme, com exceção da cena onde o ladrão estava nu e o alquimista lava seu ânus. Jodorowsky achava que precisava  mostrá-lo porque “Holy Mountain” não era apenas um filme, mas sim um filme que mudaria a vida das pessoas e fazendo a cena George Harrison estaria dando um grande exemplo ao deixar o ego para trás. Harrison argumentou que não podia mostrar seu ânus num filme e Jodorowsky, cabeçudo como todos os bons surrealistas, não removeu a cena. Deu o papel do ladrão à um cômico e perdeu milhões de dólares de bilheteria por não usar George Harrison no filme.

* “Holy Mountain” é a tentativa de se fazer um filme sagrado. Jodorowsky, nesta época, almejava mudar a humanidade com seus filmes. Achava que o cinema deveria ser melhor e mais poderoso que o LSD, que seu cinema iria ser uma fonte de iluminação para o público.

* Para entender o “Holy Mountain” é interessante estudar as cartas do Tarô e também a Cabala porque são usados vários elementos dela. Por exemplo, a personagem principal de “Holy Mountain”, o ladrão cristão, é o louco do Tarô.

* Para a cena da conquista da América espanhola interpretada pelo Gran Circo de Sapos e Camaleões, Jodorowsky conta  que foi muito difícil vestir os sapos, sua urina era como ácido. Quando colocavam as armaduras os sapos se enchiam de ar e depois o soltava para escapar. Os camaleões vestem trajes astecas e os símbolos ali são todos astecas.

* Nesta época ele queria trabalhar apenas com pessoas comuns/reais. Pensava: “Vou filmar com pessoas comuns e ilumina-las!”.

* Quando filmou a cena dos soldados dançando com os civis (que são a mesma coisa: um soldado é um civil de uniforme, um civil é um soldado sem uniforme), apareceu um cara ensandecido e colocou uma arma no peito dele e disse: “Pare de filmar ou te mato!”. Jodorowsky ficou louco e começou a gritar: “Se me matar, eu te mato!”. E o cara foi embora.

* No México foi o lugar onde Jodorowsky mais foi ameaçado. Durante as filmagens de “The Holy Mountain” a igreja publicou um livro contra ele, o ministro do interior pediu prá ele não colocar uniformes no filme, nem padres, nem militares, nem bombeiros. Nada. Foi quase uma ameaça de morte. No dia seguinte Jodorowsky juntou todo seu material, família e equipe e foi prá New York terminar o filme lá.

* No filme as cartas de Tarô usadas foram inventadas por ele.

* A trilha sonora foi criada por Jodorowsky e Don Cherry, um músico de vanguarda que se vestia com um terno feito de retalhos, tocava um trompete quebrado e tudo que usava em sua casa era recolhido do lixo.

* Como não havia dinheiro, os cenários grandiosos do filme são fábricas transformadas em lugares surrealistas.

* Jodorowsky vivia repetindo: “O artista deve ser um curandeiro!”.

* Quando filmou nas montanhas, os xamãs que aparecem no filme não são atores, são xamãs verdadeiros que vivem nas montanhas e que ele deixou improvisar no filme.

* Quando começaram a escalar a montanha, Jodorowsky decidiu que precisavam mesmo escalar a montanha. Mas ficavam exaustos por causa da altitude.

* Ele não planejou terminar o filme do jeito que termina. A idéia inicial era que iriam flutuar no ar e se tornariam imortais. Mas devido as dificuldades de se filmar na montanha, decidiu que o fim do filme seria no mundo real. “Somos mortais e o cinema é uma ilusão!”. Esse final causou muita polêmica e deixou muitas pessoas zangadas. “Chega de símbolos!”, é a mensagem final (essa explicação é do próprio Jodorowsky, não é minha).

* Um dos produtores de “The Holy Mountain” fugiu com 300 mil dólares e nunca mais apareceu.

* Quando o filme foi prá Cannes o presidente do festival pediu pro filme ser inscrito em nome de um país. Mas o México se recusou a reconhecer a fita.

* Depois do sucesso de “The Holy Mountain” Allen Klein queria que Jodorowsky dirigisse “A História de O”, só que Jodorowsky se recusou a fazer e entrou no Projeto de “Duna”.Por isso,  Allen Klein parou de exibir “El Topo” e “The Holy Mountain”. Os filmes sobreviveram pela pirataria. 30 anos depois fizeram as pazes e os filmes foram liberados em DVD com cópias decentes.

Última:

* Jodorowsky afirma que a grande enfermidade do cinema hoje são os atores. A segunda os distribuidores, os donos das salas. Se conseguir fazer um novo filme quer tirar esse filme dos cinemas e exibir ele nos muros das cidades, em museus, em festivais. Um filme livre que pague seus custos e seja exibido em todos os lugares

Trailers (ou não) dos longa-metragens de Jodorowsky: