2592 Posters de Horror & Sci-Fi para Download

Alguns meses atrás o poster da primeira sessão de cinema da história foi leiloado em Londres por 40 mil libras (mais ou menos 200 mil reais). Este primeiro poster (reprodução abaixo) foi desenhado por Henri Brispot para uma exibição especial dos primeiros curtas dos irmãos Lumière, em dezembro de 1895.

Originalmente criados para uso exclusivo dos cinemas, não demorou muito para que os posters logo virassem item de colecionadores, principalmente artes criadas para filmes exploitations, sempre com cartazes muito mais criativos do que os próprios filmes, e, também, as artes produzidas para a divulgação de produções de horror e ficção científica. Inclusive, o preço record já pago por um único cartaz pertence à sci-fi Metropolis (1926), de Fritz Lang, negociado por 690 mil dólares.

Inicialmente os posters eram feitos no tamanho dos cartazes usados para a divulgação dos shows de Vaudeville. Quem definiu o tamanho padrão foi Thomas Edison, com as medidas de 27″x41″, em folha única fixada nas fachadas e paredes dos cinemas.

Para comemorar os posters de cinema, upei um arquivo com 2.592 cartazes de cinema nos gêneros horror e Sci-Fi, a maioria com artes belíssimas e dignas de serem festejadas como pequenas obras-primas da criatividade humana.

Para fazer o download, clique em BAIXAR POSTERS.

Abaixo alguns posters que integram o arquivo disponibilizado para download:

 

 

Canibuk Apresenta: A Arte de Leyla Buk

Hoje é o dia internacional da Mulher e a série do Canibuk não podia deixar de apresentar a arte de uma das mulheres mais fortes, criativas e completas que já tive o prazer de conhecer.

Acompanho o trabalho de Leyla Buk faz, pelo menos, uma década, e cada nova fase dela me surpreendo com a franca evolução de seus trabalhos. Leyla é inquieta, está sempre na ânsia pela busca de se superar.

Autorretrato, 2018 (inédito).

Leyla, nascida em Recife/PE, é artista autodidata e desde a infância já se interessava por desenhos e pintura. Há pelo menos 9 anos trabalha em tempo integral, de modo profissional, com sua arte, experimentando vários meios, estilos e técnicas. É uma artista curiosa e dona de uma arte fenomenal, seja como desenhista, pintora ou escultora, fazendo um Monku, ou uma Buky, personagens que criou para explorar essa técnica – o que não a impede de aceitar encomendas com seu personagem preferido. Suas esculturas já estão em inúmeros países da América – USA e Canadá – e Europa – Finlândia, Inglaterra, Suécia e outros.

Já realizou exposições por vários estados do Brasil. Também foi capista da Editora Estronho e realizou cartazes para filmes, estando sempre aberta às mais variadas encomendas.

Agora Leyla se prepara para uma importante exposição coletiva em Porto Alegre que irá acontecer no mês de Maio próximo, ao lado de importantes artistas brasileiros. Em breve divulgarei aqui essa exposição e em maio estarei lá fazendo a cobertura. Adianto que é imperdível e tem a ver com o FantasPoa 2018.

Leyla Buk

Segue a entrevista que realizei com Leyla para o Canibuk.

Petter Baiestorf: Gostaria que você contasse como começou seu interesse pela arte e, também, sobre seus primeiros trabalhos.

Leyla Buk: Me interesso por arte desde que me entendo por gente. Minhas memórias mais fortes da infância são aquelas que envolvem algum tipo de arte, em casa ou no colégio. Não lembro muito dos meus primeiro trabalhos, mas eu desenhava o tempo todo. Eu fui uma criança estranha e que não se encaixava muito nas coisas. Desenhar me libertava. A arte pra mim é e sempre foi uma necessidade, uma busca por respostas, por algum tipo de salvação. E me salva. Sempre me salvou.

Buky

Baiestorf: Sua arte sofre influências de quais artistas e escolas estéticas. Fale o que te atraí neles, se quiser falar sobre os porquês seria muito interessante.

Leyla: A lista de influência é grande, de varias escolas, varias épocas e lugares, por varias razões. Eu bebo de muitas fontes, de renascentistas à artistas pop do “momento”, todos têm uma importância e fazem ou fizeram parte de algum momento meu. Eu gosto muito dos expressionistas do começo do século XX, quanto movimento, quanto proposta, quanto resposta. Artistas como Schiele sempre me influenciaram demais, pela coragem, pelo sentimento, pela angústia, pelo peso psicológico, pelo estilo. Sempre tive na arte um lugar onde posso buscar respostas e exorcizar meus demônios. Um lugar onde me encaixo e posso ser livre. Por isso me identifico muito com artistas assim. Picasso é um cara que tem uma importância enorme pra mim, porque com ele eu aprendi que não tem problema mudar, não tem problema ter muitas fases, não tem problema ser livre nesse sentido. Que meu compromisso maior é com o que sinto e com minha verdade. E eu tenho muitas fases, quem me acompanha sabe. Talvez um dia alguém vai nomear cada uma delas como fizeram com ele? “Essa é a fase preta”, “essa é a fase ocre”, “essa é a fase niilista” e arrumar justificativas pra cada uma (risos). Apenas deixem ser. Mas pra falar mais alguns nomes cito caras como da Vinci, Rembrandt, Caravaggio, Hans Memling, Bosch, Botticelli, Klimt, Van Gogh, Modigliani, Rothko. Muitos outros. Sempre da medo de esquecer alguém muito importante. E sei que esqueci. O mundo a minha volta, as pessoas com as quais eu convivo e sempre me ensinam algo, família, amigos próximos, quem eu amo e qualquer pessoa que faça o que gosta com vontade e paixão me inspira. Pode ser o maior artista vivo ou o tiozinho da esquina que vende pipoca. Gentileza, empolgação e sonhos me motivam. Inocência idem. Cinema, literatura e música também têm forte influência sobre meu trabalho, desenhos, pinturas, esculturas… Estão presentes em absolutamente tudo. Mas eu vou parar por aqui senão não vai acabar nunca essa resposta.

Stillness, 2018

Baiestorf: Com sua arte você está aberta a todo tipo de trabalho ou gostaria de se especializar somente em uma área? Porque?

Leyla: Assim, dentro da minha área eu estou aberta a tudo, porém cada coisa no seu tempo. Eu me interesso por muitas coisas, mas eu não me vejo fazendo varias coisas de áreas diferentes, eu jamais conseguiria fazer bem todas elas. Eu sou intensa demais no que eu faço então eu gasto toda energia naquilo, não conseguiria fazer isso com varias coisas. Algo sairia mal feito ou não teria a mesma atenção e cuidado que merece e eu iria sucumbir também, certamente (risos).

Baiestorf: Conte sobre suas exposições e como produtores poderiam levá-la para suas cidades/estados.

Leyla: Acho que minha primeira exposição foi em 2010, em Maceió. Num bar que reuniu vários artistas undergrounds de vários estilos. Na época eu estava forte na fase erótica e tinha acabado de começar a pintar (olha eu já definindo minhas fases tipo Picasso – risos). Depois expus em outros lugares também, todas exposições coletivas. Todas importantes, mas lembro com muito amor da exposição na Mondo Estronho que aconteceu em 2015 em Curitiba, onde expus umas 20 peças inspiradas no cinema de horror das décadas de 20 a 50, filmes que tem grande influência na minha vida e na minha arte. Depois, em 2016, expus em alguns eventos em Porto Alegre também. Se alguém tiver interesse em promover alguma exposição com meus trabalhos pode entrar em contato comigo pelo e-mail bukleyla@gmail.com e podemos acertar todos os detalhes.

Edgar Allan Poe, 2017

Baiestorf: Como é realizar trabalhos artísticos aqui no Brasil? Há reconhecimento? Oportunidades?

Leyla: Eu me sinto privilegiada por poder trabalhar com o que eu amo em tempo integral e me dedicar apenas a isso, isso pra mim já vale por qualquer reconhecimento, fama, o que for, porque eu sei que essa não é a realidade da maioria. Eu já trabalho nisso ha algum tempo e estou incansavelmente fazendo alguma coisa. A gente tem que abraçar qualquer oportunidade que apareça. A divulgação é nossa maior amiga nisso tudo e a internet oferece muitos meios pra isso. Eu tento aproveitar cada um deles.

Baiestorf: Você está com trabalhos em finalização? Poderia falar sobre eles e como o público poderá acompanhá-los?

Leyla: Eu sempre estou com trabalhos em andamento. No momento, estou trabalhando em algumas ilustrações novas e finalizando dolls de algumas encomendas. Quem quiser obter informações ou fazer pedidos (eu aceito encomendas das BukDolls, dos Monkus, das Bukys, de pinturas e de ilustrações também) pode entrar em contato através do e-mail bukleyla@gmail.com ou pelas minhas redes sociais no Instagram @leylabuk e Facebook @LeylaBukArt.

Mary Shaw (Dead Silence), 2018

Baiestorf: E seus projetos? É possível sabermos um pouquinho deles?

Leyla: Entre os outros trampos em andamento estou trabalhando também numas peças pra uma exposição que vai acontecer em maio. Darei mais detalhes em breve.

Baiestorf: Geralmente a arte no Brasil é produzida de forma independente e é difícil conseguir se manter. O que você gostaria de observar sobre isso.

Leyla: A gente tem que aprender a lidar com os altos e baixos disso tudo. Pesa mais pra gente quando pesa pra todo mundo. Mas o amor pelo o que faço é o que me move. Eu realmente não sei se saberia fazer outra coisa da minha vida! Então fica tudo muito pequeno quando penso no prazer que é poder fazer o que faço.

Baiestorf: O espaço é seu para as considerações finais:

Leyla: Obrigada, Petter, pelo espaço e pelo apoio sempre! Isso é muito importante quando a gente faz tudo por conta própria e não tem patrono, não tem arte em grandes galerias ou não morreu ainda pra que a obra, quem sabe, passe a valer alguma coisa. Valorizem os artistas enquanto vivos! Consumam sua arte! Divulguem! Apreciem! A arte salva.

Monkus, 2016

Contatos de Leyla Buk:

Email:  bukleyla@gmail.com

Instagram: @leylabuk

Instagram: @_monku_

Facebook: @LeylaBukArt

Artes de Leyla Buk:

 

Cat, 2018

Pennywise – It, 2018

Vampira e Bride of Frankenstein, 2017

Mina (Bram Stoker’s Dracula), 2017

Vanessa Ives – Possession, 2017

Edward Scissorhands Black and White, 2017

Vampira, 2016

Nos Domínios do Amor Perverso

“Twice-Told Tales” (“Nos Domínios do Terror”, 1963, 120 min.) de Sidney Salkow. Com: Vincent Price, Joyce Taylor, Sebastian Cabot e Beverly Garland.

Este filme deveria se chamar “Nos Domínios do Amor Perverso”. Com três histórias baseadas em contos do escritor Nathaniel Hawthorne, “Twice-Told Tales” é um filme em episódios que explora o sadismo do amor relacionando-o ao macabro e a ciência. Roteirizado e produzido por Robert E. Kent, somos introduzidos no universo amoroso-tétrico de Hawthorne. No primeiro segmento, intitulado “A Experiência do Dr. Heidigger”, somos apresentados a dois amigos idosos que estão bebendo e relembrando o passado enquanto uma pesada tempestade castiga a noite. Ao fim da tempestade eles percebem que a tumba onde está enterrada Sylvia há 30 anos está aberta e resolvem ir lá ver se a tempestade não causou danos. Assim os dois velhos amigos descobrem que a morta está perfeitamente conservada no caixão e o ex-noivo, agora um renomado médico, desconfia que a água que pinga sobre o cadáver seja o responsável pela conservação do corpo. Após rápidos testes, onde a dupla reanima uma rosa seca, ambos bebem o precioso líquido coletado na tumba e voltam a ser jovens. Animados com o líquido milagroso, injetam no corpo da defunta que volta a vida revelando detalhes sórdidos, macabros e sujos de um triângulo amoroso mortal.

No segundo segmento, “A Filha de Rappaccini”, um pai mantém sua filha prisioneira em seu jardim, até o dia em que um jovem vizinho da casa ao lado se apaixona pela moça e descobre que ela foi vítima de experimentos de seu pai, um renomado cientista que no passado foi traído pela esposa libidinosa, e que transformou sua bela filha numa criatura radioativa que não pode encostar em nada vivo sem matá-lo horrivelmente queimado. Perdidamente apaixonado pela mortal beldade o vizinho tenta de tudo para salvar sua amada da loucura paterna (seu pai fez o que fez para evitar que a filha seguisse os passos pecadores da mãe). Ludibriado pelo cientista o jovem apaixonado é transformado em uma criatura radioativa tal como sua amada (assim nenhum dos jovens poderia trair o parceiro com relacionamentos extra-casamento) e um final explosivo, nos moldes de “Romeu e Julieta” só que mais atômico, acontece na melhor história do longa.

O terceiro segmento, e mais fracos, é “A Casa dos Sete Telhados”, sobre um picareta que volta à casa assombrada de sua família em busca de um cofre maldito que teria o dinheiro necessário para ele pagar suas dívidas de jogo. Sua esposa, que nada sabe, parece ser a resposta para a assombração que persegue aquela maldita casa à gerações. Aos poucos o expectador fica sabendo detalhes da história de amor por traz da maldição da casa dos sete telhados e de como a família do viciado em jogos conseguiu ficar com a casa (através de denúncias de bruxaria, onde o patriarca da família teria “roubado” a propriedade, traçando paralelos com a vida pessoal do escritor Hawthorne). Não sou chegado em historinhas espíritas de fantasminhas, talvez por isso eu não tenha curtido tanto este episódio final.

Vincent Price faz o papel principal (e a narração) em todos os episódios e nos lega interpretações fantásticas, se revelando em grande forma. Filmado no início dos anos de 1960, “Twice-Told Tales” tem aquele climão gótico dos filmes que Roger Corman fez baseado em contos de Edgar Allan Poe para a AIP, e assim como todos estes filmes de Corman, “Twice-Told Tales” faz excelente uso dos cenários belíssimos que são explorados de maneira bem criativa (cada episódio se passa num único cenário), aliados aos efeitos especiais, atuações, roteiro e figurinos que funcionam de modo colaborativo para que o filme seja uma grande diversão macabra do mais alto nível. O título de trabalho do filme foi “The Corpse Makers”, depois alterado para “Twice-Told Tales”, título de um livro coletânea de contos de Hawthorne (que trazia em suas páginas apenas o conto “A Experiência do Dr. Heidigger”). Nos USA o filme foi lançado em um DVD double feature com o clássico “Tales of Terror” (1962) de Roger Corman, verdadeiro objeto de orgasmo aos fãs fanáticos de Vincent Price.

Nathaniel Hawthorne (1804-1864) foi um romancista/contista descendente de John Hathorne (sem o “w”), único juiz envolvido nos julgamentos das bruxas de Salem que nunca se arrependeu de suas ações. Bom material para o escritor Hawthorne, que acrescentou o “w” em seu nome a fim de ocultar essa relação. Seu livro mais famoso, “The Scarlet Letter/A Letra Escarlate” foi publicado em 1850 depois de alguns livros que não fizeram sucesso. “A Letra Escarlate” foi um dos primeiros livros produzidos em massa nos USA e, nos primeiros dez dias após o lançamento, vendeu mais de 2500 cópias. O sucesso deu estabilidade à carreira de escritor e Hawthorne pode se dedicar a literatura, lançando na seqüência os livros “The House of the Seven Gables/A Casa dos Sete Telhados” (1851), que serviu de inspiração para o terceiro segmento de “Twice-Told Tales”, e “The Blithedale Romance” (1852), além de livros coletâneas de contos. No início da Guerra Civil Americana conheceu Abraham Lincoln e usou essas experiências políticas para compor o ensaio “Principalmente Sobre Assuntos da Guerra”, publicado em 1862. “Twice-Told Tales”, que empresta seu nome para este filme, foi lançado em 1837. Hawthorne faleceu enquanto dormia em 1864.

O diretor Sidney Salkow (1909-1998) dirigiu mais de 70 filmes e era pau prá toda obra, bem ao estilo dos diretores clássicos de Hollywood. Durante a Segunda Guerra Mundial Salkow chegou ao posto de major na marinha americana e assim que deu baixa do exército voltou a trabalhar como diretor, alternando filmes B com séries de TV. Seu primeiro filme foi o suspense “Four Days’ Wonder” (1936), seguido de vários outros filmes sem grande importância. Em 1952 chamou atenção com sua direção no filme “The Golden Hawk”, aventura estrelada por Sterling Hayden, e em 1954 dirigiu o ótimo western “Sitting Bull/Touro Sentado”. Depois de trabalhar em muitas séries de TV (coisas como “Lassie”, “Maverick” e “77 Sunset Strip”), foi contratado para dirigir “Twice-Told Tales”, um de seus melhores trabalhos. Ficou amigo de Vincent Price e o co-dirigiu novamente, em parceria com Ubaldo Ragona, no clássico “The Last Man on Earth/Mortos que Andam” (1964), com base no livro “I Am Legend” de Richard Matheson (embora o nome de Sidney Salkow não apareça creditado nas versões em italiano do filme). Depois destes dois grandes filmes do cinema fantástico Salkow realizou mais alguns westerns e se aposentou com apenas 59 anos e passou a viver de cursos de cinema que ministrava em faculdades da California.

O produtor e roteirista Robert E. Kent começou trabalhando para o lendário Sam Katzman na Columbia Pictures, até que formou, em parceria com Audie Murphy, a Admiral Productions e passou a produzir seus próprios filmes. Kent produziu alguns clássicos do horror e sci-fi como “It! The Terror from Beyonf Space” (1958), que mostrava uma expedição a Marte que era atacada por uma estranha forma de vida; “Curse of The Faceless Man” (1958), sobre uma curiosa maldição de um monstro de pedra; “Invisible Invaders” (1959), sobre aliens reanimando mortos humanos; “Beauty and the Beast” (1962), inspirado em “A Bela e a Fera”, este quatro filmes dirigidos por Edward L. Cahn, verdadeiro especialista em criar bons filmes de baixo orçamento; “Jack the Giant Killer/Jack – O Matador de Gigantes” (1962) de Nathan Juran, fantasia envolvendo dragões e princesas; “Diary of a Madman” (1963) de Reginald Le Borg, horror inspirado em história de Guy de Maupassant e estrelado por Vincent Price. Seu último filme foi “The Christine Jorgensen Story” (1970) de Irving Rapper, drama que contava a história de troca de sexo de Jorgensen (para quem não lembra, Christine Jorgensen foi a inspiração para Ed Wood escrever, produzir, dirigir e atuar em “Glen or Glenda?“).

“Twice-Told Tales” foi lançado em DVD no Brasil com o título “Nos Domínios do Terror” pela distribuidora Flashstar, a qualidade de imagem está ótima.

por Petter Baiestorf.

Veja “Twice-Told Tales” aqui:

Terror Negro: O Gato Preto

“Terror Negro” foi uma revista em quadrinhos que trazia trabalhos de horror ao mercado brasileiro dos anos de 1980. Foi editada pela Editorial Cunha Ltda. e não encontrei informações relevantes sobre a história da revista, mas mesmo assim resolvi scannear a versão em quadrinhos de “O Gato Preto”, baseado em texto de Edgar Allan Poe, que saiu neste primeiro número. Também digitalizei a HQ de uma página “A Profecia de Morte”.

O Corvo

Foi uma vez: eu refletia, à meia-noite êrma e sombria,

a ler doutrinas de outro tempo em curiosíssimos manuais,

e, exausto, quase adormecido, ouvi de súbito um ruído,

tal qual se houvesse alguém batido à minha porta, devagar.

“É alguém” – fiquei a murmurar – “que bate à porta, devagar;

sim, é só isso e nada mais.”

.

Ah! Claramente eu o relembro! Era no gélido dezembro

e o fogo, agônico, animava o chão de sombras fantasmais.

Ansiando ver a noite finda, em vão, a ler, buscava ainda

algum remédio à amarga, infinda, atroz saudade de Lenora

– essa, mais bela do que a aurora, a quem nos céus chamam Lenora

e nome aqui já não tem mais.

.

A sêda rubra da cortina arfava em lúgubre surdina,

arrepiando-me e evocando ignotos medos sepulcrais.

De susto, em pávida arritmia, o coração veloz batia

e a sossegá-lo eu repetia: “É um visitante e pede abrigo.

Chegando tarde, algum amigo está a bater e pede abrigo.

É apenas isso e nada mais.”

.

Ergui-me após e, calmo enfim, sem hesitar, falei assim:

“Perdoai, senhora, ou meu senhor, se há muito aí fora me esperais;

mas é que estava adormecido e foi tão débil o batido,

que eu mal podia ter ouvido alguém chamar à minha porta,

assim de leve, em hora morta.” Escancarei então a porta:

– escuridão, e nada mais.

.

Sondei a noite êrma e tranqüila, olhei-a fundo, a perquiri-la,

sonhando sonhos que ninguém, ninguém ousou sonhar iguais.

Estarrecido de ânsia e medo, ante o negror imoto e quêdo,

só um nome ouvi (quase em segredo eu o dizia) e foi: “Lenora!”

E o eco, em voz evocadora, o repetiu também: “Lenora!”

Depois, silêncio e nada mais.

.

Com a alma em febre, eu novamente entrei no quarto e, de repente,

mais forte, o ruído recomeça e repercute nos vitrais.

“É na janela” – penso então. “Por que agitar-me de aflição?

Conserva a calma, coração! É na janela, onde, agourento,

o vento sopra. É só do vento esse rumor surdo e agourento.

É o vento só e nada mais”.

.

Abro a janela e eis que, em tumulto, a esvoaçar, penetra um vulto:

– é um Corvo hierático e soberbo, egresso de eras ancestrais.

Como um fidalgo passa, augusto e, sem notar sequer meu susto,

adeja e pousa sobre o busto – uma escultura de Minerva,

bem sobre a porta; e se conserva ali, no busto de Minerva,

empoleirado e nada mais.

.

Ao ver da ave austera e escura a soleníssima figura,

desperta em mim um leve riso, a distrair-me de meus ais.

“Sem crista embora, ó Corvo antigo e singular” – então lhe digo –

“não tens pavor. Fala comigo, alma da noite, espectro tôrvo,

qual é teu nome, ó nobre Corvo, o nome teu no inferno tôrvo!”

E o corvo disse: “Nunca mais”.

.

Maravilhou-me que falasse uma ave rude dessa classe,

misteriosa esfinge negra, a retorquir-me em termos tais;

pois nunca soube de vivente algum, outrora ou rio presente

que igual surpresa experimente: a de encontrar, em sua porta,

uma ave (ou fera, pouco importa, empoleirada em sua porta

e que se chama: “Nunca mais”.

.

Diversa coisa não dizia, ali pousada, a ave sombria,

com a alma inteira a se espelhar naquelas sílabas fatais.

Murmuro, então, vendo-a serena e sem mover uma só pena,

enquanto a mágoa me envenena: “Amigos… sempre vão-se embora.

Como a esperança, ao vir a aurora, ele também há de ir-se embora.”

E disse o Corvo: “Nunca mais”.

.

Vara o silêncio, com tal nexo, essa resposta que, perplexo,

julgo: “É só isso o que ele diz; duas palavras sempre iguais.

Soube-as de um dono a quem tortura uma implacável desventura

e a quem, repleto de amargura, apenas resta um ritornelo

de seu cantar; do morto anelo, um epitáfio: – o ritornelo

de “Nunca, nunca, nunca mais”.

.

Como ainda o Corvo me mudasse em um sorriso a triste face,

girei então numa poltrona, em frente ao busto, à ave, aos umbrais

e, mergulhando no coxim, pus-me a inquirir (pois, para mim,

visava a algum secreto fim) que pretendia o antigo Corvo,

com que intenções, horrendo, tôrvo, esse ominoso e antigo Corvo

grasnava sempre: “Nunca mais”.

.

Sentindo da ave, incandescente, o olhar queimar-me fixamente,

eu me abismava, absorto e mudo, em deduções conjeturais.

Cismava, a fronte reclinada, a descansar, sobre a almofada

dessa poltrona aveludada em que a luz cai suavemente,

dessa poltrona em que Ela, ausente, à luz que cai suavemente,

já não repousa, ah! nunca mais…

.

O ar pareceu-me então mais denso e perfumado, qual se incenso

ali descessem a esparzir turibulários celestiais.

“Misero!” – exclamo – “Enfim teu Deus te dá, mandando os anjos seus

esquecimento, lá dos céus, para as saudades de Lenora.

Sorve o nepentes. Sorve-o, agora! Esquece, olvida essa Lenora!”

E o Corvo disse: “Nunca mais”.

.

“Profeta!” – brado. “O’ ser do mal! Profeta sempre, ave infernal,

que o Tentador lançou do abismo, ou que arrojaram temporais,

de algum naufrágio, a esta maldita e estéril terra, a esta precita

mansão de horror, que o horror habita, – imploro, dize-mo, em verdade:

Existe um bálsamo em Galaad? Imploro! dize-mo, em verdade!”

E o Corvo disse: “Nunca mais”.

.

“Profeta!” – exclamo. “O’ ser do mal! Profeta sempre, ave infernal!

Pelo alto céu, por esse Deus que adoram todos os mortais,

fala se esta alma sob aguante atroz da dor, no Êden distante,

verá a deusa fulgurante a quem nos céus chamam Lenora,

– essa, mais bela do que a aurora, a quem nos céus chamam Lenora!”

E o corvo disse: “Nunca mais!”

.

“Seja isso a nossa despedida!” – ergo-me e grito, alma incendiada.

“Volta de novo à tempestade, aos negros antros infernais!

Nem leve pluma de ti reste aqui, que tal mentira ateste!

Deixa-me só neste êrmo agreste!” Alça teu vôo dessa porta!

Retira a garra que me corta o peito e vai-te dessa porta!

E o Corvo disse: “Nunca mais!”

.

E lá ficou! Hirto, sombrio, ainda hoje o vejo, horas a fio,

sobre o alvo busto de Minerva, inerte, sempre em meus umbrais.

No seu olhar medonho e enorme o anjo do mal, em sonhos, dorme,

e a luz da lâmpada, disforme, atira ao chão a sua sombra.

Nela, que ondula sobre a alfombra, está minha alma; e, presa à sombra,

não há de erguer-se, ai! nunca mais!.

poesia de Edgar Allan Poe.

ilustrações de Prassinos.

tradução de Oscar Mendes e Milton Amado.

Bicho Papão

“Bicho Papão” (2012, 5 min.) de Luciano Irrthum. Animação em stop motion.

O desenhista Luciano Irrthum parece estar se especializando em produções em stop motion, sua possibilidade real de trabalhar sozinho sem ter dores de cabeça com outras pessoas, como nos disse via e-mail: “Mexer com gente dá muita mão de obra. Falham nas filmagens, tem ressaca, não fazem algumas cenas, etc. Com bonecos eu acho melhor!”. Luciano Irrthum se tornou um dos mais cultuados desenhistas surgidos nos fanzines dos anos de 1990, lançou vários álbuns de quadrinhos geniais como a quadrinização do poema “O Corvo” de Edgar Allan Poe que saiu pela editora Peirópolis (não confundir com as duas outras versões quadrinizadas por ele nos anos 90 e editadas por mim em edições independentes que você pode conferir clicando em “O Corvo – Primeira versão” e “O Corvo – Segunda Versão“), começou a pintar quadros visualmente criativos/encantadores e, ainda, iniciou a produção de suas divertidas animações em stop motion como o hilário, e já clássico, “O Mingaú da Vovó“.

Paralelo aos seus trabalhos como desenhista (no momento Irrthum está ilustrando o livro “Baratão 66”, novo trabalho do ótimo escritor Bruno Azevedo, autor de “O Monstro Souza“), continua produzindo animações em stop motion, como seu novo curta “Bicho Papão” (não confundir com “Papão” de Edgar S. Franco) e finalmente finalizou um antigo projeto intitulado “Reciclados” (uma tentativa de filmar com pessoas reais), que estava parado a anos, e que você pode conferir agora no youtube:

Em “Bicho Papão” Luciano Irrthum brinca com os medos infantis ao nos contar a história que começa com um casal na sala de casa. O homem está pelado lendo jornal e sua esposa, também pelada, peida para chamar sua atenção. Quando ela ganha atenção dele, demonstra estar tarada, querendo sexo animalesco, e se agacha perto do pênis do marido para dar início a um delicioso boquete. Enquanto ela chupa o homem a flor, que fica num vaso em cima da mesa, dança feliz e excitada com a cena. Logo é a vez do homem se divertir chupando a mulher com sua língua procurando lubrificar o clitóris rosinha dela que se contorce de prazer inebriante. O ato sexual do casal tarado faz a casa tremer e, no quarto ao lado, o filho que dormia profundamente acorda apavorado com a porta de seu armário batendo fantasmagoricamente. O menino começa a gritar que há um monstro no armário e seu desespero broxante atrapalha a foda. Seu pai fica emputecido e vai até o quarto do moleque medroso para mostrar o que um monstro pode fazer e sua ação detona momentos hilariantes de extremo gore explícito e bestialismo sexual envolvendo sexo proibido como nunca antes mostrado em um curta brasileiro.

Com roteiro, fotografia, animação, bonecos, cenários, edição, sonorização e direção de Luciano Irrthum, ele prova de uma vez por todas que é possível fazer um excelente filme sozinho. “Bicho Papão” é um passo adiante nas experimentações de Irrthum com a técnica de stop motion e acredito que ele já está preparado para alçar vôos mais altos e complicados, talvez com um projeto de maior duração e roteiro mais complexo. Mas, por outro lado, dado a diversão de seu “Bicho Papão” que não tem receio de ser explícito, tanto no sexo quanto no gore, talvez Irrthum nem deva tentar vôos mais altos e sim continuar realizando bons curtinhas insanos e politicamente incorretos quanto este. Espero ver este fabuloso curta-metragem em inúmeros festivais de cinema brasileiro (cinema nacional é tão comportado que iniciativas insanas como essa de Irrthum são sempre bem-vindas).

por Petter Baiestorf.

Bardot, Deneuve & Fonda – As Memórias de Roger Vadim

Eu estava de bobeira por Florianópolis no último dia do Festival de Cinema Catavídeo (novembro de 2011) e entrei num sebo de livros prá matar tempo. Mexe em livro aqui, mexe ali, acabei encontrando essas memórias do cineasta Roger Vadim que fiquei na dúvida se comprava devido a sua capa horrível (digno das piores “Sabrinas” e “Júlias”). Como sou um grande fã de seu filme “Barbarella” (1968), resolvi arriscar e comprá-lo para minha coleção de livros sobre os bastidores do cinema mundial, com aquela esperança de encontrar algumas boas histórias no livro.

Como pensei, este livro de memórias de Vadim é leitura fácil, rasteira e uma espécie de guia de “quem comeu quem” na França das décadas de 1950 e 1960.

Playboy do cinema, conquistador de beldades, fazedor de alguns poucos filmes bons, Roger Vadim traçou como filosofia de vida de que trabalharia apenas para conquistar o prazer máximo que a vida poderia lhe oferecer. Quando ainda era assistente de Marc Allégret, descobriu a bela ninfeta Brigitte Bardot (então com uns 15 anos) e a moldou como atriz, tornando-a uma lenda sexual dentro e fora da França. Acabou casando com Brigitte, com quem fez o clássico “Et Dieu… Créa la Femme/… E Deus Criou a Mulher” (1956), filme que rendeu inúmeras polêmicas quando de seu lançamento. Alguns anos depois, já separado de Bardot, conheceu Catherine Deneuve e a inspirou a virar atriz de cinema. Acabaram casando, mas a medida que Deneuve foi ficando famosa e adquirindo controle de sua vida e carreira, ela mesma tratou de se livrar de Vadim para alçar vôos mais altos (acabou realizando dois clássicos dos anos 60, “Repulsion/Repulsa ao Sexo” (1965) de Roman Polanski e “Belle de Jour/A Bela da Tarde” (1967) do mestre Luiz Buñuel). Para esquecer Deneuve, Vadim conheceu a, então, desconhecida Jane Fonda e, depois de casados (Vadim fazia questão de casar sempre), realizaram o grande clássico “Barbarella”.

Sempre freqüentando a alta classe européia, Vadim nos conta inúmeras passagens envolvendo a burguesia local da época. Nesta passagem uma reflexão dele envolvendo capitalista, comunista, católico e putas:

“Juntaram-se a nós o prefeito Mario Panazo, o padre Ênio Farzi e o marquês Simone de San Clemente. O prefeito explicou às senhoritas que numa sociedade verdadeiramente socialista elas jamais teriam que vender seus favores. O sacerdote disse a elas que o prefeito tinha razão, mas que a religião poderia substituir o dinheiro. Simone de San Clemente observou que as pessoas com dinheiro eram sempre úteis para aqueles que nada possuíam. E todos concordaram.

O prefeito continuou comunista; o padre, católico; San Clemente, marquês; e as prostitutas, prostitutas.

Tivemos um excelente desjejum.”

Sobre as filmagens de “Barbarella” ele nos conta uma história hilária:

“O bilhete, num italiano ruim e cheio de erros de ortografia, dizia assim: ‘Se você não vier à esquina da Piazza Navona com a avenida, no domingo ao meio-dia, acho que mamãe vai matar o papai. Meu nome é Stefania. Estarei lá’.

Como a maioria das pessoas famosas, eu recebia inúmeras cartas de gente maluca. Mas esse bilhete obviamente fora escrito por uma criança. Assim, fui à Piazza Navona no domingo, no horário marcado.

Um garoto puxou-me pela manga da camiseta, chamando-me de dottore Vadim. Na Itália os diretores recebem o título honorário de dottore.

– Sim?

– Fui eu quem escrevi para o senhor.

– Você é Stefania? – indaguei, surpreso.

– Não – respondeu o garoto – Mas achei que não iria se incomodar por um menino.

Só mesmo um pequeno romano teria uma idéia assim.

– Bem, então qual é o seu nome, Stefania? – perguntei, achando um pouco de graça.

– Franco.

– Muito bem, Franco. O que está querendo? Dinheiro? Quanto?

– Nunca digo ‘não’ para dinheiro. Mas o que quero mesmo é que minha mãe não mate meu pai.

– E o que eu tenho a ver com isso?

– O senhor… nada, dottore. É sua mulher… La Fonda.

(…)

O maquilador-chefe, que cobria o corpo de jane com uma base a cada manhã, adoeceu. Foi substituído por seu assistente que, certa noite num restaurante, ao exceder-se na bebida, começou a se gabar de que acariciara as nádegas, os peitos e a parte interna das coxas da divina Fonda.

Os ecos dessa história chegaram aos ouvidos da esposa do maquilador-assistente, uma calabresa cuimenta como uma tigresa. Comprou um revólver e disse à filha mais velha que pretendia transformar seu infiel marido numa peneira. Apavorada, a filha falou com o irmão, Franco, que resolveu me escrever.

Perguntei o que eu poderia fazer para ajudá-lo.

– Fale com minha mãe.

Levou-me até uma igreja em Trastevere, onde ficamos esperando pelo término da missa. Quando os fiéis saíram, ele me apresentou à sua mãe. Era uma mulher dominadora, com uma expressão intensa e severa nos olhos, e pude acreditar quando me disse que o único motivo pelo qual não matara seu marido foi que não conseguira munição para a arma. Acrescentou que, apesar do respeito devido à minha esposa, todas as atrizes eram umas vagabundas e todos os diretores emissários de Satã. Prometi a ela que, a partir de segunda-feira de manhã, seu marido seria encarregado de maquilar somente os figurantes. Com isso, ela concordou em adiar a vendetta familiar.

Não comentei o incidente com Jane porque a teria deixado preocupada. Além disso, o maquilador-chefe estava de volta ao trabalho na segunda-feira pela manhã.”

Sobre seu episódio no “Histoires Extraordinaires” (os outros episódios foram dirigidos por Federico Fellini e Louis Malle), ele conta:

“Para dirigir ‘Barbarella’ tive de adiar as filmagens de outro filme, ‘Histoires Extraordinaires’. Quando assinamos o contrato com Dino de Laurentiis sabíamos que seria preciso sair de Roma às pressas, imediatamente após a filmagem da última seqüência de ‘Barbarella’. Passamos apenas vinte e quatro horas em nossa casa em Houdan antes de partirmos para Roskoff, na Bretanha, onde a equipe de ‘Histoires Extraordinaires’ estava à nossa espera.

O filme era estruturado com um tríptico. Eram três histórias curtas de Edgar Allan Poe, transpostas para a tela por três diretores: Louis Malle, com Brigitte Bardot; Fellini, com Terence Stamp; e eu. Meus dois intérpretes principais tinham o mesmo sobrenome: Fonda. Um era Peter; o outro Jane. Era a primeira vez, e até o momento foi a única, que os dois irmãos faziam um filme juntos. Na minha opinião era um filme original e interessante. Com freqüência é exibido na televisão e nos cinemas de arte do mundo inteiro. Não pensei nisso na época, mas deve ter sido muito estranho para Jane passar, sem qualquer transição, das roupas futuristas para os vestidos medievais. Na verdade, meu episódio em ‘Histoires Extraordinaires’ era adaptado de um pequeno conto medieval chamado ‘Mezergenstein’. É também o único filme em que Jane aparece com roupas de época.

Peter era um exemplar quase perfeito da nova geração de americanos dos anos 60. Adorava rock, cantores políticos como Bob Dylan, maconha, cogumelos psicodélicos e conhecia todo o jargão hippie. Seu respeito pelo dólar e sua praticidade nos negócios harmonizavam-se com sua filosofia pacifista e uma atitude espiritual de colorido vagamente hinduísta. Peter foi o instigador e o catalisador do filme ‘Easy Rider/Sem Destino’ (1969), de grande sucesso. Trabalhou em seu set no roteiro desse filme, entre as filmagens, juntamente com Terry Southern, autor do best-seller erótico ‘Candy’ e co-autor de ‘Dr. Strangelove/Dr. Fantástico’ (1963). As noites em Roskoff, durante as filmagens de ‘Histoires Extraordinaires’, eram divertidas demais para serem desperdiçadas com trabalho.”

Outra passagem divertida é sobre Godard (um diretorzinho francês que fez uns três filmaços e depois se perdeu em sua própria grandeza) ameaçando Jane Fonda, onde ficamos sabendo o quanto Godard era egocêntrico e mesquinho:

“(…)

Jane tinha sérias dúvidas com relação ao roteiro. Não concordava com seu conteúdo político. Sabendo disso, Jean-Luc Godard não perdeu tempo e enviou seu sócio, Jean-Pierre Gorin, para se encontrar com ela. Passadas duas horas da chegada de Jane em Megève, Gorin estava na sala da casa que eu alugara para o verão despejando explicações político-artísticas acerca da significação histórica do script de ‘Tout Va Bien’. Jane, que tinha acabado de chegar de Genebra, não dormira por vinte e quatro horas, exausta da viagem. Estava surpresa e um pouco irritada com a insistência quase histérica do emissário de Godard.

– Se não se incomoda, vou pôr minha filha na cama agora – ela disse. – Não a vejo há dois meses.

Depois de dar um beijo em Vanessa e cantar uma canção de ninar para que adormecesse, Jane desceu as escadas ansiando por comer em paz um pouco de aipo e algumas fatias de queijo. Mas Gorin esperava por ela, firmemente plantado diante da geladeira. E a atormentou por três horas. Jane estava tão cansada que mal tinha forças para responder. Ele ameaçou destruir sua imagem caso ela se recusasse a fazer ‘Tout Va Bien’.

– Godard vai cortar suas asas. Você não terá mais respeitabilidade política em parte alguma. Nunca mais. Se recusar a fazer este filme, estará cometendo um erro do qual vai se arrepender por muito tempo.

Com medo das represálias de Godard, Jane acabou concordando em fazer ‘Tout Va Bien’. Como ela havia previsto, foi um desastre comercial e seu oportunismo político irritou as alas radicais.”

Com uma vida cheia de festas e badalações, Vadim cometia algumas gafes hilárias, como essa:

“(…)

Os embarques (das crianças) foram marcados de maneira que as crianças partissem praticamente ao mesmo tempo. Fiquei ‘orfão de meus filhos’ e me encaminhei à saída do aeroporto. Estava quase deixando o aeroporto quando escutei meu nome: ‘Roger Vadim, favor se apresentar no escritório da Air France’.

Pode-se imaginar o resto.

Nas passagens da Air France vinha escrito ‘crianças Vadim’ seguida de uma inicial. Duas delas foram endossadas pela Pam Am e pela TWA. Um pouco distraído, como de costume, mandei a criança errada para a mãe errada.

Nathalie, que deveria estar voltando para sua mãe em Roma, estava a caminho de Londres, onde Jane Fonda esperava por Vanessa.

Vanessa estava voando a Paris, onde Deneuve esperava por Christian.

Passei a noite inteira e a madrugada no telefone ligando para as três capitais para avisar as mães de que elas não estariam recebendo as crianças certas.”

Roger Vadim não foi um gênio da sétima arte, mas deixou sua marca na indústria cinematográfica francesa, ora descobrindo talentosas atrizes, ora realizando pequenos grandes filmes. Nos anos entre 1980 e 1997 passou dirigindo filmes para televisões. Faleceu em 2000. Após sua morte, sua filha Nathalie afirmou: “Jane [Fonda] era o amor da vida de meu pai!”. Vadim viveu mais para o amor do que para o cinema!

“Bardot, Deneuve & Fonda – As Memórias de Roger Vadim” (1986, 365 páginas, editora Best Seller) de Roger Vadim.

por Petter Baiestorf.

100 Gatos que Mudaram a Civilização

“100 Gatos que Mudaram a Civilização” (247 páginas, editora Prumo), escrito por Sam Stall, é um livro que todos os amantes de gatos (e felinos em geral) precisam conhecer. Este livro chegou na minha mão porque a Leyla estava escolhendo um presente de aniversário prá dar para minha mãe e me perguntou qual livro ela adoraria ganhar, entre as opções que a Leyla planejava comprar, estava este ótimo livro que conta a história dos gatos mais influentes da história humana e como minha mãe é uma adoradora de felinos (e Leyla e eu também), pensei que seria lindo ela presentear minha mãe com este livro (já que eu poderia lê-lo emprestado). E este livro é muito bom, com uma linguagem simples e direta, Stall nos apresenta 100 gatos de personalidade forte que nos fazem relembrar os vários gatos que já cruzaram nossas vidas. Aqui conhecemos a história de Tibbles, o gato que, sozinho, eliminou uma espécie inteira. Ou de Ahmedabad, um gatinho siamês que despertou uma revolta por todo o Paquistão. Ou de Snowball, o gato que ajudou a condenar dezenas de assassinos e criminosos. E relembramos de outros felinos astros do cinema e televisão, como Orangey, a gata que aparece nos clássicos “This Island Earth” (1955) de Joseph M. Newman e “The Incredible Shrinking Man” (1957) de Jack Arnold (e que depois ficou famosa quando contracenou com Audrey Hepburn em “Bonequinha de Luxo”); ou da gatinha Mimsey que arremedou o leão da MGM para a produtora MTM; ou ainda o gato de rua Lucky (rebatizado com o nome de Morris) que estrelou os comerciais para a ração “9 lives” e virou celebridade. Ainda, como se não bastasse a história dos bichanos, ficamos sabendo algumas curiosidades de seus donos, como por exemplo, a inspiração que um felino dava ao Edgar Allan Poe quando ele escrevia seus contos, como Isaac Newton criou a portinha para animais por causa de seu gato mal humorado que sempre ficava entrando e saindo de casa e atrapalhando-o em seus projetos ou como Domenico Scarlatti compôs música com ajuda de sua esperta gatinha Pulcinela.

Monstro & Gojira (meus gatinhos).

“100 Gatos que Mudaram a Civilização” homenageia os felinos e suas extraordinárias contribuições à ciência, história, artes, política, religião e muito mais. Repleto de histórias reais envolvendo os gatos mais inteligentes do mundo e como eles fizeram a diferença!

Este post é dedicado para Gojira & Monstro!

Só

Não fui, na infância, como os outros

e nunca vi como os outros viam.

Minhas paixões eu não podia

tirar de fonte igual à deles;

e era outra a origem da tristeza,

e era outro o canto, que acordava

o coração para a alegria.

Tudo o que amei, amei sozinho.

Assim, na minha infância, na alba

da tormentosa vida, ergueu-se,

no bem, no mal, de cada abismo,

a encadear-me, o meu mistério.

Veio dos rios, veio da fonte,

da rubra escarpa da montanha,

do sol, que todo me envolvia

em outonais clarões dourados;

e dos relampagos vermelhos

que o céu inteiro incendiavam;

e do trovão, da tempestade,

daquela nuvem que se alteava,

só, no amplo azul do céu puríssimo,

como um demônio, ante meus olhos.

poesia de Edgar Allan Poe.

(do livro “Poesia & Prosa: Obras Escolhidas de Edgar Allan Poe”, clássicos de bolso da Editora Águia de Ouro, tradução de Oscar Mendes e Milton Amado, com biográfia de Poe por Hervey Allen e um estudo crítico da obra de Poe por Charles Baudelaire. Foi com este livro, lá por 1984 – não faço idéia do ano de publicação desta coleção de bolso porque no próprio livro não diz – que tomei contato com praticamente toda a obra de Edgar Allan Poe, eram 665 páginas de novelas, contos, colóquios, poemas, ensaios e “Eureka” na íntegra, tudo neste único livro. Sou sincero quando afirmo que as crianças do passado eram mais felizes).

Spektro 16

“Spektro” foi uma revista de quadrinhos de horror/Sci-fi brasileira dos anos 70/80 do século passado, editada pela ed. Vecchi, que trazia sempre muito material de desenhistas brasileiros (misturados à HQs gringas). Tenho verdadeira adoração por essa revista de HQs (na época que ela saia nas bancas eu era guri e aprendi a ler com ela, tenho todas guardadas até hoje e, aos poucos, vou postando aqui no Blog as histórias que eu mais gosto), meu plano ainda é transformar essa revista em um filme (mas pode demorar bastante ainda já que precisarei de investimentos para tornar o projeto realidade). “Spektro 16” foi um número especial onde metade da revista trazia histórias de aliens e a outra metade histórias de assombração. Segue a HQ “Tupi” de Gustavo Machado (do lado Aliens) e ilustrações do Ricardo Leite em cima do poema “O Corvo” de Edgar Allan Poe (no lado assombrações).