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Aftermath – A Origem

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on novembro 12, 2012 by canibuk

“Aftermath” (1994, 30 min.) de Nacho Cerdà. Com: Pep Tosar.

Apesar dos poucos trabalhos realizados por Nacho Cerdà, “Aftermath” não é fruto da casualidade, muito pelo contrário, está intimamente ligada ao primeiro curta-metragem filmado por este catalão de 25 anos, “The Awakening” (que participou da vigéssima quarta edição do Festival de Sitges, em 1991), filmado durante um curso de cinema organizado pela universidade do Sul da Califórnia, em 1990. Após finalizar “Aftermath”, Nacho Cerdà declarou: “Minha intenção era filmar a morte da alma com um tratamento aséptico, distanciado; “Aftermath” é como a segunda parte, mostrando a morte do ponto de vista do corpo, da carne!”.

Depois de rodar outro curta-metragem em parceria com Walt Morton (“Casebreakers”, comédia de humor negro que foi lançada durante o Festival de Valencia), a idéia de morte seguia presente em todos os projetos. Um de seus roteiros, “Inmolación”, começou a tomar forma e Cerdà iniciou a pré-produção para filmá-lo em co-produção com a universidade da Califórnia. Após sucessivas mexidas no roteiro, “Inmolación” acabou se tornando um média-metragem de 40 minutos, mas como o orçamento inicial não era suficiente para produzi-lo, acabaram abortando o projeto. Frustrado, Nacho Cerdà começou a trabalhar num novo curta sobre a morte, com orçamento mais modesto, porém intenções igualmente ambiciosas. Assim, em fevereiro de 1994, nasce “Aftermath”, onde predominava sua fixação por morte, médicos e autópsias.

Antes de escrever o roteiro, Nacho Cerdà realizou uma entrevista com um médico legista sobre o tenebroso mundo dos tórax abertos e se ofereceu para assistir uma dissecação no Instituto Anatômico Forense do Hospital Clínico. Acabou presenciando três autópsias consecutivas, encontrando o que seria a linha de seu roteiro, feito de detalhes sórdidos e reais como as toalhas introduzidas nos crânios dos cadáveres para absorver o sangue ou os orgãos metidos de forma desordenada nas bacias. Cerdà reciclou toda essa informação e pôs-se a escrever o roteiro definitivo. O material estava pronto para ser filmado.

Nacho Cerdà fala:

Sobre o título: “Aftermath é uma expressão que significa algo como “o que há depois de…”, e creio que era o título perfeito para o que me interessava contar: O estado do corpo depois da morte, sua desolação e o nada!”.

Sobre a cor: “É um filme que fala da morte física e, portanto, da degradação da carne. Por isso sua cor precisava ter uma textura física, que se aproxima-se da cor do sangue, da pele morta.”.

Sobre o formato: “Rodei “The Awakening” em 16mm, porém isso não quer dizer que todos meus curtas precisam ter esse formato. Apesar de ser uma produção independente, eu queria ir além do que já havia feito. E 35mm parecia ser mais adequado às necessidades da história!”.

Sobre o silêncio: “Creio que um filme deve ter o poder de explicar-se com a presença da imagem e dos efeitos sonoros. As palavras não são necessárias, ainda mais quando se trata de uma história narrada do ponto de vista dos mortos. E eles vivem num mundo morbidamente silencioso!”.

Sobre a iluminação: “Idealizamos a iluminação levando-se em conta a enfermidade dos protagonistas. A medida que avança a história, fomos deixando a luz mais tenebrosa, mais metálica, mais triste. É como uma volta ao estado primitivo do ser humano: A escuridão!”.

Sobre a montagem: “Era importante que a montagem do filme desse as informações aos poucos, gota à gota, para provocar a sensação de que tudo passa sem pressa. Por isso há longos planos e na segunda parte da históriaadquire um ritmo de cerimônia. A montagem também ajuda à deixar o espectador perturbado!”.

Sobre a interpretação: “Pep Tosar, o ator, queria uma interpretação puramente mecânica. De algum modo desejava converter os mortos em personagens vivos e os vivos em personagens mortos!”.

Sobre o espectador: “Com os movimentos  de câmera eu quis introduzir o espectador na história, como se fosse um terceiro personagem. Transformar o espectador num voyeur necrófilo!”.

Pré-Produção

Devido ao baixo orçamento de “Aftermath”, houve o máximo de aproveitamento dos elementos disponíveis. Por vezes os elementos mais próximos (e mais baratos) são os ideais para a realização de um filme, como foi o caso desta produção. Estava claro que para uma maior credibilidade à história, era necessário um cenário real. Um cenário com as sombras da morte real, como o instituto Anatômico de Barcelona, que possue a sala de autópsias mais completa da Espanha. Depois de conseguir a sala de autópsia, Cerdà realizou os story-boards onde 125 páginas ilustram plano à plano como seria filmado a película. Por sua temática os detalhes deveriam ser extremamente realistas, e para isso os efeitos especiais deveriam ser perfeitos. A empresa DDT, dirigida por David Alcalde e David Marti, contava com um currículo extenso e brilhante no mundo da publicidade e curta-metragens. Atraídos pelas possibilidades do roteiro no que se referia aos efeitos, acreditaram no trabalho, descartando já de cara a possibilidade de aplicar próteses em atores vivos, pois a iluminação e os ângulos de câmera idealizados pelo diretor revelariam o truque. Os técnicos da DDT resolveram construir cadáveres humanos inteiros, usando skin-flex, que com sua textura e cor parecida com a carne humana, já superou o velho látex.

A equipe da DDT tinha pela frente um interessante desafio: construir um cadáver inteiro com um material que só haviam trabalhado em pequenas doses. O skin-flex é um produto fabricado nos USA pela indústria Burman, que já trabalhou em filmes como “Body Snatchers” de Abel Ferrara. Primeiro os técnicos utilizaram modelos reais, que se apresentaram como voluntários à passar umas cinco horas deitados, até ter-se pronto os moldes dos cadáveres, um homem e uma mulher, co-protagonistas do filme. O processo durou aproximadamente um mês.

A busca pelo ator ideal para o papel do legista também foi díficil, até que David Alcalde, da DDT, sugeriu a Cerdà o nome de Pep Tosar, que estava trabalhando num pequeno teatro de Barcelona e meses atrás tinha atuado num curta com efeitos da DDT. Cerdà gostou da força da interpretação de Pep Tosar e o contactou para ser o legista.

Pela falta de diálogos era preciso de uma música densa para o filme. Quase que por acaso Cerdà escolheu “Requiem de Mozart”, ao ouvi-la na casa de Javier Sánchez, um dos produtores executivos do curta.

Apesar de ter sido rodado integralmente em Barcelona, há técnicos de vários países, como por exemplo Christopher Baffa (diretor de fotografia) e Raul Almazan (montador), que eram norte americanos. Baffa constantemente trabalha em produções independentes e já foi diretor de fotografia de segunda unidade de “God’s Army” e “Carnossauro 2” e Almanzan já havia montado “Casebreakers”, curta anterior de Cerdà.

A Filmagem

As filmagens iniciaram no dia 28 de maio (de 1994) e se estenderam até 04 de junho. No primeiro dia foi filmado o epílogo do filme, que acontece na casa do protagonista. No dia 29 de maio iniciou-se as filmagens no Instituto Anatômico. O horário de trabalho da equipe devia adaptar-se as exigências do centro e seus horários. Somente após a última autopsia do dia que a equipe estava autorizada a iniciar seus trabalhos madrugada a dentro, com umas dez horas diárias de muito trabalho.

Curiosidades das Filmagens

– O ambiente das filmagens foi sempre muito cordial, contando-se o cenário mórbido que se fazia presente à todo instante. Logo os membros da equpe estavam acostumados com o cotidiano funesto do local de trabalho.

– Num dos dias de filmagem chegou um cadáver já morto a meses, totalmente decomposto. O fedor era tão intenso que parte da equipe teve que deixar de trabalhar.

– As filmagens aconteceram em tri-língüe: Cerdà dirigia-se aos seus colaboradores em catalão, castelhano e inglês. A salada de idiomas não causou problemas de maior importância.

– O Cachorro que aparece no epílogo do filme esteve o dia todo sem comer para devorar a carne como um animal esfomeado. Na quarta tomada seu apetite já estava saciado e essa foi a tomada que saiu melhor.

– No primeiro dia a equipe trabalhou 18 horas seguidas.

– Na pós-produção, Cerdà utilizou-se de efeitos digitais. Em alguma seqüências que teriam problemas de continuidade, uma máquina chamada “Harry” fez milagres: entre vazios e tomadas com muito sangue, os técnicos conseguiram um balanço onde a continuidade lógica prevalecia.

A Montagem

Dia 15 de junho Raul Almazan, com a constante supervisão de Cerdà, começou a montar “Aftermath”. Antes de mais nada, montaram um trailer promocional de 3 minutos para deixar o filme conhecido pelos mais diferentes festivais de cinema. Logo depois dedicaram-se ao curta. Das duas horas e pouco de material, começaram a selecionar o que faria parte do curta, que deveria ter meia hora de duração. Em quatro semanas tinham nas mãos um filme de 38 minutos, mas segundo as próprias palavras do diretor: “Naquela primeira versão a montagem estava péssima, com algumas coisas que ocorriam depressa demais e outras demasiadamente lentas!”. Voltaram à trabalhar na montagem até chegar na versão definitiva de 30 minutos.

por Ricardo Spencer, originalmente publicado no fanzine “Arghhh” número 21 (editado por Petter Baiestorf em junho de 1997).

* Veja a filmografia de Nacho Cerdà no IMDB.

Facadas Molhadas, Machadadas de Prazer: Delírios Eróticos na Floresta do Sexo Mole!

Posted in Cinema with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on outubro 15, 2012 by canibuk

“Wet Wilderness” (1976, 54 min.) de Lee Cooper. Com: Daymon Gerard, Alicia Hammer, Raymond North e Faye Little. Direção de Fotografia de Alan Jolson; Som de T.A. Hom; “Música” de Melvin Devil; Edição e Produção de Robert Thomas.

Este pornô slasher é uma bomba completa, tenho a obrigação de avisar que este lixo é apenas para trashmaníacos profissionais. Dito isso, aí vai a sinópse da porcaria: Mãe, com casal de filhos e a namorada da filha, chegam numa floresta para um pic nic em família. Tão logo chegam ali, a filha e a namorada vão prá local reservado fazer fotinhos taradas e se comem (burocraticamente) em uma cena lésbica que não empolga. Até que surge um assassino mascarado (que tem escrito em sua máscara a palavra “love”, sabe-se lá porque) que diz para as lésbicas que elas precisam de um homem e obriga elas a chuparem seu pau. O mascarado estupra as duas meninas para satisfazer seus instintos bestiais até gozar na boca da namorada da filha de boa família, que se aproveita da distração do mascarado e foge. Aí o psicopata tarado pega seu facão e mata a menina em cena com gore tímido e, após o assassinato mal filmado, sai rindo e caminhando vagarosamente (vários anos antes de Jason caminhar vagarosamente pelas florestas de Crystal Lake).

Quando a menina foge, ela vai até sua mãe e irmão contando que sua namorada foi assassinada, só que o mascarado, mesmo com seu passo lento, faz todo mundo reféns de seu sadismo e os humilha obrigando a mãe a ficar peladinha (no chão da floresta, como num passe de mágica, surge um lençol para eles transarem em cima sem se sujar no chão) e a chupar seu pau enquanto os filhos são obrigados a transar entre si praticando um incesto forçado (filmes da década de 1970, mesmo que ruins, sempre tentava dar uma chocadinha) e uma orgia na floresta tem início. O mascarado, sádico que só ele, mete gostoso no cu da mãe enquanto a menina fica chupando o pau mole do irmão. Então o psicopata tira o pau do cu da mãe estuprada, pega seu facão, e obriga a mãe a chupar o pau de seu filho enquanto a menina foge novamente em outro descuido do psicopata mascarado. Mãe e filho continuam fodendo (burocraticamente sem empolgação) enquanto a filha/irmã encontra um negro amarrado em uma árvore, outra vítima do psicopata sexual).

O Mascarado leva a mãe de refém até onde a filha está libertando o negro e obriga-a a chupar o pau do negro e ela cai de boca no pau mole desta nova personagem. A mãe faz umas caretas impagáveis enquanto é obrigada a ver a filha chupando o negro até que ele goze gostoso bem pertinho do rosto de sua filha. Então a mãe da família arrombada é obrigada a se juntar com sua filha para uma segunda rodada de sexo com o negro que goza agora na boca da mãe. Aí, surgido sabe-se lá d’onde, o mascarado tem uma machadinha (no lugar do facão) em suas mãos e mata o negro, sangue respinga contra mãe e filha enquanto o machado fica afundado no peito do negro (em uma cena de gore bem feitinha, levando-se em conta a vagabundagem geral deste filme). E prá fechar de uma vez por todas essa história ruim, o mascarado leva as duas mulheres até uma cabana e obriga-as a chupar seu pau mole novamente, elas se ajoelham e mamam nele. É aí que a filha pega o facão e mata o psicopata com um único golpe e o filme termina no mesmo instante com um frame escrito “the end” numa placa de madeira com sangue/tinta vermelha sendo jogada nele.

Nos anos 70 a pornografia era mais rica em sua abordagem narrativa, ousava-se mais com os produtores tentando surpreender o público, mesmo em produções tão vagabundas quanto este lixo “Wet Wilderness”. Este filme é completamente amador, como muitos dos filmes realizados no período. Mas estes amadores legaram aos cinéfilos tarados por sexo e violência algumas verdadeiras maravilhas como “Forced Entry” (1973) de Shaum Costello (usando o pseudônimo Helmut Richler), sobre um veterano do Vietnã que estupra e mata mulheres; o clássico da sangueira pornô explícita “Hardgore” (1976) de Michael Hugo (não creditado no filme), onde uma ninfomaníaca se diverte com sangue, porra, tripas, membros humanos decepados e necrofília num hospício; “Unwilling Lovers” (1977) de Zebedy Colt, rape movie envolvendo cenas de assassinato e gore mal filmado; entre outras produções alucinadas de gente boa como Joe D’Amato, Doris Wishman, Jesus Franco (e tantos outros), onde ousar parecia ser a palavra de ordem.

“Wet Wilderness” foi feito com uma equipe reduzida (além do diretor Lee Cooper e a meia dúzia de atores ruins que trepam mal, trabalharam o produtor Robert Thomas – que também foi o editor – Melvin Devil (que deve ser pseudônimo do diretor ou do produtor, já que está creditado como compositor da trilha sonora mas a trilha sonora foi roubada de “Psycho/Psicose” (1960) de Alfred Hitchcock), Alan Jolson como diretor de fotografia e T.A. Hom no som), que um ano antes já haviam trabalhado junto no pornô “Winnebango”. Tudo em “Wet Wilderness” não funciona: As atuações são sem inspiração, a fotografia é mal feita, o som é abafado, a edição é tosca, a produção inexistente e a direção nula. A se julgar pelos pintos moles, tudo foi filmado no mesmo dia! Mas “Wet Wilderness” é um slasher pornô que diverte e tem o atrativo de ter sido lançado dois anos antes de “Halloween” (1978) de John Carpenter, verdadeiro responsável pela febre de slashers que assolou o cinema americano nos anos de 1980. O filme acabou sendo premiado pela The Movies Made Me Do It justamente por suas deficiências. A justificativa pelo prêmio veio com a frase “Não é uma obra-prima, não é um filme perfeito, mas é um filme extremamente divertido que deve agradar, e muito, aos fãs de trash-movies!”. Justificativa certeira!!!

Não sei se Lee Cooper é o nome real do diretor, mas pelos levantamentos que fiz aqui ele teria dirigido apenas três títulos pornôs: “A Fantasy Fulfilled” (1975), não creditado, e os já citados “Winnebango” (1975) e “Wet Wilderness” (1976), além de ter produzido “And Then Came Eve” (1976), dirigido por R.J. Doyle (que teria ainda, no mesmo ano, dirigido outro pornô, “Cream Rinse”). A se julgar pelo amadorismo dos filmes dá prá entender porque Lee Cooper não emplacou na indústria cinematográfica. O produtor Robert Thomas produziu também dois outros pornôs, “Ensenada Pickup” (1971) e “Run, Jackson, Run” (1972), ambos com direção de Mark Hunter, e teria feito o som de “The Life and Times of Xaviera Hollander” (1974) de Larry G. Spangler, diretor do western de horror “A Knife For the Ladies” (1974), e, mesmo sendo um dos piores editores que já vi, foi o responsável pela edição de “Devil’s Ecstasy” (1977), um pornô de horror dirigido por Brandon G. Carter. Todas essas pessoas que citei neste parágrafo desistiram de fazer cinema ainda na década de 1970. Uma pena, gosto muito de inúteis persistentes, são eles quem fazem os filmes mais divertidos!

por Petter Baiestorf.

Fiend Without a Face

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“Fiend Without a Face” (“O Horror Vem do Espaço”, 1958, 74 min.) de Arthur Crabtree. Com: Marshall Thompson, Kim Parker e Kynaston Reeves.

Este filme é uma delícia. Na história, que se passa no Canadá, mortes misteriosas começam a acontecer e as pessoas de uma pequena vila culpam uma base americana que estava realizando experimentos nucleares. Todas as vítimas possuem perfurações no pescoço e, após autópsias, descobre-se que o cérebro e a medula espinhal dos mortos estão faltando. Depois de investigações ficamos sabendo que as mortes não foram causadas somente pelos experimentos nucleares, mas sim por uma combinação entre radiação e telecinese que era testada na localidade por um professor aposentado. Com o aumento da força nuclear as criaturas, antes invisíveis, se tornam visíveis e revelam sua grotesca forma: São cérebros humanos com antenas e a medula espinhal servindo como cauda. No ato final do filme um grupo de humanos fica preso numa casa isolada e precisa se defender destas estranhas criaturas.

Considerado um clássico do gênero, “Fiend Without a Face” ganha força quando revela a forma das criaturas que, para ganhar vida e parecerem perigosas, foram animadas com a técnica do stop motion pela dupla Flo Nordhoff e Karl-Ludwig Ruppel, algou pouco usado em filmes de baixo orçamento dos anos 50 e que se revelou extremamente convincente. O filme causou enorme alvoroço quando foi lançado na Inglaterra, com os censores britânicos exigindo uma série de cortes por estarem horrorizados com os aterrorizantes, e bem crus, efeitos especiais. E tudo funciona perfeitamente até os dias de hoje, seu clima soturno foi influência para muitos filmes e arrisco afirmar aqui que os últimos 20 minutos do filme serviram de influência para George A. Romero quando elaborou “The Night of the Livind Dead” em 1968. Vejamos: Climão em preto e branco com um grupo de humanos confinados dentro de uma casa isolada por criaturas além de sua compreensão tentando entrar e que somente poderiam ser exterminadas com um tiro no cérebro. Romero foi bem esperto ao tornar essa ameaça ainda mais apavorante quando trocou as criaturas por mortos-vivos canibais. Melhor prá nós que ganhamos dois clássicos!

O filme era para ter sido dirigido pelo roteirista americano Herbert J. Leder (1922-1983), mas os produtores britânicos não conseguiram autorização de trabalho do sindicato dos diretores a tempo e, assim, Arthur Crabtree foi chamado para assumir a função e tornar realidade o ótimo roteiro do americano. Leder estreiou na função de diretor em 1960 com o drama “Pretty Boy Floyd”. Dirigiu ainda alguns outros filmes não muito famosos, como “The Frozen Dead” (1966), sci-fi de horror onde um cientista louco planeja reviver líderes nazistas congelados e “It!” (1967), outra sci-fi de horror onde Leder filmou ao estilo da Hammer uma variação da lenda do Golem. Leder também foi professor universitário e dirigiu alguns outros filmes sem importância.

Arthur Crabtree (1900-1975) era um destes diretores de aluguel, ou seja, fazia qualquer tipo de filme desde que fosse pago. Começou dirigindo dramas nos anos de 1940 com “Madonna of the Seven Moons” (1945). Dirigiu episódios de séries de TV como “The Adventures of Sir Lancelot” (1956) e “The Adventures of Robin Hood” (1956). É conhecido pela direção dos cult-movies “Fiend Without a Face” (1958) e “Horrors of the Black Museum” (1959), sobre um museu de instrumentos de tortura com climão dos contos de Marquês de Sade.

“Fiend Without a Face” foi lançado em DVD no Brasil pela distribuidora Magnus Opus (que é um dos nomes usados pela Continental) como parte de um box chamado “Sci-fi Vol. 1 – Invasores” (que vem junto, ainda, os DVDs de “Invasion of the Body Snatchers/Vampiros de Almas” (1956) de Don Siegel e “The Blob/A Bolha” (1958) de Irvin S. Yeaworth Jr.). O preço deste box, lógico, é altíssimo (como todos os lançamentos toscos da Continental).

por Petter Baiestorf.

Veja “Fiend Without a Face” aqui:

Guerreiros do Kung Fu Sangrento

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“Dong Kai Ji” (“All Man Are Brothers” ou “Seven Soldiers of Kung Fu” ou “Os Sete Guerreiros do Kung Fu”, 1975, 102 min.) de Cheh Chang e Ma Wu. Com: David Chiang, Wai-Man Chan, Yang Chang, Chuan Chen, Feng Chen Chen, Kuan Tai Chen e Betty Chung.

A história inícia num bordel de luxo onde o imperador tem seu histórico encontro com o criminoso de guerra Yen Ching (David Chiang)  que lhe perde o perdão através de sua irmã, a puta preferida do imperador. Após o perdão, Ching se une aos 108 heróis do imperador que partem numa série de sangrentos ataques para retomar cidades que os rebeldes haviam tomado. Uma a uma as cidades vão sendo reconquistadas, até que o grupo de heróis se depara com a cidade de Yongjinmen, fortaleza impenetrável, protegida por altos muros e muita água. Dois voluntários são enviados para a cidade, o plano é abrir os portões de dentro para fora. Nas ruas da cidade os invasores são reconhecidos e uma sangrenta luta tem início, com muito sangue jorrando e braços decepados. Um dos heróis, conhecido como “O Temerário”, é ferido por uma espada que fica cravada em seu estômago e continua lutando como se nada tivesse acontecido, até o momento em que arranca a espada do próprio estômago e a usa como arma, banhando as ruas com muito sangue. Cada membro-líder dos 108 heróis do imperador , que são sete guerreiros experientes e invencíveis, lutam contra milhares de inimigos em inúmeras cenas hilárias, sempre gores, que vão se sucedendo, como quando “Tattooed Dragon” (Kuan Tai Chen) continua lutando com um punhal cravado no peito ou Li Shih-Shih (Betty Chung) tem a jugular do pescoço estraçalhada e, mesmo assim, continua massacrando soldados inimigos. Perto do final um dos líderes se sacrifica ao mergulhar no mar para abrir os portões marinhos que protegiam a cidade e, finalmente, os barcos do imperador conseguem invadir Yongjinmen, com uma luta final onde um dos heróis, depois de ter o braço decepado, continua lutando animadamente contra seus inimigos enquanto o sangue jorra quente e gostoso de seu corpo.

“Dong Kai Ji” é a continuação do clássico “Shui Hu Zhuan/The Water Margin/Seven Blows of the Dragon” (1972), também de Cheh Chang, desta auxiliado por Hsueh Li Pao. O filme tem seu roteiro inspirado na obra “Shuihu Zhuan/Outlaws of the Marsh”, escrita no século XIV e que se tornou um dos quatro romances clássicos da literatura chinesa. Neste filme há todo o charme de uma produção do Shaw Brothers Studios: Ação non stop, sangue jorrando (com aquela cor de tinta guachê), diálogos idiotas, roteiros com inúmeros furos, personagens superficiais nunca desenvolvidas e ritmo alucinado onde as cenas de luta sempre são impressionantes. Uma produção extremamente divertida, exageros físicos e heroísmo a la chinês, com seus imperadores sempre tirando proveito do povo ignorante (como ocorre em qualquer outra parte do mundo).

A Shaw Brothers foi fundada em 1924 em Cingapura. Foi o primeiro estúdio cinematográfico que rodou um filme sonoro em Hong Kong e se tornou o maior e mais importante estúdio no sudeste da Ásia. Cheh Chang (1923-2002) fez inúmeros filmes para os Shaw Brothers, clássicos como “Dubei Dao/The One-Armed Swordsman” (1967) e “Wu Du/Five Deadly Venoms” (1978). Em 1950 ele co-dirigiu o filme romântico “Alishan Feng Yun”, de Ying Cgang, baseado em seu próprio roteiro, que foi sucesso e lhe garantiu mais trabalho. Acabou dirigindo mais de 100 filmes e ficou conhecido como “o poderoso chefão de Hong Kong”. Tendo sido influênciado por Sergio Leone e os filmes de samurais japoneses, incorporou as lições aprendidas e criou filmes de estilo próprio. É influência confessa na carreira de gente como John Woo, Ringo Lam e o americano Quentin Tarantino. Outros sucessos deste fantástico diretor incluem “Da Jue Dou/The Duel” (1971); “Chou Lian Huan/Iron Man” (1972); “Fen Nu Qing Nian/Street Gangs of Hong Kong” (1973); “Shao Lin Wu Zu/Five Shaolin Masters” (1974); “Shao Lin Si/Shaolin Temple” (1976); “Lei Tai/Death Ring” (1983), entre vários outros. Ele foi co-diretor, não creditado, em “The Legend of the Seven Golden Vampires” (1974) de Roy Ward Baker, parceria entre Shaw Brothers e os ingleses da Hammer. Ma Wu (1942), que co-dirigiu “Dong Kai Ji”, começou trabalhando como ator (seus filmes mais populares no ocidente talvez seja a série “Sien Nui Yau Wan/A Chinese Ghost Story”, iniciada em 1987, com direção de Siu-Tung Ching e produção do lendário Tsui Hark). Em 1970 teve a oportunidade de dirigir o drama de ação “Nu Jian Kuang Dao/Wrath of the Sword”, estrelado por Ching Tang. No ano seguinte lançou o clássico “Long Ya Jian/Deaf Mute Heroine” (1971), que se tornou um grande sucesso. Dirigiu mais de 40 filmes e trabalhou como ator em mais de 250 produções. Na entrada do novo milênio o veterano Ma Wu migrou para as produções da televisão de Hong Kong.

“Dong Kai Ji” foi lançado em DVD no Brasil pela China Vídeo com o título de “Os Sete Guerreiros do Kung Fu”, com cópia da Celestial Pictures, empresa que sempre lança filmes com cópias aceitáveis.

por Petter Baiestorf.

Assista “Dong Kai Ji” aqui:

Calafrios

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“Shivers” (ou “Orgy of the Blood Parasites” ou “They Came From Within” ou “The Parasite Murders”, “Calafrios” no Brasil, 1975, 87 min.) de David Cronenberg. Com: Paul Hampton, Joe Silver, Barbara Steele, Lynn Lowry e Susan Petrie.

Um cientista conduz experiências onde almeja criar um parasita que possa ser usado em transplantes de orgãos que não funcionam mais, onde o paciente com um rim doente, por exemplo, receberia o parasita que faria o trabalho do rim em troca de um pouco de sangue como alimento. Mas algo sai errado e o que o cientista acaba criando é um parasita que assume o controle do paciente e faz sua libido sexual, sem culpas ou moralismos, crescer assustadoramente; uma combinação entre afrodisíaco e doença venérea que foge do controle quando a namorada adolescente do cientista espalha o parasita para outras pessoas do moderno condomínio onde vivem vários tipos humanos que logo se tornam tarados sexuais em busca de formas de saciar seu apetite sexual.

“Shivers”, o primeiro longa-metragem profissional de David Cronenberg (que antes havia dirigido apenas os curtas “Transfer” (1966), “From the Drain” (1967), os experimentais “Stereo” (1969) e “Crimes of the Future” (1970) e inúmeros curtas para a TV canadense), é a cara do cinema dos anos 70, um cinema que não fazia concessões para agradar o espectador, investia em roteiros originais/adultos (onde sexo e assuntos sérios eram discutidos), apostava em atores desconhecidos/amadores e os finais destes filmes geralmente eram bem pessimistas acerca dos rumos que a humanidade estaria tomando. Claro que tamanha ousadia não passaria desapercebida, depois de lançado “Shivers” foi a maior bilheteria do cinema canadense e foi discutido em seu parlamento que havia colocado em dúvida seu valor social e artístico para a sociedade, já que boa parte do dinheiro da produção havia vindo do Canadian Film Corporation, que era mantido pelo contribuinte através dos impostos.

Filmado em apenas 15 dias, “Shivers” foi um desafio para o jovem Cronenberg que lutou para ser o diretor do filme durante 3 anos (seu roteiro chegou até a ser oferecido ao lendário Roger Corman, mas uma cláusula no contrato que dava ao roteirista o direito de dirigi-lo, manteve Corman fora do projeto). O aval para a realização do filme veio depois que Barbara Steele (que Cronenberg havia conhecido no lançamento de “Caged Heat” (1974) de Jonathan Demme) concordou em tomar parte da empreitada. Os testes de elenco de “Shivers” foram abertos, ou seja, qualquer pessoa que não fosse ator poderia conseguir um papel. Susan Petrie, uma atriz de comédias de baixo orçamento, lutou pelo papel da personagem Janine Tudor, onde teria que chorar em várias cenas, como não conseguia chorar, Cronenberg conta, que antes de cada take a atriz pedia para que ele a esbofeteasse violentamente, criando um verdadeiro clima de sadomasoquismo entre ele e a atriz, para o espanto da equipe-técnica chocada pelo método nada ortodoxo de direção.

David Cronenberg nasceu em Toronto, Canadá, em 1943. Ainda criança começou a escrever histórias e seu interesse por ciências o levou a entrar no programa “Honours Science” da Universidade de Toronto. Inspirado pelo cinema underground de New York, conseguiu realizar seus primeiros curtas. Durante toda década de 1970 seus filmes foram produzidos com ajuda do dinheiro do contribuinte canadense (pelo menos não foi parar no bolso dos políticos de lá). Entre outros, realizou o maravilhoso “Rabid/Enraivecida – Na Fúria do Sexo” (1977), estrelado pela atriz pornô Marilyn Chambers (do clássico imperdível “Behind the Green Door/Atrás da Porta Verde”, de 1972) e que contava a história de uma garota que, após uma cirurgia, sofre uma mutação e começa a se alimentar de sangue; “Fast Company” (1979), um drama sobre o universo automobilistico lançado no Brasil pela distribuidora Zircon Films com o título “A Escuderia do Poder” e “The Brood/Os Filhos do Medo” (1979, em VHS no Brasil pela Top Tape), onde um psiquiatra aplica um método experimental de exteriorização de traumas e uma de suas pacientes gera uma “ninhada” de crianças que agirão comandadas por sua sede de vingança, um drama sangrento que Cronenberg escreveu após sua separação.

Os anos de 1980 começam com o sucesso internacional de “Scanners/Sua Mente pode Destruir” (1981, Van Blad Vídeo), um filme revolucionário onde somos apresentados aos Scanners, pessoas com poderes mentais, que são usados pela indústria farmaceútica (e que tem a famosa cena de uma cabeça explodindo sem cortes antes da computação gráfica estragar o cinema), filmaço que abriu as portas dos grandes estúdios americanos para o peculiar estilo de filmar horror adulto/inteligente de Cronenberg; Para a Universal Studios faz “Videodrome” (1983, Universal Home Vídeo), que mostrava como controlar os espectadores através da TV, com ótimos efeitos de maquiagens de Rick Baker; “The Dead Zone/A Hora da Zona Morta” (1983, Europa Multimedia) é a adaptação de um livro de Stephen King (que estava em moda nos anos de 1980) onde um paciente acorda do coma com a capacidade de ver o futuro das pessoas que toca; “The Fly/A Mosca” (1986, Fox Home Vídeo) é uma releitura moderna extremamente gore do clássico “The Fly/A Mosca da Cabeça Branca” (1958, Fox Home Vídeo) que havia sido estrelado pelo cult e genial Vincent Price. “The Fly” teve um grande orçamento (foi produzido pelo comediante Mel Brooks) mas não foi sucesso de público nos cinemas, diz a lenda que os espectadores ficavam ruins do estômago ao tentar assistí-lo. Cronenberg fechou a década de 1980 com “Dead Ringers/Gêmeos – Mórbida Semelhança” (1988, em VHS pela F.J. Lucas Vídeo), um drama sexual sobre ginecologistas gêmeos e sua relação com uma paciente feiosa. Acho muito discreto este filme, o assunto poderia ter rendido bem mais.

A década de 1990 parecia promissora quando Cronenberg lançou “Naked Lunch/Mistérios e Paixões” (1991, Spectra Nova), drama lisérgico inspirado no livro homônimo de William S. Burroughs sobre um escritor viciado em drogas que não sabe mais distinguir realidade e delírio. Em seguida o cineasta realiza o pomposo (perdão) “M. Butterfly” (1993), que na época de seu lançamento achei divertido, mas preciso revê-lo para ter uma nova opinião sobre o filme, e o genial “Crash/Estranhos Prazeres” (1996, em VHS pela Columbia Pictures), onde Cronenberg ajeita o chatíssimo livro de J.G. Ballard e nos apresenta seu último grande filme, uma história sexy sobre pessoas que após sofrerem acidentes de carro começam a procurar por sexo bizarro envolvendo carros. Nos últimos anos não realizou nenhum novo clássico, “ExistenZ” (1999) é fraquinho; “Spider” (2002, Movie Star) mornô e os filmes policiais que realizou (“A History of Violence/Marcas da Violência, 2005; “Eastern Promises/Senhores do Crime”, 2007 e “A Dangerous Method/Um Método Perigoso”, 2011) são burocráticos. Dá pena ver um cineasta tão bom desperdiçando seu talento por conta da mediocridade da indústria cinematográfica e seu público idiotizado atual.

Na produção de “Shivers” Cronenberg recebeu uma grande ajuda de Ivan Reitman que em 1972 já havia dirigido o ótimo “Cannibal Girls”. Se alternando nas funções de direção e produção, Reitman fez “Meatballs” (1979) e conseguiu chamar atenção dos grandes estúdios e na seqüência conseguiu emplacar o blockbuster “Ghost Busters/Os Caça-Fantasmas” (1984, Columbia Pictures), campeão das bilheterias dos anos 80. Depois dirigiu megas-porcarias estreladas por Arnold Schwarzenegger como “Twins/Irmãos Gêmeos” (1988), “Kindergarten Cop/Um Tira no Jardim de Infância” (1990) e “Junior” (1994). Verdadeira decadência para o cara responsável pela produção de filmaços como “Death Weekend/Fim de Semana Mortal” (1976) de William Fruet, “Rabid” (1977) de Cronenberg, “Ilsa – The Tigress of Siberia” (1977) de Jean LaFleur, “Animal House/O Clube dos Cafajestes” (1978) de John Landis e “Heavy Metal/Universo em Fantasia” (1981) de Gerard Potterton.

Um dos grandes destaques de “Shivers” são as maquiagens gore, simples mas de grande eficácia. Joe Blasco trabalhava com maquiagens para a TV quando realizou as trucagens gores para “Garden of the Dead” (1974) de John Hayes, distribuido nos USA pela Troma e do clássico “Ilsa: She Wolf of the SS” (1975) de Don Edmonds. Isso lhe valeu o convite para trabalhar em “Shivers” e “Rabid”. Quem aprecia bons trash-movies sem orçamento não devem perder o trabalho de maquiagem de Blasco nos filmes “Track of the Moon” (1976) de Richard Ashe, onde Blasco também “interpreta” a criatura, “Ilsa – The Harem Keeper of the Oil Sheiks” (1976) de Don Edmonds, “The Clonus Horror” (1979) de Robert S. Fiveson e “Whispers” (1990) de Douglas Jackson.

“Shivers” é um filme corajoso, fala sobre o corpo humano e nossos desejos sexuais que são sempre reprimidos pela moralidade social e religiosa de nossa sociedade. Aqui os infectados pelo parasita viram uma espécie de zumbis tarados e dão vazão aos seus instintos. Cronenberg aproveita para discutir assuntos tabus como pedofilia, incesto, homosexualismo, bestilismo, machismo e até o desejo sexual dos velhos. E tudo isso discutido embalado com uma roupagem de cinema gore sexploitation de alta qualidade e diversão. Cronenberg faz falta!

Aqui no Brasil o filme se chama “Calafrios” e já foi lançado em VHS pela F.J. Lucas Vídeo e em DVD pelos picaretas sem classe da Continental. Este filme ainda aguarda, como tantos outros clássicos do cinema gore, um lançamento decente (de preferência em Blu-Ray) em nosso país, cheio de material extra e o filme com qualidade de imagem impecável. Distribuidoras, façam seu trabalho bem feito, por favor!


Barbara Steele – Tão grande que não cabe em rótulos!

Barbara Steele enfeitiça. Lembro-me bem da primeira vez em que a vi num filme, justamente o “Shivers” e, apesar do papel pequeno e sem tanto destaque como em seus mais conhecidos filmes, ela simplesmente me enfeitiçou pela forte presença, pela beleza estranha, a estrutura óssea facial grande e forte (como desenho mulheres acabo sempre observando isso em todas, e o rosto da Steele parece ter sido esculpido com proporções todas erradas, mas que mesmo assim acabou dando todo certo no final), o sorriso largo e os olhos profundos e malignos. Pensei: “Como ela é gigante! Que rosto monstruoso e perfeito! Essa mulher é uma obra de arte!”. A partir daí eu precisa saber mais e ver mais sobre ela. Virei Fã.
Hoje, com setenta e cinco anos, a mais poderosa atriz dos filmes de horror que de tão grande não cabe em rótulos,  se assusta com o assédio dos fãs que até hoje a abordam empolgados por causa dos seus filmes antigos com uma emoção tamanha como se os filmes tivessem sido feitos ontem.
Conhecida como musa do cinema de horror gótico, Steele ganhou destaque na década de sessenta e alcançou seu status por conta da sequência de filmes de horror,  italianos principalmente,  onde atuou.
Steele nasceu na Inglaterra em 19 de dezembro e  não tinha intenção de ser atriz, queria mesmo era ser pintora, “queria ser Picasso” dizia, e estudou para isso, foi para Paris, mas precisava de grana e foi por esse motivo que em 1957  ela entrou numa companhia de teatro onde ganhava cinco libras por semana.
Sua estréia como atriz foi na comédia britânica “Bachelor of Hearts“, em 1958, e não tinha muito mais que um pequeno diálogo. Foi em 1960 que, após ver sua foto numa revista, Mario Bava a recrutou para o  que seria seu papel de maior destaque em “La maschera del demonio/Black Sunday/A Máscara de Satã” (que saiu aqui no Brasil em DVD pela London Films) onde faz um papel duplo, passeando brilhantemente entre a bruxa malvada e a princesa inocente. Este filme também marca a estréia oficial de Mario Bava como diretor. A partir daí, Barbara ganha grande notoriedade e em 1961 é levada para a américa onde estrela “The Pit and the Pendulum/A Mansão do Terror” (lançado aqui no brasil em DVD pela CultClassic) de Roger Corman, contracenando com o sempre genial Vincent Price. Ali, mais uma vez, ela nos encanta ao desempenhar muito bem seu papel de mocinha inocente e mulher cruel e assustadora ao mesmo tempo.
Durante a época em que ficou na américa, Steele relata que tentaram transformá-la em mais uma boneca de plástico fabricada por Hollywood “Eles tinham uma idéia preconcebida de que as mulheres eram todas lábios brilhantes. Eles diziam: ‘É melhor fixar suas orelhas para trás. É melhor deixá-la loira. Você não tem qualquer decote’. Depois vieram as recomendações: ‘não seja vista com fulano, porque… Não ande por aí de salto alto’ – eles achavam que eu era muito alta e todos se sentiam terrivelmente baixos lá. Era uma piada. Todos esses clichês fantásticos que você lê em “Day of the Locust” (livro de 1939, do autor americano Nathanael West sobre a decadência e alienação de Holywood nos anos 30). Só que era muito mais clichê do que você poderia imaginar.“, desabafou certa vez numa entrevista. Barbara se manda para a Itália e em 1962 ganha o papel para o filme “Fellini Otto & Mezzo” (de mesmo título aqui no Brasil e que foi lançado em DVD pela Versátil Home Video). Em seguida, ainda em 1962, faz o “L’orribile segreto del Dr. Hichcock“, o horror italiano dirigido por Riccardo Freda. Depois disso, outros papéis para filmes de terror surgem em seu caminho e consolidam cada vez mais seu título de rainha do horror. Entre estes títulos encontramos “Lo Spettro“, de 1963, dirigido por Riccardo Freda; “Danza Macabra” de 1964, dirigido por Sergio Corbucci e Antonio Margheriti; “I lunghi capelli della morte”, 1964, também dirigido por Antonio Margheriti, entre outros. Em 1966 faz um pequeno papel na comédia clássica “L’armata Brancaleone/O Incrível Exército Brancaleone” de Mario Monicelli (lançado no Brasil em DVD pela Spectra Nova) e em 1968 faz o clássico do horror britânico “Curse Of The Crimson Altar” de Vernon Sewell, filme que reúne também os outros dois grandes nomes do horror Boris Karloff e Christopher Lee. Apesar de todos os títulos e de seguidores fiéis do gênero do horror que mantém até hoje, Barbara Steele parecia não gostar tanto do culto ao título que recebeu, talvez pela limitação que isso causava a sua carreira. Declarou certa vez estar aposentada do gênero e que jamais voltaria a sair de um caixão de novo. A promessa não é seguida. Visando novos rumos para a carreira, volta à américa onde conhece o roteirista James Poe com quem se casa e tem um filho. Os dois ficam casados por muito tempo. Em 1969, Poe escreve um papel para Barbara na adaptação para a tela do romance “The Shoot Horses, Don’t They?”, mas quando Sydney Pollack, o diretor do filme, escolheu outra atriz para o papel, Barbara decidiu fazer uma pausa e ficou sem atuar por uns cinco anos. Volta ao cinema só em 1974 com o exploitation “Caged Heat” de Jonathan Demme.  Em 1975  aparece lindísisma no clássico cult “Shivers“, papel com pouco destaque, porém notável, e em 1977 no “I Never Promised You a Rosen Garden” de Anthony Page. Já com a carreira capengando ela aparece em mais alguns títulos, uns tornaram-se memóraveis, outros nem tanto.  Em 1978 ela e Poe divorciam-se e ela não volta a se casar novamente. Em 1980  tenta ainda o horror “The Silent Scream” de Danny Harris, se aposenta das telonas em seguida e se dedica, com sucesso, ao trabalho de produtora de mini-séries para TV. Chegou, inclusive,  a ganhar um Emmy pela produção na série “War and Remembrance“. Barbara Steele retornou às telonas agora em 2012 estrelando o horror “The Butterfly Room” de Jonathan Zarantonello. Não sei se esse filme será lançado aqui no Brasil, não achei informações que indicasse algo sobre isso, então ficarei devendo essa informação.

Mesmo setentona Steele continua linda e com aquele olhar impressionante que nos convida sem que a gente saiba se é pro bem ou pro mal, ela nem sempre foi bem aproveitada, mas é tão gigante em talento e força que impressiona mesmo quando seu papel é minúsculo.  Vida longa à  grande e fascinante musa!

Steele – “The Butterfly Room”

The Buterfly Room

Algumas imagens de uma exposição com suas pinturas que aconteceu em Roma no dia 9 de novembro de 1962

Trailers de alguns filmes com a musa:

Resenha de petter baiestorf
Box sobre barbara Steele de Leyla Buk

Roteiro de Arrombada – Vou Mijar na Porra do Seu Túmulo!!!

Posted in Cinema, Nossa Arte, Vídeo Independente with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on março 23, 2012 by canibuk

um roteiro de Petter Baiestorf.

Em 2006 fiz dois longas, “A Curtição do Avacalho” (em breve publico o roteiro ilustrado com fotos aqui) e “O Monstro Legume do Espaço 2”; o primeiro uma experiência metalingüistica anárquica sobre as possibilidades de se fazer/pensar cinema independente no Brasil sem a necessidade de ser comercial. O segundo, a continuação de meu maior cult movie, “O Monstro Legume do Espaço” (produção de 1995), desta vez com ritmo mais moroso, tentando um estranho crossover entre os clichês dos filmes B’s com o drama rural de Ozualdo Candeias, quase ninguém gostou desta mistura, mas achei uma experiência bem válida e interessante.

Depois de dois filmes prá pouco público resolvi voltar a produzir (escrever e dirigir) um sexploitation cafajeste e concebi este roteiro chamado “Arrombada – Vou Mijar na Porra do Seu Túmulo!!!” e, em 2007, reuni velhos parceiros (Coffin Souza, CB Rot, Gurcius Gewdner, PC, Claudio Baiestorf, Elio Copini), novos parceiros (Ljana Carrion e Vinnie Bressan) e filmamos em apenas quatro dias um pequeno média-metragem cheio de estupros, na melhor tradição dos filmes de vingança dos anos 70. “Arrombada” foi lançado em alguns cinemas aqui do Sul do Brasil em programa double feature com o longa-metragem “Mamilos em Chamas” (2007) de Gurcius Gewdner e fez razoável sucesso. Segue o roteiro original de “Arrombada” para os fãs do filme, há algumas cenas que não consegui filmar nos quatro dias de produção e improvisei mudanças. Canibuk também já publicou o roteiro ilustrado de “Vadias do Sexo Sangrento” (2008).

Seq. 01- Em frente à casa do Baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Câmara estática filmando algumas flores, Vômito contra a lente da filmadora.

Corte para Traficante vomitando (segurando uma garrafa de vinho na mão) em frente as flores do jardim da casa de campo do Juiz de direito.

Juiz (com um bigodinho imitando o bigode de Hitler) e seus comandados (um velho sentado numa cadeira com cobertor tapando as pernas, Padre com batina e cruz cristã, Médico engravatado) estão na frente da casa, perto do carro do traficante, esperando por ele.

Traficante limpa a boca com manga de sua jaqueta e vai até os classe-média.

TRAFICANTE: A menina está no porta-malas!!!

Médico e Padre retiram a menina desmaiada do porta-malas do carro e entram na casa com ela.

Close no rosto do velho sentado na cadeira sem esboçar reação alguma.

Ao lado do carro ficam o traficante e o Juiz…

Traficante bebe generosos goles de seu vinho… Câmera se aproxima do rosto do Juiz.

Seq. 02 – sala da casa de Baiestorf-cidade/Noite. (FLASHBACK).

Música:

Cenas:

Sentados em uma mesa estão o traficante e o Juiz de direito.

JUIZ: Você vai pegar 35 anos de pena por tráfico de drogas, vou fazer você apodrecer na cadeia…

TRAFICANTE: Não me diga!!!… Quanta grana compra minha liberdade???

JUIZ: Não precisa bancar o durão… Sou juiz de direito, fui eleito senador pela segunda vez, sou rico e branco… Dinheiro é algo que eu tenho aos montes… Mas penso em outra coisa prá livrar tua cara, se você estiver interessado em fazer um servicinho prá mim livro tua cara fácil fácil…

TRAFICANTE: Posso arranjar qualquer coisa!!!

JUIZ: E vai, vou dar uma festinha com alguns amigos no meu sítio e vou precisar de uma garota inocente… quero que você seqüestre uma garota e me entregue neste endereço (e entrega um cartão).

TRAFICANTE: Isso é fácil… E quando eu entregar a menina qualquer coisa entre mim e a justiça brasileira será destruído???

JUIZ: Claro, te entrego os processos quando você entregar a menina!!!

E os dois apertam as mãos selando o compromisso. Bebem seu uísque com um brilho nos olhos.

Seq. 03- Em frente à casa do Baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Câmera se afasta do traficante que limpava seus lábios novamente.

TRAFICANTE: O que vocês vão fazer com essa garota?

JUIZ: Você ainda não aprendeu que, levando-se em conta sua profissão, é melhor ficar calado??? (e sorri)

TRAFICANTE: E os meus processos, quero eles!!!

JUIZ: Segunda – feira pela manhã, no meu escritório!

TRAFICANTE: você ia me entregar aqui, hoje…

JUIZ: Eu sou um juiz de direito, senador eleito pela segunda vez, um homem letrado de palavra, um verdadeiro exemplo à sociedade brasileira… Você, um traficantezinho de merda, um vagabundo que não vele o que come, você está duvidando de minha palavra??

Traficante olha para o Juiz pensativo, bebe o resto da garrafa de vinho, entra no seu carro e sai fora.

Câmera em plano fechado no Juiz que sorri diabolicamente.

Seq. 04 – Créditos

Música: GG Allin.

Créditos iniciais com ELENCO, EQUIPE-TÉCNICA.

Seq. 05 – Sala da casa de baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Câmera realiza travelling passando pela mesa do nobre Juiz de direito eleito duas vezes senador (que estava vazia) indo até na sacada da sala do Juiz, que estava de costas prá filmadora conversando com alguém pelo seu celular.

JUIZ: Hum… Calma aí… Essas coisas acontecem (se vira de frente para a filmadora nessa hora revelando que estava usando um tapa-olho)… Não há nada com o que se preocupar, alguns hematomas, alguns olhos furados acabam sendo o preço por uma vida plena de emoções… (gargalha)… Deixa eu te falar uma coisa…

Corte seco aqui. (ou corte do áudio com a cena seguindo normal sem som, ver como fica melhor na edição final).

Seq. 06 – Estrada que vai ao cemitério da ilha/Dia.

Música:

Cenas:

Louquinho de fraldas, com uma bandeira rasgada salpicada de vermelho, correndo pela estrada, câmera estava acompanhando-o até enquadrar na casa do Juiz. Um zoom aproxima a casa vagarosamente… SOPREPOSIÇÃO DE IMAGENS.

Cenas sobrepostas da casa mais próxima com a câmera em travelling em direção a porta à dentro da casa….NOVA SOBREPOSIÇÃO DE IMAGENS.

Cenas sobrepostas agora com câmera subjetiva subindo as escadas até encontrar a menina amarrada na cama. CLOSE no rosto dela amordaçado. Ela acorda assustada.

Seq. 07 – Sótão da casa de baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Câmera fixa de cima para baixo filmando as escadas que dão pro sótão. Juiz sobre pelas escadas.

Padre e o médico já estavam lá com suas roupas de trabalho (um vestido de padre e o outro vestido de cirurgião médico). Cada um deles sentado em um sofá, meros espectadores da dor alheia. Voyers do sofrimento.

Juiz tira suas roupas (alternar ele se despindo com closes de pânico na menina e closes de prazer nos rostos de seus aliados) e se dirige até a cama da menina.

Senta-se ao lado dela.

Passa seus dedos pelo rosto dela (que estava amarrada, amordaçada e vestia um vestidinho bem curto), pelos seios, pelo sexo dela.

JUIZ: Se você for boazinha conosco nos seremos bonzinhos com você também!!!

E então o juiz estupra a garota mordendo-lhe com certa fúria pescoço, seios, orelhas, etc…

Amordaçada ela tenta gritar, se debate, quer fugir daquele tormento.

O Médico e o Padre se masturbam com a cena do estupro (o Padre fica lambendo uma bíblia que esfrega, as vezes, com volúpia em seu próprio rabo).

Terminar a cena com o Juiz saindo de cima da garota e se ajoelhando ao lado do rosto dela. Close no rosto de prazer dele (havia gozado). Close no rosto desesperado dela recebendo a ejaculação no rosto (Souza, pensar em algum produto comestível que pareça porra).

Seq. 08 – Sótão da casa de baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Juiz deita ao lado dela. Lambe a porra que escorria no rosto dela.

JUIZ: Vou te soltar e você vai dar prazer para todos nós!!!

Solta a mordaça, a garota grita.

GAROTA: Me soltem, me soltem…

Apanha do Juiz e fica calada quase chorando.

JUIZ: Não adianta gritar vagabunda, estamos isolados aqui nessa casa!!!

Desamarra-a e faz com que se ajoelhe no chão do quarto…

JUIZ: Você vai se engatinhar até ele e vai pedir prá chupar o pau dele!!! (diz apontando pro Padre).

O padre se babava excitado.

Ela leva um tapa na orelha.

JUIZ: Vamos vagabunda, vai até ele e pede prá chupar o pau dele!!!

A garota vai engatinhando até perto do Padre que estava sentado no sofá. Ela olha prá ele. Close nos outros dois fdp.

GAROTA: Posso chupa teu pau!!!

O padre, em um movimento cristão, abençoa a garota e ergue sua batina. Ela olha e coloca sua cabeça sob a batina.

Closes diversos de todas as personagens.

Em dado momento o padre grita de dor, a garota havia-o mordido.

O Juiz e o Médico arrancam a menina de dentro da batina do padre e surram ela com uma cinta que havia no quarto.

Câmera vai se afastando (saindo do sótão) enquanto a guria grita de dor e o som das cintadas se espalha pela casa.

Seq. 09 – Pátio da casa do baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Câmera acompanha o velho da casa levando uma bandeja com bebidas aos três tarados que estavam sentados ao ar livre em uma pequena mesinha. O velho serve as bebidas e sai de cena.

MÉDICO: Essa aí é a potranquinha mais selvagem que já pegamos… Vou chapar ela e aí vai ser mais fácil se divertir…

PADRE: Isso mesmo, essa vagabunda nem Jesus dobra…

Gargalham. Louquinho de fraldas passa correndo ao fundo com sua bandeira.

JUIZ: Mas sabem de uma coisa, eu gosto mais quando elas tornam as coisas mais difíceis prá nós, fica mais excitante, é uma desgarga a mais de adrenalina… Chape ela com algo que a deixe consciente, vamos virar essa menina do avesso e quero que ela sinta tudo…

Fechar a cena com o Juiz levando seu drink aos lábio e bebendo-o, corte quando ele começar a afastar o copo dos lábios.

Seq. 10 – Salão de festas do prédio apollo/Dia (anoitecendo)

Música

Cenas:

Close num copo de cerveja sendo colocado sobre a mesa.

Traficante numa mesa de bar (close fechado nele, ambientar o bar com sons de bar só no áudio) bebendo, angustiado…

O Traficante estava angustiado.

Algo o incomodava.

Câmera dá zoom (vagarosamente) no rosto dele.

Seq. 11 – Casa do souza/Dia (FLASHBACK)

Música:

Cenas:

Restos de drogas sobre uma mesa, câmera realiza um travelling da cozinha da casa até na sala, onde estavam o traficante e a garota.

Ela terminava de cheirar uma carreira.

GAROTA: Porra, tu é um cara legal, me deixa ficar cheirando sem cobrar nada… Tu é legal prá caralho!!!

(Close no traficante para inserção durante o diálogo dela)

Traficante larga sua cerveja e se atira sobre a garota jogando-a ao chão entre dois sofás, com violência fica socando a garota (seu rosto escondido atrás do sofá para disfarçar os golpes falsos)…

Depois que ela estava inconsciente o traficante fica sentado, olha-a, amarra suas mãos e bebe mais de sua cerveja.

Seq. 12 – Salão de festas do prédio apollo/Dia (anoitecendo)

Música:

Cenas:

Traficante na mesa de bar soca a mesa com o punho.

TRAFICANTE: Isso não ta certo… Vou buscar a guria e foda-se aquele Juiz filho da Puta!!!… Aquele viado nem me entregou as porras dos papéis do meu processo!!!

Levanta-se, bebe o resto da cerveja do copo e sai pela porta do bar.

Seq. 13 – Sótão da casa de baiestorf/Noite.

Música:

Cenas:

Close numa seringa expelindo o ar que havia ficado junto do líquido em seu interior.

O Médico injeta na garota o líquido da seringa.

A garota sente o efeito imediatamente, ficando mais leve e solta.

Juiz e o Padre estavam olhando.

Médico desamarra a garota que se levanta.

O Padre liga um som no aparelho de som.

O Juiz e o Padre já vão abraçando a garota, beijam-na, o Médico senta-se no sofá e fica olhando, ele curtia ficar olhando, era um voyer de marca maior.

O Juiz faz a garota se curvar contra a cama e ergue seu vestido, baixa a calcinha dela e a enraba. O Padre, somente de cuecas, se deita a frente dela e a obriga chupa-lo (todas as cenas simuladas, encontrar na hora os ângulos certos para deixar a cena erótica).

Alternar a cena da orgia com o Médico se masturbando (nessa hora revelar que o médico se masturbava olhando para a bunda de seus companheiros e não da menina, era um homosexual enrustido).

Simular uma dupla penetração, mordidas nos seios da garota, afagos nas nádegas dela, etc…

A garota chapada estava completamente a mercê dos caprichos dos amigos tarados.

Seq. 14 – Sótão da casa de baiestorf/Noite

Música:

Cenas:

Close nas roupas do padre no chão, sua mão pega a batina.

Plano geral do quarto, Padre colocando a batina, Juiz e a garota deitados na cama.

Câmera fixa sobre a cama mostrando a garota e o juiz de cima para baixo, ela somente de calcinhas, ele de cuecas.

O Médico e o Padre descem do sótão.

Juiz e garota deitados na cama.

JUIZ: Ta gostando, né vadia!!!

GAROTA (sorrindo maliciosamente): Claro que estou!!!

Ela se levanta após falar isso. Coloca seu vestido, seu salto alto e olha pro Juiz.

GAROTA: Deite no chão, vou fazer algo que você vai gostar!!!

JUIZ: Eu sabia que tu era uma vagabunda!!!

E após dizer isso ele se deita no chão.

Ela sobe sobre ele e começa a excita-lo usando seus pés calçados do sapato salto alto. O Juiz não se contendo de tesão enfia as mãos sob o vestido dela e puxa a calcinha para baixo, até na altura dos joelhos.

Ela acariciava o saco dele com os pés.

Ele beijava as pernas dela.

Ela sorri e num único golpe crava o salto alto de seu sapato no olho esquerdo (fazer o tapa-olho para o lado esquerdo do rosto) do Juiz, gritos de dor, sapato de salto alto cravado no olho do Juiz, sangue denso, mãos no rosto, expressões de dor dele, expressões de satisfação dela.

Ainda sobre o corpo do Juiz a garota se agacha um pouco. Close em seu rosto que faz força. Defecava sobre o rosto do juiz (fezes falsas com bastante líquido imitando o marrom fecal)…

O Juiz vomita com a merda em seu rosto e o salto alto ainda cravado no rosto.

A Garota recoloca suas calcinhas no lugar e corre até a janela e sobe nela.

Seq. 15 – parte externa da casa de baiestorf/Noite

Música: ORNETTE COLEMAN – “Free Jazz” (37’ toca direto este som até seqüência sinalizada onde para o som ou é trocado por outro som).

Cenas:

Garota caindo para o lado de fora da janela. Sai correndo em direção a segurança da escuridão noturna.

Seq. 16 – Sótão do baiestorf/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free Jazz”.

Cenas:

Juiz levanta-se com cara cheia de merda e sapato cravado no olho, arranca-o fora. Seus amigos chegam correndo.

JUIZ: A vagabunda fugiu… Peguem-na!!!

Os dois saem correndo. O Juiz joga o sapato de salto alto no chão.

Seq. 17 – Estrada qualquer de interior/NOITE.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

Carro do traficante para no acostamento de uma estradinha de chão nas proximidades da casa do Juiz.

O traficante pega seu revólver no porta-luvas e depois de conferir que estava carregado coloca na sua cintura.

Sai do carro e para na frente do carro que tinha as luzes ligadas.

Close em seu rosto.

TRAFICANTE: Até posso ficar preso pro resto da minha vida, mas vou salvar essa garota!!!

Sai caminhando em direção à escuridão.

Seq. 18 – Mato/Noite

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

Padre e o Médico no mato.

PADRE: Vai por ali, aquele caminho é iluminado por Deus todo poderoso, eu irei por aqui, que é igualmente iluminado.

E os dois se separam.

Seq. 19 – Mato/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

O Traficante fica olhando a casa do juiz de longe.

Luzes da casa, tudo deserto e calmo pelo lado de fora.

Garota com um pedaço de pau chega por trás do Traficante e o acerta na cabeça.

O Traficante cai no chão com sangue denso respingando se sua cabeça.

A Garota tira as calças do Traficante e mete o pau no rabo dele.

Gritos de dor do Traficante.

A Garota sai dali rapidinho deixando o Traficante caído no chão com sangue vertendo do rabo, se debatendo com o pau no cú.

Seq. 20 – Mato/Noite

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

O Médico chega até no galpão que existia próximo a casa do Juiz e olha para os instrumentos rurais que havia ali.

Câmera rente ao chão mostrando o Médico ao fundo (em segundo plano) e em primeiro plano um toco com um machado cravado. O Médico caminha até o machado e o arranca do toco.

O Médico passa seus dedos no fio do machado, segura-o firme nas mãos fazendo grau com a arma improvissada.

Sai caminhando.

Seq. 21 – Mato/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

Traficante ainda agonizando com o pau no rabo, deitado ao chão, sangue respingando.

Padre para perto dele, câmera rente ao chão para valorizar o sangue espirrando do rabo do Traficante, se ajoelha próximo ao corpo.

Faz o sinal da cruz para então, na seqüência, revistar os bolsos do traficante e roubar seu dinheiro, suas drogas e a arma.

O Padre empunha a arma e sai dali deixando o Traficante se debatendo com seu rabo espirrador de sangue.

Seq. 22 – Mato/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

Médico com o machado em punho para perto da Câmera.

Corte para a Garota que entra correndo e o empurra contra uma árvore.

A cabeça do Médico bate contra a árvore espirrando sangue.

A Garota chuta-o com força.

O Médico acerta-a no estomago com o machado.

A Garota cambaleia para trás com suas vísceras saindo pelo estomago, segurando-as com as mãos.

Médico coloca as mãos na cabeça, sentia dor.

Garota derruba-o, médico cai de costas pro chão.

Garota pega uma pedra e o acerta na cabeça.

Sangue e miolos explodem.

Médico (com a cabeça real enterrada no chão com uma pedra sobre ela) fica agonizando. Muito sangue respingando para todos os lados, principalmente contra o corpo da garota que estava ofegante e com dor pós essa luta quase fatal.

A Garota sai dali cambaleante.

Seq. 23 – Mato/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

Padre encontra o Médico ainda agonizando…

Câmera se aproxima do rosto do Padre que tem um devaneio.

Seq. 23-B (DEVANEIO SURREAL DO PADRE)

Música: SINGIN’IN THE RAIN

Cada vez jorra mais sangue do corpo do Médico, Médico dança na chuva de sangue que batia contra umas folhas prá ajudar a ficar mais denso.

Imitação tosca da cena do “Cantando na Chuva”.

RESTO da Seq. 23

Padre balança a cabeça saindo do transe, faz o sinal da cruz e revista os bolsos do Médico tirando dinheiro e outras coisas de valor.

Deixa-o caído no chão agonizando, com sangue espirrando dos ferimentos.

Câmera rente ao chão mostra sangue espirrando e o Padre se afastando.

Seq. 24 – Mato/Noite.

Música: ORNETTE COLEMAN – “free jazz”.

Cenas:

A Garota cambaleante, o traficante tentado se levantar com o pau no rabo, o Médico agonizante com cabeça arrebentada embaixo da pedra, velho terminando os reparos nos ferimentos do Juiz (que está de costas), Garota Cambaleante caminhando rumo a escuridão, traficante morrendo, Médico morrendo, Garota sumindo na escuridão, Câmera se aproximando do Juiz que se vira revelando um tapa olho improvissado pelo velho.

Seq. 25 – Loteamento/Dia

Música: MANDRIL – “Children of the Sun”

Cenas:

Abri cena com o Sol, câmera abaixa revelando a Garota cambaleando por um terreno deserto sem ninguém por perto.

Ela para e olha sem esperanças pro horizonte.

O Juiz vinha de uma lado.

Garota cansada, mãos no estomago arrebentado.

Padre vinha do outro lado.

Garota se agacha sem esperanças, sem forças, para fugir.

Pegam-na e a levantam, um de cada lado.

Filmar de longe (para mostrar que não havia ninguém por perto, deserto, idéia de deserto) o Juiz e o Padre levando-a em direção ao Mato que havia em frente.

Vão se afastando em direção ao mato.

Seq. 26 – ponte no mato/Dia.

Música:

Cenas:

Câmera na altura dos olhos da Garota, travelling se afastando revela que ela estava amarrada (na forma de uma pessoa crucificada) numa ponte sobre um pequeno riacho.

Juiz estava de joelhos abraçado às pernas da Garota.

JUIZ: Tu não devia ter fugido, porque tu fugiu querida?… Se você não tinha fugido tudo teria acabado bem, tu até teria ganhado um dinheiro, ia virar minha amante, iria viver como uma princesa… Eu sou o melhor Juiz de direito do Brasil, senador duas vezes eleito pelo voto direto do povo… Tu não devia ter fugido, porque querida? … Porque???

Enquanto O Juiz vai falando seu monólogo fica beijando as coxas dela, baixando a calcinha, beijando o sexo dela, acariciando-a.

Closes no padre olhando, na Garota em desespero com lágrimas escorrendo de seu rosto.

Câmera se afastando aos poucos da cena, deixando-os ali, como se abandonando a garota a sua própria sorte.

Seq. 27 – Pátio da casa de baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Louquinho de fraldas correndo com sua bandeira.

Velho sentado com cobertor cobrindo suas pernas. Sem expressão alguma.

Seq. 28 – Sótão da casa de baiestorf/Dia

Música:

Cenas:

Câmera subjetiva sobre as escadas em direção ao sótão. Revela a garota amarrada no chão (mãos contra os pés do sofá e pernas contra as pernas da cama), em estado de choque, sem esperança alguma de conseguir revidar.

Juiz com uma faca nas mãos faz uma operação no estomago dela para retirar seus órgãos internos (*coração de porco, rins, etc… comestíveis que são vendidos em mercados).

Conforme o Juiz retira os órgãos do interior da garota vai depositando-os numa pequena bacia que havia ao lado do corpo dela.

Depois de pronto essa operação de remoção dos órgãos comestíveis, o Juiz entrega a pequena bacia ao Padre que sai dali.

O Juiz fica pelado e estupra a Garota pela última vez usando o buraco que havia no estomago dela, se sujando com o sangue dela, com as vísceras.

Rasga o vestido dela para melhor acariciar os seios ficando cada vez mais posseso pelo tesão doentio que sentia pelas carnes mortas da Garota.

Goza animalescamente urrando.

Cai sobre ela por instantes desfalecido de prazer.

Close no rosto da garota morta com os olhos abertos, sem expressão alguma.

O Juiz se levanta e coloca suas roupas. Sai dali.

Câmera fica parada sobre o corpo da garota por algum tempo (tempinho para a reflexão do público que estará assistindo a cena no futuro).

Seq. 29 – Cozinha da casa de baiestorf/Dia.

Música:

Cenas:

Close na bacia ensangüentada, porém agora vazia.

Close numa panela onde os órgãos da Garota estava cozinhando.

Juiz retira a panela do fogo e serve o alimento para ele e o Padre.

Serve vinho para os dois.

Senta-se à mesa,

Come uma boa garfada sorvendo o gosto de tão peculiar alimento.

JUIZ: Estava pensando agora, quando eu me aposentar vou ir morar em Miami… (gole de vinho)… Minha mulher só faz compras em Miami então vai facilitar viver em alguma cobertura por lá mesmo…

PADRE: Tua mulher deve ser uma gastadeira terrível!!!

JUIZ: Eu incentivo ela a consumir sempre, enquanto consome não me enche o saco!!!

Os dois gargalham gostoso, bebem vinho, comem mais.

Seq. 30 – Sótão/Dia.

Música:

Cenas:

Padre está terminando de enrolar a garota numa lona preta.

Padre e Juiz erguem-na e a levam embora.

Saindo pela porta, vê-se ao fundo o Louquinho de fraldas passar correndo com sua bandeira.

Seq. 31 – Cascalho ao lado do Rio/Dia.

Música:

Cenas:

Em cena um buraco na areia entre meio ao mato, cai o corpo dela enrolado na lona preta dentro do buraco.

O Juiz e o Padre cobrem o corpo dela com terra.

Depois de enterrada o Juiz mija em cima do túmulo da garota.

O Padre faz sinal da cruz.

PADRE: Deus, receba essa boa garota no seu reino!!!

Os dois gargalham.

O Juiz pega uma garrafa de vinho e bebe do gargalo.

O Padre joga cisco sobre o Túmulo disfarçando-o para todo o sempre.

Fica ao lado do Juiz que lhe alcança a garrafa de vinho, o Padre bebe do gargalo, os dois gargalham.

Seq. 32 – Sala da casa de baiestorf no apollo/Dia.

Música:

Cenas:

REPETIR SEQÜÊNCIA 5 DESTA VEZ COMPLETA.

Câmera realiza travelling passando pela mesa do nobre Juiz de direito eleito duas vezes senador (que estava vazia) indo até na sacada da sala do Juiz, que estava de costas prá filmadora conversando com alguém pelo seu celular.

JUIZ: Hum… Calma aí… Essas coisas acontecem (se vira de frente para a filmadora nessa hora revelando que estava usando um tapa-olho)… Não há nada com o que se preocupar, alguns hematomas, alguns olhos furados acabam sendo o preço por uma vida plena de emoções… (gargalha)… Deixa eu te falar uma coisa… Estou com tudo pronto para uma nova festinha, desta vez encomendei um garoto de 13 anos… (gargalha)… Eu sabia que você ia gostar… Final da semana que vem, ok?

Corte seco.

Seq. 33 – Créditos finais.

Música:

Créditos: Todas as informações técnicas.

Morte e Morte de Johnny Zombie

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“Morte e Morte de Johnny Zombie” (2011, 14 minutos) de Gabriel Carneiro. Maquiagens de Fritz Martiliano. Com: Joel Caetano, Charlene Chagas, Ana Luiza Garcia, Felipe Guerra e Mariana Zani.

Johnny trabalha num galpão onde é produzido o pesticida Romero e, durante um vazamento, é contaminado pelo produto, se tornando aos poucos um zumbi.

“Morte e Morte de Johnny Zombie” é o curta-metragem de estréia do jornalista e crítico de cinema Gabriel Carneiro na direção. Optando por um ritmo mais intimista, Gabriel conta uma história de zumbis sob a ótica do próprio zumbi, mostrando essa transformação aos poucos. Seus elaborados takes subjetivos ajudam a construir a morte do Johnny humano (interpretado pelo sempre ótimo Joel Caetano, herói no longa-metragem “A Noite do Chupacabras” (2011) de Rodrigo Aragão), até se tornar o clássico zumbi comedor de carne humana e enfrentar sua eventual nova morte como zumbi, filmada de maneira espetacular por Gabriel carneiro, que dá uma uma importante contribuição ao subgênero “zombie movies”. Não vou contar aqui como foi feita essa cena, ela precisa ser assistida no curta, mas posso dizer que fazia anos que eu não me surpreendia tanto com um final de filme independente brasileiro.

É importante dizer que o filme conta com atuações de ícones do cinema independente brasileiro, além de Joel Caetano, sua esposa e sócia na produtora Recurso Zero, Mariana Zani, faz uma participação especial e o diretor Felipe Guerra interpreta o incrível falastrão fã de cinema, ou seja, interpreta a si mesmo de maneira soberba.

Gabriel Carneiro, além de jornalista e crítico de cinema, é membro fundador da Abraccine (Associação Brasileira de Críticos de Cinema), escreveu o guia de cinema “Quem Apertou o Botão de Pânico? – Como a Ficção Científica Cinematográfica Norte-Americana, de 1950 a 1964, Abusou da Guerra Fria e de seu Contexto para Ganhar Dinheiro”, ainda não publicado; também escreveu o capítulo “O Anjo Embriagado” do livro “Os Filmes que Sonhamos”, organizado por Frederico Machado, colabora com a Revista de Cinema, nos sites Cinequanon e Zingu! e, atualmente, faz a pesquisa para o longa documental “O Cinema de Ozualdo Candeias”.

Achei o curta de estréia de Gabriel Carneiro imperdível. Acho que merecia um lançamento em DVD coletânea contendo trabalhos de vários diretores independentes, sinto falta dessa união de produtores independentes na hora de distribuir seus trabalhos. E já poderia aproveitar o gancho colocando num mesmo DVD o “Morte e Morte de Johnnie Zombie”, “Estranha” (última direção de Joel Caetano), “Extrema Unção” (última direção de Felipe Guerra) e mais alguns curtas de outros diretores. Único pecado desta nova geração de realizadores está na distribuição de seus filmes que, quase sempre, ficam restritas à mostras, festivais ou net, privando o colecionador de filmes de ter uma cópia apresentável em sua casa. Só queria deixar aqui a opinião de um colecionador fanático por cinema undergournd de baixíssimo orçamento.

Segue uma entrevista que realizei com Gabriel Carneiro sobre a produção de “Johnnie Zombie”:

Petter Baiestorf: Como surgiu a idéia para filmar “Morte e Morte de Johnny Zombie”?

Carneiro: Tenho uma amiga que adora zumbis, a Marília Passos. Um dia ela veio me dizer que teve uma idéia para um filme de zumbi. Sabe esses filmes em que os zumbis são meros coadjuvantes da história para um bando de paspalhos? Pois bem, seria o contrário, uma história de um zumbi protagonista e de sua transformação. Eu já queria fazer um filme de gênero. Quando ela me contou essa idéia, logo me veio na cabeça: tem que ser mais que um zumbi protagonista, tem que ser a visão do zumbi sobre os acontecimentos, ele percebendo sua transformação. Pedi pra ela fazer um argumento, discutimos a história, mudamos algumas coisas e aí escrevi o roteiro, em três dias. Várias coisinhas foram mudadas nele, depois, mas a estrutura, a priori, sempre foi a mesma.

Baiestorf: Dá prá perceber que é uma produção modesta com um ótimo aproveitamento do material humano, como você conseguiu juntar todo este pessoal talentoso?

Carneiro: A idéia sempre foi fazer um filme o mais profissional possível, dentro das restrições orçamentárias. Para a produção em si, foram gastos pouco menos de R$ 700. Ninguém, obviamente, recebeu. Todo o equipamento foi emprestado, com exceção do shoulder pra câmera, que aluguei, e do gravador de áudio, que é meu. Não sou formado em cinema ou em rádio e TV, conheço minhas limitações. Queria pessoas que realmente entendessem o que estavam fazendo tecnicamente. Já era uma meta quando comecei o projeto, e fui caçando interessados. Fiz um anúncio no facebook e fui juntando gente, amigos que se interessaram pelo projeto e toparam fazer sem pagamento. Claro, veio também muito estudante e/ou recém-formados, mas vários deles já trabalham na área. O Fábio Yamaji, que fez a montagem, é amigo, colega de Cinequanon, já o entrevistei para a Revista de Cinema e tal. Ele é um animador super ocupado, que monta alguns filmes, e fez um curta que rodou o mundo todo chamado O Divino, de Repente. A Adriana Câmara, que foi assistente de direção, já dirigiu várias coisas para TV, como a série Sensacionalista, e foi assistente de direção de longa já, Desenrola. O Rafael Alves Ribeiro, que fez o som direto em duas das três diárias que teve captação de som direto, desempenhou o mesmo cargo nessa série do Canal Brasil sobre a Boca do Lixo. E por aí vai. Esse negócio de contato realmente funciona. Já tinha chamado o Pedro Ribaneto (fotografia), o Dênis Arrepol (produção) e a Adriana, que são mais próximos. O facebook me permitiu uma outra triagem, e muita gente angariei assim. E aí vieram os contatos dos contatos, ou seja, gente que estava na produção foi indicando pessoas para os cargos que faltavam. O Rafael Alves veio assim, é amigo do Dênis de faculdade de cinema. E, claro, não preciso nem falar que sem essa equipe sensacional, esse filme não chegaria perto do resultado que tem.

Baiestorf: E os cenários?

Carneiro: Quanto aos cenários, foram três locações. Em teoria, precisaria de dois, a fábrica, e a casa. Porém não consegui uma casa pra filmar que fosse espaçosa o suficiente para ter toda a movimentação que queria. Acabei optando então por fazer no apartamento da Adriana o cenário principal, que é o interior da casa. A Adriana se mudou pra São Paulo pouco antes do início da gravação e até hoje é meio assim, vazia de móveis e objetos, o que é excelente para usar o baita espaço a favor da movimentação do elenco, em especial na cena do ataque do Johnny. Isso também favoreceu muito nas subjetivas com outros atores, porque ficava o diretor de fotografia e o Johnny Zombie colados, fazendo os movimentos e interagindo com as demais pessoas. Filmei também numa fábrica em Atibaia, que era do irmão de uma das atrizes – e amiga minha de longa data, a pessoa que conheço há mais tempo de todos, ex-colega de colégio e de teatro, que é a Ana Luiza Garcia. Precisava de uma locação crível pra dar a impressão de que Johnny de fato poderia ter se contaminado lá. Ela me apresentou essa opção e foi ótimo. Já estava até meio desesperado. Cogitei várias alternativas e nenhuma se concretizava. Salvou o filme. E o local é ótimo, em termos de cor e espaço. Fica muito bonito no quadro e muito realista. Já o terceiro cenário foi a fachada da casa da tia da diretora de arte e figurinista Fernanda Fernandes. Queria que o último plano desse pra rua mesmo, de preferência pouco movimentada. Ficou ótimo.

Baiestorf: Rolou alguma história engraçada durante as filmagens?

Carneiro: Tem uma história ótima. Quando fomos gravar o plano final, obviamente, não tínhamos autorização alguma, nem nada. Simplesmente chegamos na locação, preparamos a cena e fomos filmar. Então tava lá um monte de gente ensangüentada, em especial uma menina deitada no chão, aparentemente inconsciente, com um monte de sangue na barrida, e tripas improvisadas com jornal saindo pra fora, e outra menina cheia de sangue na cara, subindo e descendo em direção à barriga. Aí teve um carro que passou desacelerando. De repente, ele dá uma ré, abaixa o vidro e fica perguntando: “Tá tudo bem, ai meu deus, precisam de carona, querem que ligue pra alguém?” Até alguém explicar que era um filme e que ele estava no meio da cena (risos).

Baiestorf: Como foi trabalhar com o casal Recurso Zero, Joel Caetano e Mariana Zani? Sou grande fã dos filmes deles e gostei muito de vê-los em outra produção.

Carneiro: Joel e Mariana são ótimos. Os conheci quando fui entrevistá-los para a Zingu!, em 2009, numa série de entrevistas feitas sobre o chamado Cinema de Bordas. Sempre foram super solícitos. E desde aquela época acompanho o trabalho deles. São sensacionais. Gosto demais de alguns de seus filmes. Na Mostra Cinema de Bordas, no Itaú Cultural, em 2011, fiz o convite oficial: não havia encontrado ninguém a altura deles para o papel. Eles são ótimos, mesmo. Não se importam de fazer tudo o que é solicitado, ficaram horas e horas gravando. Pobre Joel: fiz ele vestir uma calça de pijama super justa da qual ele morre de vergonha; ficou horas maquiando; besuntamos ele com óleo de cozinha para a água do suor não escorrer; ele caiu e bateu as costas; apanhou, etc. Não é à toa: Johnny Zombie não existiria sem Joel, ele é a alma do negócio. A Mariana tinha um papel menor, mas nem por isso menos dedicação. Acompanhou o Joel em todos os momentos – só não foi à fábrica por falta de verba da produção. Dei a ela um prêmio por conta disso: a oportunidade de se vingar de anos de abusos, mortes e espancamentos nos filmes dirigidos por Joel, dando uma cadeirada nele!

Baiestorf: E o Felipe Guerra? No pequeno papel que ele faz percebemos ele “interpretando” o Felipe Guerra. Tu quem pediu isso?

Carneiro: Sim. O Guerra foi uma das primeiras pessoas que se interessou em participar da produção. Nem tinha roteiro ainda e ele disse que queria fazer o filme. Então escrevi o personagem pensando nele. Foi o único personagem feito para alguém específico. E ele tá ótimo como ele mesmo.

Baiestorf: Gostei muito dos efeitos de maquiagens gore feitos pelo Fritz Martiliano. Ele foi aluno em uma das oficinas do Rodrigo Aragão e começou a fazer filmes, certo? Como foi trabalhar com ele? Tem uma cena dos efeitos que me incomodou, a cena onde o Joel aparece bem pálido, achei ele branco demais, isso foi problema na maquiagem ou iluminação errada?

Carneiro: Sim, é isso mesmo, Petter. O Fritz é ótimo. Conheci através do Guerra, precisava de alguém pra fazer a maquiagem de efeitos. Acho sensacional a maquiagem, especialmente quando Johnny vira morto-vivo. E conseguiu extrair o melhor da minha solicitação. Como Johnny era um zumbi recente, queria que as feridas e mutações ainda fossem recentes. Não queria próteses, porque dão a impressão de que o cara secou há muito. Queria manter uma certa vitalidade – e humanidade – no personagem, e Fritz conseguiu isso de maneira muito boa. Só com tinta. Foi ótimo. Quanto à questão do branco demais, assumo toda a responsabilidade. Foi falta de coordenação de minha parte. Começamos o filme gravando as cenas com todos reunidos na sala. Ou seja, a primeira vez que vemos Johnny, durante a filmagem, ele tá branco daquele jeito. Queria ele branco, mais branco do que é normalmente. Quando o Fritz me mostrou a maquiagem, pareceu boa. E na câmera também, apesar de a iluminação não ter agradado nem a mim e nem ao fotógrafo – foi a que mais demorou pra ser feita. Só que eu estava com muita pressa. Precisava filmar todas as cenas com elenco completo naquele mesmo dia, e ainda faltava todo o ataque, que tinha mais planos, mais ação, e era mais complexo. Fora as observações de Johnny no espelho. Então falei pra deixar como estava mesmo e gravei. Quando fomos gravar as outras cenas, Johnny não ficou branco gradualmente como eu queria por falta de continuidade. Parece que estava ok, mas quando foi montar, ficou esquisito. Ainda mais por que ele está branco, com camiseta branca e parede branca ao fundo, ou seja, a impressão do branco fica ainda maior. E não vi isso. Até pedi para o Rodrigo Mesquisa, que fez a correção de cor, dar uma escurecida ali, mas nada que salvasse o plano.

Baiestorf: “Morte e Morte de Johnny Zombie” é seu primeiro curta, a experiência foi satisfatória? Como foi o lançamento dele? Vai sair em DVD ou festivais?

Carneiro: Foi uma experiência muito enriquecedora e muito estressante. Durante as filmagens, quase cogitei largar tudo, abandonar no meio. Era muita pressão, tentar fazer o melhor tecnicamente, quase sem tempo ou sem dinheiro. Pessoas do elenco/equipe pedindo pra ir embora e eu tendo que terminar as gravações. E entendo que quisessem ir embora, estavam há quase 18 horas lá, mas eu tinha que terminar. E foi muito enriquecedora por isso também. Não tinha nenhuma experiência prática, então aprendi muito a planejar melhor, buscar soluções menos trabalhosas, deixar os planos rolarem, em outros ângulos, para não ter problema de edição – não deu nenhum, mas não deixei muitas opções… Acho que sem o Johnny, não estaria nem um pouco preparado para projetos mais ambiciosos. O filme existe em autoração caseira de DVD, com capinha e tal, mas sem prensagem. E nem pretendo fazer. Ninguém vai querer comprar um curta-metragem. E se começar a vender, logo aparece para download na internet e fode tudo. Tenho exibido apenas em festivais por enquanto. Até agora, passou em 7: Curta Cinema, Zinema Zombie Fest (na Colômbia), Mostra de Cinema Independente da CODE, Cinefantasy, Mostra Outros Cinemas, FIM e Autorock.

Baiestorf: Gostei dos takes com câmera subjetiva, isso tornou o curta mais intimista. Fale sobre a construção do filme e da personagem, percebi uma vontade muito grande sua de fazer cinema autoral, mas com um pé no filme de gênero:

Carneiro: Nem sei se a palavra é autoral. Tenho problemas com esse termo, especialmente pela maneira como foi apropriado pela intelectualidade. Nunca quis fazer um filme de zumbi igual a todos os filmes de zumbi. Queria que tivesse algo diferente. Para mim, MMJZ só existe por conta da subjetiva. É a graça dele, mostrar o processo de transformação através dos olhos do transformado. Mas é um filme de gênero, com uma história super convencional. E por isso ser super convencional, quis brincar com a direção, com a fotografia, com a trilha musical, para quebrar, criar anticlímax. Gosto de falar que MMJZ é um exercício com o gênero filme de zumbi, em que pude experimentar em diversos campos. Não queria que fosse convencional e não queria fazer uma paródia, não é uma comédia, mesmo que haja momentos de alívio cômico. Johnny Zombie para mim é uma vítima. É um pouco da lógica do cinema noir: em algum momento, o destino lhe resolve dar um tapa na cara, e você tem que lidar com isso. Só que no caso, por mais que julgue banal, ele está se zumbificando, e não há nada que pode fazer. Ele não morde os amigos porque é mau, mas porque um instinto é acionado. Tudo que ele quer é sair de casa, todos os seus movimentos são em direção à porta, mas sempre tem alguém que o para. É quando ele vai pra cima, morde. As referências para a personagem foram monstros clássicos do cinema: King Kong, Monstro da Lagoa Negra e Ymir (A Vinte Milhões de Milha da Terra), todos referenciados no filme fisicamente.

Baiestorf: O final de “Morte e Morte de Johnny Zombie” (que não vou revelar) eu achei muito inventivo, nunca tinha visto algo assim em um filme de zumbi e achei que foi uma colaboração bem interessante ao subgênero “zombie movies”. Como surgiu essa idéia?

Carneiro: Pô, Petter, fico lisonjeado com tuas palavras. Mesmo. O final foi muito discutido com a Marília na época que finalizávamos o argumento. Como terminar a história. Sabíamos que Johnny morreria de novo. Foi rejeitando idéias que pensei em fazer um final esperançoso (risos), em que a morte de Johnny não finalizasse com os zumbis, que mostrasse a continuidade da espécie (risos). A questão da subjetiva era a idéia principal do filme, então a última cena não poderia deixar de tê-la. É isso que conduz o término: como é um filme que mostra a percepção do Johnny, mostra sua percepção da própria morte, ele vislumbrado, caído, o horizonte. Para dar esse clima, quis que o único som audível fosse o das pancadas. O tempo também é o de sua morte.

Baiestorf: Seus Projetos?

Carneiro: Como jornalista, devo continuar na Zingu!, no Cinequanon e na Revista de Cinema, fazendo sempre que possível alguns freelas. Na produção audiovisual, devo filmar no próximo ano um clipe para a banda Drakula, de Campinas, e devo filmar outro projeto de ficção, do qual ainda não posso falar muito, que não tem nada a ver com terror e deve ser feito com grana. Tenho outros projetos que precisaria de dinheiro pra fazer, como alguns documentários, que envolveriam viagem e uma produção mais arrojada. Paralelamente a isso, continuo gravando quase todas entrevistas da Zingu! em vídeo. A Marília também está desenvolvendo uma idéia ótima para um próximo curta de horror – e dessa vez, ela diz, quer fazer o roteiro -, que se passa na Folia de Reis, e eu devo dirigir.