Aqui você encontra o que rola de melhor no mundo underground e espaço pra o tipo de arte que tenha algo interessante a dizer e mereça ser descoberta, apreciada e/ou resgatada. Se você quer ficar informado sobre festivais, shows, mostras, lançamentos e exposições que acontecem pelo mundo underground, se interessa por cinema independente, sons extremos e curiosos, arte erótica, fetiches variados, putaria da boa, bebidas, culinária vegetariana, HQs, resgate cultural, zines, filme B, anarquia, pensamento libertário, atéismo e senso de humor crítico, siga o Canibuk, o blog que tem a MEGALOMANIA como palavra de ordem!
O cinema sempre foi terreno fértil para a exploração do corpo. Se nas décadas de 1950 e 1960 o cinema era mais sugestivo do que apelativo (mas com a sci-fi e seus monstros e aliens deformados já apontando os rumos que a nova audiência exigia), foi na ressaca da contracultura, nos anos de 1970, que o cinema foi tratando de ficar mais explícito e cínico, culminando numa explosão de corpos monstruosos/pegajosos nas telas do cinema da década de 1980, onde a crítica social-niilista-pessimista da década anterior cedeu lugar à auto paródia do terrir.
Podemos afirmar que a auto paródia que o cinema dos anos de 1980 viveu, principalmente o americano, tem suas raízes nos filmes da dupla H. G. Lewis e David F. Friedman, principalmente na trinca de goremovies “Banquete de Sangue” (Blood Feast, 1963), “2000 Maníacos” (2000 Maniacs, 1964) e “Color Me Blood Red” (1965), que aproveitaram para extrapolar, para deleite do jovem público de drive-ins, o bom gosto estético, aproveitando até mesmo idéias de mortes exageradas dadas por seus filhos pré-adolescentes. O corpo humano deixava de ser um templo sagrado e, agora, estava disponível para todo o tipo de mutilações que os técnicos de efeitos especiais conseguissem elaborar. E mais, agora o tabu do canibalismo também caia por terra e o corpo humano servia de alimento às sádicas personagens.
No final dos anos de 1950 e início dos anos de 1960, a cinematografia gore ainda foi discreta, com obras como “First Man Into Space (1959), de Robert Day, sobre um astronauta que começa a derreter e que foi a inspiração para a produção do clássico “O Incrível Homem Que Derreteu” (The Incredible Melting Man, 1977, de William Sachs. “Inferno” (Jigoku, 1960), de Nobuo Kakagawa, tomou como inspiração o inferno concebido por Dante e ousou mostrar, em cores, os horrores explícitos de um purgatório onde os pecadores sofriam todo tipo de violência na carne. “Six She’s and A He” (1963), de Richard S. Flink, contava a história de um astronauta feito de prisioneiro por uma tribo de lindas mulheres que costumavam realizar incríveis banquetes com os membros decepados de seus algozes. “Six She’s and A He” é uma espécie de irmão bastardo dos filmes da dupla Lewis-Friedman, já que seu roteirista é o ator William Kerwin, que atuou em “Blood Feast” e “2000 Maniacs” usando o pseudônimo de Thomas Wood. “Está Noite Encarnarei no teu Cadáver” (1967), de José Mojica Marins, à exemplo de “Jigoku”, também mostrava em cores os horrores do inferno com muitos membros decepados, sofrimentos diversos e inventivos demônios feito com parte dos corpos de seus alunos de curso de cinema.
No ano seguinte o horror ficou ainda mais explícito com duas obras seminais: Mojica realizou um banquete canibal em seu longa de episódios “O Estranho Mundo de Zé do Caixão” (1968), no episódio “Ideologia”, e o Cult “A Noite dos Mortos-Vivos” (The Night of the Living Dead, 1968), de George A. Romero, que trazia o canibalismo explícito para as telas com a virulenta modernização dos zumbis, desta vez se deliciando com tripas e toda variedade de carne humana, de crua à carbonizada, dando apontamentos do caminho que o cinema de horror viria a tomar nos anos seguintes.
Jigoku (1960)
Charles Manson e a Família haviam acordado a América de seu “American Way of Life” e os horrores do Vietnã eram televisionados nos jornais do café da manhã, toda uma geração insatisfeita queria voz. Na década de 1970 o cinema de horror ficou mais insano, pessimista e violento para com as instituições oficiais. Jovens cineastas perceberam, ensinados por H.G. Lewis e George A. Romero, que o cinema independente era o caminho natural para adentrar no mundo das produções cinematográficas, e o melhor, o horror niilista tinha público fiel ávido por “quanto pior melhor”.
Tom Savini em Dawn of the Dead (1978)
Inspirados por Charles Manson e “A Noite dos Mortos-Vivos”, no Canadá, a dupla Bob Clark e Alan Ormsby profanaram os defuntos com seu clássico “Children Shouldn’t Play With Dead Things” (1972), podreira sobre um grupo de degenerados comandados por uma espécie de guru fake a la Manson que desenterram alguns corpos num cemitério isolado e realizam um verdadeiro show de barbaridades e imaturidade. Aliás, Ormsby deve ser atraído por personalidades problemáticas, já que na seqüencia realizou o clássico “Confissões de um Necrófilo” (Deranged, 1974), co-dirigido por Jeff Gillen, inspirado na figura do psicopata Ed Gein e que, na minha opinião, é a melhor abordagem cinematográfica já feita sobre Gein, que inspirou, entre outros, também os clássicos “Psicose” (Psycho, 1960), de Alfred Hitchcock, e “O Massacre da Serra-Elétrica” (The Texas Chainsaw Massacre, 1974), a obra-prima de Tobe Hooper, realizado no mesmo ano de “Deranged” e que contava com efeitos do ex-fotografo de guerra Tom Savini, que se inspirava nos horrores reais que presenciou para criar as maquiagens mais podreiras possíveis. Os corpos dos mortos agora não eram mais sagrados, podiam alimentar psicopatas dementes ou, até, se tornarem grotescas obras de arte ou peça de happenings.
O público clamava por histórias mais adultas, além da violência explícita, o sexo também gerava curiosidade. Andy Warhol e Paul Morrissey foram para a Europa filmar, com ajuda do italiano Antonio Margherity, “Carne para Frankenstein” (Flesh for Frankenstein, 1974), uma releitura sexual-splatter de Frankenstein de Mary Shelley, com litros de sangue, referências à necrofília e abordagem erótica da história do cientista que brincava de Deus, dando especial atenção ao detalhes sórdidos e eróticos. No Canadá David Cronenberg previa as epidemias de doenças sexualmente transmissíveis ao realizar “Calafrios” (Shivers, 1975), com roteiro sério que discutia o sexo, sem deixar de incluir taras, fetiches e doenças como a pedofília em roteiro genial (o final do filme continua poderoso).
De volta à América, o cineasta underground Joel M. Reed lançou em 1976 o perturbador e doentio “Bloodsucking Freaks” (The Incredible Torture Show), com a personagem de Sardu, ajudado por um anão tarado, que raptava jovens mulheres que se tornavam deliciosas iguarias para seus banquetes explícitos onde até mesmo sanduíches de pênis era devorados. Ainda em 1976, os exageros do cinema gore se encontraram com a falta de limites do mundo da pornografia e o jovem Michael Hugo cometeu o, ainda hoje, obscuro “Hardgore”, uma carnificina envolvendo sexo explícito com todo o tipo de perversões na história de uma inocente mocinha internada numa instituição mental. “Hardgore” parecia preparar terreno para “Cannibal Holocaust” (1980), do italiano Ruggero Deodato, produção que extrapolou qualquer limite do bom gosto ao assassinar, em frente às câmeras, todo tipo de animais, incluindo a famosa cena da tartaruga, filmada com verdadeiros requintes de crueldade.
Mas um pequeno curta independente, filmado em super 8 por um grupo de amigos, anunciava que o cinema de horror voltaria a ficar mais artístico (sem assassinatos reais ou pornografia): “Within the Woods” (1978), de Sam Raimi, produzido com os amigos Robert Tapert e Bruce Campbell, era um ensaio para a produção do Cult “A Morte do Demônio” (Evil Dead, 1981), que influenciaria meio mundo nos anos de 1980 e 1990 com sua ensandecida história envolvendo jovens possessados por demônios numa cabana isolada. O cinema de horror começava a sair dos cinemas pulgueiros para tomar de assalto toda uma nova geração que descobriria os filmes malditos com o videocassete.
De certo modo “Evil Dead” preparava o público para a exploração do corpo que o cinema da década de 1980 realizou. Nunca na história da indústria cinematográfica tivemos outra época tão rica na exploração de anomalias, doenças, mutações e toda uma rica gama de deformações genéticas. Era a época da disco, da cocaína acessível e barata, do “viva rápido, morra jovem”, então… Pro inferno com a seriedade, o negócio agora era a auto paródia e o cinema de horror, principalmente o americano, soube não se levar em sério e por toda a década de 1980 cineastas como Lloyd Kaufman, Stuart Gordon, Dan O’Bannon, Fred Deker, Roger Corman, Fred Olen Ray, Jim Wynorski, entre outros, conseguiram passar através de seus filmes o clima de curtição que os anos de 1980 possuíam.
O cinema fantástico nacional está na moda e está ganhando visibilidade em inúmeras mostras de cinema que não tem tradição na exibição de produções neste gênero. Em 2014 já havia ganho a “Mostra Bendita” na Mostra de Cinema de Tiradentes com a exibição do longa “As Fábulas Negras” de José Mojica Marins, Rodrigo Aragão, Joel Caetano e Petter Baiestorf e a produção “Noite” de Paula Gaitán. Leia a história do Cinema Fantástico Brasileiro aqui no Canibuk.
Agora é a vez do Festival de Cinema de Vitória incluir em sua programação uma pequena mostra, intitulada “Viradão Novo Cinema de Horror“, na sua programação, atestando que finalmente os grandes festivais de cinema estão percebendo que o Cinema Fantástico brasileiro tem um grande apelo junto ao público.
No dia 19 de novembro, um sábado, com início à 01 hora da madrugada no Teatro Carlos Gomes, com previsão de acabar somente às 07 da manhã do mesmo sábado, o viradão promete uma divertida noitada aos cinéfilos que se aventurarem pelos domínios do gênero fantástico brasileiro. Acompanhe as novidades do Festival pelo site oficial: http://festivaldevitoria.com.br/23fv/
Os seguintes filmes estão programados no Viradão:
“13 Histórias Estranhas” (Ficção, 90′, SC, 2015), de Fernando Mantelli, Ricardo Ghiorzi, Cláudia Borba, Petter Baiestorf, Marcio Toson, Cesar Coffin Souza, Rafael Duarte, Taísa Ennes Marques, Gustavo Fogaça, Renato Souza, Leo Dias de los Muertos, Paulo Biscaia Filho, Felipe M. Guerra, Filipe Ferreira, Cristian Verardi. Filme coletânea. São 13 histórias curtas, onde o numeral é a base do roteiro.
“A Casa de Cecília” (Ficção, 102′, RJ, 2015), de Clarissa Alpett. Cecília tem 14 anos e está sozinha em casa há duas semanas. Após dias intercalados de solidão e euforia, Lorena, uma adolescente misteriosa, surge em sua casa. Apesar da nova companhia, a casa parece ficar cada vez mais vazia e os eventos, cada vez mais peculiares.
“Encontro Às Cegas” (Ficção, 10′, RJ, 2016), de Isabela Costa. Quando um vampiro cego, em pleno 2016, atrai suas vítimas por meio de aplicativos de celular, uma surpreendente chegada muda o rumo da noite.
“O Diabo Mora Aqui” (Ficção, 80′, SP, 2015), de Dante Vescio e Rodrigo Gasparini. Jovens numa casa assombrada.
“O Duplo” (Ficção, 25′, SP, 2012), de Juliana Rojas. Silvia é uma jovem professora em uma escola de ensino fundamental. Certo dia, sua aula é interrompida quando um dos alunos vê um duplo da professora andando no outro lado da rua. Silvia tenta ignorar a aparição, mas este evento perturbador passa a impregnar seu cotidiano e alterar sua personalidade.
“O Segredo da Família Urso” (Ficção, 20′ SC, 2014), de Cíntia Domitt Bittar. 1970, ditadura militar brasileira. Geórgia, uma menina de 8 anos, é proibida de entrar no porão de sua casa, onde costumava brincar. Longe dos olhos dos pais e da velha babá, Geórgia encontra a porta destrancada: há alguém lá dentro.
Quem estiver em Vitória/ES nesta data, fica aqui a dica para aproveitar o viradão. O fantástico brasileiro é o gênero cinematográfico nacional que mais tem conseguido, por conta própria, espaço em importantes festivais pelo mundo. “Zombio 2” (Petter Baiestorf), “Mar Negro” (Rodrigo Aragão), “Cabrito” (Luciano de Azevedo), “Encosto” (Joel Caetano), “Bom Dia, Carlos!” (Gurcius Gewdner), “FantastiCozzi” (Felipe M. Guerra), “Nervo Craniano Zero” (Paulo Biscaia) são apenas alguns dos filmes brasileiros que tem sido exibidos em vários festivais importantes do gênero fantástico por todas as partes do mundo. E é muito bom ver o gênero sendo reconhecido, também, em festivais de cinema brasileiro.
Bom Viradão à todos e obrigado por prestigiarem o cinema fantástico nacional!
Assista o documentário que o Canal Brasil produziu sobre o cinema fantástico brasileiro:
Neste início de ano foi lançado o trailer de “As Fábulas Negras”, um longa em episódios dirigidos por José Mojica Marins, Rodrigo Aragão, Joel Caetano e Petter Baiestorf. O longa está praticamente pronto e sua pré-estreia está marcada para ainda neste mês de janeiro em importante festival de cinema mineiro.
José Mojica Marins dirige o episódio “O Saci”, onde também interpreta uma das personagens. Petter Baiestorf conta a história de um lobisomem gaúcho com seu “Pampa Feroz”, estrelado por Coffin Souza no papel de um tétrico fazendeiro tradicionalista e Walderrama dos Santos no papel do lobisomem ensandecido. Joel Caetano conta sobre a lenda sanguinária da Loira do Banheiro e Rodrigo Aragão conta as histórias “O Monstro do Esgoto” e “A Casa de Iara”.
“As Fábulas Negras” é um verdadeiro banho de sangue no folclore brasileiro com várias de suas lendas passadas a limpo por três gerações de cineastas de horror.
Nudie-Cuties foram variações dos Nudist Films (que eram produções com a nudez tratada de forma natural, explorada em filmes como “This Naked Age/This Nude World” (1932) de Jan Gay; “Elysia, Valley of the Nude” (1933) de Bryan Foy, ou o clássico “Garden of Eden/Paraíso dos Nudistas” (1954) de Max Nosseck), onde a nudez natural e saudável das personagens ganharam histórias mais complexas (mas não tão complexas, já que eram filmes feitos para divertir de forma escapista os espectadores) nas mãos de diretores gaiatos como a dupla H.G. Lewis/David F. Friedman, em sua fase anterior ao gore sem limites iniciada com o clássico “Blood Feast” (1963), e a rainha dos filmes nudistas, Doris Wishman, que realizou belezuras como “Hideout in the Sun” (1960); “Nude on the Moon” (1961), inacreditável bobagem sobre astronautas americanos que vão pra Lua e descobrem que lá as pessoas vivem como que num grande campo nudista lunar; e “Blaze Starr Goes Nudist” (1962), estrelado pela stripper real Blaze Starr. Este maravilhoso subgênero cinematográfico lelo pelo menos um grande cineasta gênio ao mundo: Russ Meyer, que estreou na direção de longas com “The Immoral Mr. Teas” (1959) e foi o responsável pelos populares Nudie-Cuties que surgiram no rastro de seu pequeno clássico.
Aqui no Brasil, provavelmente de forma inconsciente e bem atrasado em relação ao seus irmãos pervertidos americanos/europeus, Nilo Machado seguiu os passos dos Nudies-Cuties (flertando muito com o cinema nudista) quando produziu a obra-prima “Tarzann, O Bonitão Sexy” (1977, 51 minutos, direção de Nilo Machado), que contava a história de um grupo de exploradores amadores que vai para a floresta atrás de um avião carregado de ouro que caiu na região onde Tarzann vive com sua esposa Jane e um preguiçoso cachorrinho de madame.
Não espere nenhuma história. Assim que o destemido grupo de aventureiros chega à floresta começam a se banhar num lago, cantar pelados em rodas de acampamento e esperar pelo encontro com o misterioso Tarzann (que, ao aparecer no final do filme, revela todo o bom humor cafajeste de Nilo Machado). Em todo o decorrer do filme as mulheres ficam de topless, sem ter o que fazer na trama, só restando a elas exibirem seus corpos naturais nús. Aliás, percebe-se nitidamente que o elenco de desconhecidos do filme se divertiu muito filmando essa pequena peça obscura do nosso glorioso cinema nacional.
Sempre tive curiosidade em saber como eram os detalhes técnicos dos filmes de Nilo Machado e pude constatar que ele não deve em nada ao cinema americano produzido sem orçamento no início dos anos de 1960, confesso que eu até esperava uma produção mais capenga e improvisada. Neste “Tarzann, O Bonitão Sexy”, temos também uma ótima trilha sonora composta por um grupo que incluía Nilo Machado, Perez Gonzaga, Luiz Nunes, Jair Lemos e J. Wilson, também compositores de ótimas canções como “Vamos Para a Selva”, “Hoje Estou Feliz” e “Não Facilita Nega Se Não”, presentes no filme que foi quase que inteiramente filmado nos estúdios Adelana, no Rio de Janeiro.
Outro filme com produção/direção de Nilo Machado que tive o privilégio de assistir foi “Playboy Maldito” (1973, 50 minutos, direção de Nilo Machado) que, aos moldes dos dramas tragicômicos debochados de George Kuchar, prima pelo exagero das situações dramáticas corriqueiras da vida mundana dos estudantes.
A história de “Playboy Maldito” não poderia deixar de ser mais brasileira: Rapaz de família rica vai estudar no Rio de Janeiro e usa sua mesada para viver fazendo festas na noite carioca. O “Playboy Maldito” não perdoa ninguém e de noitada em noitada, orgia em orgia, vai comendo todas as menininhas da cidade, fazendo com que até o comendador Vitorio Palestrina (“Estupro”, 1979, de José Mojica Marins) pareça um santinho. De sacanagem em sacanagem Nilo Machado conduz o espectador à um hilário dramático desfecho carregado de uma moral às avessas. Acho muito bonito quando pervertidos tentam dar lições de moral.
Nilo Machado, à exemplo do já citado José Mojica Marins, mostra os ricos como verdadeiros monstros sem moral, todos eles vestidos com figurinos pobres feitos de roupas de segunda e objetos de cena cafonas, como os copos floreados presentes em várias cenas deste “Playboy Maldito”, o que confere à essas produções um sabor brejeiro único. Nilo liga a (pouca) história do filme com muito striptease de mulheres feias e uma trilha sonora simplesmente maravilhosa de Lafayete e seu Conjunto (segundo os créditos do filme), com algumas canções escritas/compostas pela dupla Nilo Machado e Marcus José, como “Noite Vazia” (interpretada por Carmem Silvania); “Logo Mais Você Vem” (interpretada por Ubirajara) e “Noite Sem Luar” (interpretada por Marcus José). Essas trilhas sonoras dos filmes de Nilo Machado deveriam ser lançadas em vinil para o completo deleite dos colecionadores da boa música nacional. Foi uma pena Nilo Machado não ter seguido uma carreira musical em paralelo à sua vida dedicada ao cinema.
Os filmes de diretores como Nilo Machado são repletos de defeitos técnicos e limitações orçamentárias, mas pulsam cheios de vida e um estilo único de fazer/viver cinema. Estes pequenos grandes clássicos obscuros do cinema nacional precisam ser resgatados e salvos, são uma parte muito importante da arte e história da sociedade brasileira para continuarem perdidos. Espero que o documentário que Nelson Hoineff está fazendo sobre o cinema de Nilo Machado saia o quanto antes.
Rubens Mello – “Canções dos Guarus”(CD), 11 músicas.
Este post é para indicar o CD de meu amigo Rubens Mello. Não sou muito bom no quesito “resenhar discos”, ainda mais num estilo – POP – que não tenho afinidade nenhuma, já que boa parte da minha vida fui um perseguidor de sons extremos como grindcore ou bandas obscuras estranhas.
O CD do Rubens, “Canções dos Guarus”, é feito para aquele público que curte um barzinho onde rola um músico ao vivo com seu violão e um banquinho. É Pop/MPB para se curtir conversando com amigos entre uma e outra taça de vinho. É som para pessoas de bom gosto. Rubens apresenta o CD, “Canções dos Guarus propõe uma viagem sonora através de composições de artistas guarulhenses consagrados e novos talentos, mesclando diferenças e homogeneizando de forma harmoniosa em seu próprio estilo“, escreve ele no encarte. Há vários sons com um instrumental elétrico, mas penso que se fosse somente voz e violão teriam ficado mais poderosas, como as canções “Cinza e Rosa”, “Teoria” ou “Madalena”. As canções “Encontro Marcado”, “Sai Daqui” e “Alguém” grudam na mente, como uma boa música pop deve ser.
Rubens Mello foi o vencedor do concurso do Mojica que escolhia o sucessor do Zé do Caixão, depois apareceu em alguns filmes importantes como “Encarnação do Demônio” (2008) de José Mojica Marins, onde interpretou um dos assistentes do Zé, e “Ivan” (2011) de Fernando Rick, onde interpretou um travesti de maneira brilhante. Criado no teatro, na cidade de Guarulhos/SP, Rubens aprendeu a cantar e encantar com seu timbre de voz único. Paralelo a sua carreira de ator de teatro/cinema e músico, Rubens também dirigiu alguns interessantes curtas de horror (assim que for possível farei entrevista com ele sobre seus filmes), como “Lâmia” (2004), “A História de Lia (2009) e “Vermibus” (2012). Também é o organizador e incentivador da Mostra Guarú Fantástico, evento de cinema que prima pela exibição de filmes brasileiros independentes.
Fica aqui a dica do CD do Rubens Mello, se você curte um pop bem executado, com uma pegada de MPB, é imperdível. Para comprar o CD, ou contratar o Rubens Mello para shows, entre em contato com ele via facebook ou pelo fone (11) 97403-2797. Cinco sons do Rubens podem ser conferidos no seu My Space.
Em 1971 o diretor José Mojica Marins teve a idéia de produzir “Os Sapos”, filme que contaria a história de uma pequena cidade que era inteiramente sustentada por uma indústria que preparava pernas de rãs para os restaurantes das grandes cidades, até o dia em que um sapo com estranhos poderes se rebelaria e lideraria o ataque de milhões de sapos e rãs contra a fábrica. Mas Mojica é um eterno azarado! Como todos sabem, naquele ano estreiou o filme americano “Frogs/O Ataque das Rãs” (1972) de George McCowan, estrelado por Ray Milland, que fez com que Mojica desistisse da produção, abandonando seus sapos figurantes pela cidade de Marília/SP, que rendeu as manchetes de jornais sensacionalistas que anunciavam: “Bilhões de Sapos invadem Marília!”.
Resgatando essa engraçada história da carreira de Mojica, o desenhista/roteirista Juscelino Neco (do ótimo blog “Massacre de Pelúcia“), recriou estes momentos da equivocada produção que não saiu do papel em curta, porém imperdível, história em quadrinhos que dá um gostinho da difícil (mas divertida) vida do artista brasileiro.
Se você gostou do trabalho de Juscelino Neco, entre em contato com ele.
Do dia 01 a 05 de agosto o Itaú Cultural abre seu espaço para a mostra Cinema de Bordas que vai trazer ao público paulista cerca de 23 filmes de realizadores independentes. Cinema de Bordas (ou Cinema de Garage ou Cinema Trash ou Cinema Caseiro, tanto faz, é tudo rótulo bom prás vendas) é o cinema independente brasileiro que faz o tudo com o nada e, na base do improvisso mesmo, mantêm viva a possibilidade do fazer sem ajuda do Estado pai-patrão. Se no cinema independente brasileiro o improvisso é o que mais se destaca, note-se que não é uma opção dos diretores (todos estariam filmando com dinheiro se pudessem), mas sim uma triste realidade deste paisinho dominado por corruptos e ignorantes que não tem investidores financeiros, nem canais de distribuição, para estes filmes realizados aos trancos e barrancos que acabam tendo uma recepção de público mais calorosa do que a maioria das produções profissionais de cinema do Brasil.
Nesta edição destaque para a exibição de “A Maudição da Casa de Vanirim” (nota do Canibuk: Sim, “maudição” escrito assim mesmo!) de Seu Manoelzinho, longa produzido em 1987, em VHS, que estava sendo considerado perdido e que agora, finalmente, terá sua primeira exibição pública. “Vermibus” (2012) de Rubens Mello estará estreiando no evento. Rubens Mello, prá quem não sabe, foi ator em filmaços como “Encarnação do Demônio” (2008) de José Mojica marins, “Ivan” (2011) de Fernando Rick e é um dos organizadores do Guarú Fantástico.
Joel Caetano e sua esposa Mariana Zani estarão ministrando uma oficina sobre como fazer filmes sem grana nenhuma em paralelo ao evento. Antes da mostra, dia 31 de julho, rola um debate no programa de TV Jogo de Idéias com participação de Kika de Oliveira (“Mangue Negro”), Dona Oldina (“Extrema Unção”), Gisele Ferran (“O Doce Avanço da Faca“), Mariana Zani (“Estranha“) e o diretor Seu Manoelzinho.
E o mais lindo desta quarta edição da mostra é que vai rolar o lançamento do terceiro livro sobre realizadores de Cinema de Bordas que é uma fonte de pesquisa sempre bem vinda. Os realizadores independentes brasileiros merecem mais iniciativas como essa.
Um fã ao lado de Seu Manoelzinho (dir.)
PROGRAMAÇÃO
1 de agosto (quarta-feira)
20h– Bate-papo com os curadores Bernadette Lyra, Gelson Santana eLaura Cánepa, seguido de exibição de seleção especial de filmes:
Onde Está Meu Rim?, de Renato Dib (1 min, Manaus, 2010) Roquí Son Contra o Extermínio Ambiental, de Renato Dib (2 min, São Paulo e Manaus, 2012) DR, de Felipe Guerra e Joel Caetano (12 min, Carlos Barbosa e São Paulo, 2012) Vermibus, de Rubens Mello (25 min, Guarulhos, 2012)
2 de agosto (quinta-feira)
18h –Morte e Morte de Johnny Zombie, deGabriel Carneiro (14 min, São Paulo, 2011) Entrega Especial, de Rodrigo Brandão (27 min, Juiz de Fora, 2006) Fatman & Robada, de Rogério Baldino (32 min, Porto Alegre, 1997) Brasil, um País de 5%, de Nerivaldo Ferreira e Johel Alvez Bright (36 min, Rio Real, 2011)
20h –Hipnose Para Leigos, deChico Lacerda (6 min, Recife, 2005) Como Irritar Dandies do Hardcore, de Gurcius Gewdner (16 min, Rio de Janeiro, 2012) Mais Denso que Sangue, de Ian Abé (15 min, Cabaceiras, 2011) Jerônimo, O Herói do Sertão, de David Rangel (32 min, Paty do Alferes, 1996)
Seguido de bate-papo com David Rangel, mediado por Rogério Ferraraz
3 de agosto (sexta-feira)
18h –Antes/Depois, de Christian Caselli (9 min, Rio de Janeiro, 2005) Bastar, de Gustavo Serrate (20 min, Brasília, 2010) Black Power Jones, de Igor Simões Alonso (17 min, Osasco, 2012) O Cabra Bode, de Milton Santos (45 min, Cícero Dantas, 2011)
20h –Necrochorume, de Geisla Fernandes (17 min, São Paulo, 2012) Lua Perversa 2, de André Bozzetto Jr (18 min, Pinhalzinho, 2011) A Lenda da Lagoa Vermelha II − A Vingança, de Eutímio Carvalho (30 min, Cícero Dantas, 2012) A Maudição da Casa de Vanirim, de Manoel Loreno (26 min, Mantenópolis, 1987)
Seguido de bate-papo do público com os curadores e realizadores presentes.
4 de agosto (sábado)
18h –A Lenda da Lagoa Vermelha II, de Eutímio Carvalho (30 min, Cícero Dantas, 2012) Uma Vinchester Para Três Tumbas, de Arlindo Filho (91 min, Presidente Prudente, 2012)
20h –Lua Perversa 2, deAndré Bozzetto (18 min, Pinhalzinho, 2011) Flor de Abril, de Cícero Filho (110 min, São Luiz, 2011)
5 de agosto (domingo)
16h –Jerônimo, O Herói do Sertão, de David Rangel (32 min, Paty do Alferes, 1996) A Maudição da Casa de Vanirim, de Manoel Loreno (26 min, Mantenópolis, 1987) Black Power Jones, de Igor Simões Alonso (30 min, Osasco, 2012) DR, de Felipe Guerra e Joel Caetano (12 min, Carlos Barbosa e São Paulo, 2012)
Seguido de bate-papo entre os curadores e realizadores presentes.
18h – Vermibus, de Rubens Mello (25 min, Guarulhos, 2012) A Noite do Chupacabras, de Rodrigo Aragão (95 min, Guarapari, 2011)
Neste dia 14 de junho de 2012, quando completava 67 anos, a figura ímpar de Carlos Reichenbach faleceu à caminho do hospital. Carlão fez de tudo no cinema, dirigiu mais de 20 filmes, foi ator, roteirista, produtor, compositor de trilha sonora, diretor de arte, câmera, diretor de fotografia e outras funções técnicas. Trampar com cinema nacional é isso mesmo, cara se fode, ganha pouco, mas aprende a fazer de tudo um pouco.
Em seu livro “Cinema da Boca – Dicionário de Diretores”, Alfredo Sternheim escreve o seguinte sobre Reichenbach: “De todos os diretores que passaram pelo cinema da boca, não há dúvida que Carlos Oscar Reichenbach Filho é o único que sobreviveu à sua extinção. E fez isso se mantendo coerente com a sua obra autoral, com a sua visão de mundo, que sempre procura externar em suas realizações. Gaúcho de Porto Alegre, nascido em 14 de junho de 1945, Carlão, como é carinhosamente chamado, aos dois anos de idade já morava em São Paulo. Sua aproximação com o cinema deu-se ainda na infância, através de Osvaldo Sampaio, o cineasta dos clássicos “A Estrada” e “O Preço da Vitória”, que era amigo de seu pai. Aos 21 anos, passou a estudar no primeiro curso de cinema da Escola Católica São Luiz. Entre seus professores, estavam Luis Sérgio Person e Roberto Santos. Com alguns de seus colegas de estudo, foi parar na Boca do Lixo. A sua estréia como diretor foi em 1968, realizando um dos três episódios de “As Libertinas”. Ao mesmo tempo, especializou-se também em fotografia de cinema. Nessa área, em cerca de 30 anos, assinou vários trabalhos para outros cineastas. Como diretor, a filmografia de Carlão oferece, além de alguns documentários curtos, 14 longas e alguns episódios para filmes de ficção. Várias de suas realizações foram premiadas, principalmente no Festival de Gramado. Neste certame, recebeu o Kikito de Ouro de melhor filme em 1987 por “Anjos do Arrabalde”, um ano depois de ganhar como melhor diretor por “Filme Demência”. No Festival de Brasília, em 1993, Carlão viu seu “Alma Corsária vencer como melhor filme e mais recentemente, em abril de 2005, levou um dos principais prêmios do Festival de Recife com “Bens Confiscados”. Sempre fraterno com os colegas de profissão, por volta de 1981 ele foi, na Boca, um dos sócio-fundadores da Embrapi, produtora em forma de cooperativa que reunia, entre outros, diretores e técnicos. De lá saíram cerca de oito longas em dois anos, em sua maioria de outros realizadores. No fim da década 1980, o cineasta e mais cinco diretores criaram a Casa da imagem, produtora que fez o seu episódio para “City Life”, produção idealizada por gente da Holanda, que reúne episódios de cineastas de diversos países. Em 2004 e 2005, Carlão também atuou como programador e animador cultural de uma sessão semanal no cinema de arte do Sesc, em São Paulo, onde resgatava filmes estrangeiros esquecidos ou marginalizados pela crítica.”
Conheci o Reichenbach de forma bem rápida em 2006 num festival em Santa Maria/RS onde estava acontecendo uma retrospectiva em Sessão Maldita, sempre à meia-noite, dos meus filmes e ele foi prestigiar. Cinema Brasileiro perde um cara fantástico, autor de inúmeros filmes bem divertidos. Embora ele seja mais respeitado por seus filmes mais recentes, sou um grande fã da obra dele dos anos 70 até meados dos anos 80. Filmaços como “Lilian M: Relatório Confidencial”, de longe meu preferido, até filmes como “A Ilha dos Prazeres Proibidos” e suas atuações lindas em filmes de José Mojica Marins, Sganzerla e outros diretores fodas do cinema marginal brasileiro. Assistam os filmes de Reichenbach e se divirtam com o estilo Boca do Lixo de ser.
“Undertaker” (2008, 6 min.) animação de Claudio Ellovitch.
Com autorização de José Mojica Marins, o animador Claudio Ellovitch realizou o curta “Undertaker”, de forte inspiração no visual expressionista (assim como a antiga série animada de Luiz Nazário, feita em 2001, e que vi os episódios “A Flor do Caos” e “Selenita Acusa!”, não fiquei sabendo de mais episódios foram produzidos depois), Claudio realizou uma ótima mistura entre o estilo de José Mojica marins filmar com o clássico alemão “Das Cabinet des Dr. Caligari” (“O Gabinete do Dr. Caligari”, 1919, de Robert Wiene) para contar a história do coveiro Zé do Caixão que revela horripilantes segredos (não deixe de assistir ao curta que pode ser visto no link abaixo).
Claudio Ellovitch se formou em comunicação social tendo a oportunidade de, em 2007, ter participado da pré-produção do longa “Encarnação do Demônio” de José Mojica Marins, onde ele pôde apresentar o projeto de “Undertaker” e receber a benção de Mojica. Este curta de Ellovitch chamou atenção e foi exibido em vários festivais de horror como RioFan, FantasPoa e Buenos Aires Rojo Sangre. Em 2008 Claudio também conheceu o quadrinista Eugênio Colonnese e, juntos, estavam trabalhando juntos num projeto live-action da personagem “O Morto do Pântano”, clássica criação de Colonnese nos anos de 1980, quando recebeu a notícia da morte do mestre dos quadrinhos. Mesmo sem Colonnese, Claudio continua trabalhando para trazer para o público este curta-metragem. Após o sucesso de “Undertaker” ele realizou alguns poucos trabalhos (a maioria são experimentações para testar técnicas que ele quer aplicar no filme do “O Morto do Pântano”) e abriu, em 2011, a loja de HQ “O Cara dos Quadrinhos” na galeria do rock em São Paulo. Atualmente ele se dedica à criação de sua primeira graphic novel, “Estranhos Palácios”.
Com um atraso incrível (as primeiras salas de exibição brasileiras surgiram em 1896 e as primeiras produções locais logo em seguida) num país sabidamente supersticioso e com um rico folclore, nossos primeiros filmes de terror e sobrenatural só apareceram durante os anos 1960, Assim sendo, a trajetória do gênero no Brasil se confunde com a de seu maior ícone: José Mojica Marins (1931). Paulista, neto de espanhóis, criado dentro de um pequeno cinema que seu pai gerenciava na Vila Anastácio, Lapa. Desde criança, se interessou por teatro, histórias em quadrinhos e principalmente cinema. Com a colaboração da família e amigos criou uma escola de atores/produtora mambembe e depois de rodar um faroeste nacional e um melodrama infantil criou o personagem Josefel Zanatas, mais conhecido como Zé do Caixão para o clássico “A Meia Noite Levarei a sua Alma” ( 1964). O próprio diretor/roteirista assumiu o papel do coveiro sádico em sua busca insana por uma mulher perfeita que lhe daria um filho superior e a imortalidade. Julgando ter encontrado a mulher ideal, Zé violenta a namorada virgem de um amigo seu. A garota desesperada se suicida, mas antes promete voltar dos mortos para buscá-lo. A figura sinistra de longas unhas, barba, cartola e capa preta iniciaria uma longa relação simbiótica entre criador-criatura/ator-personagem, que extrapolaria a mídia e criaria raízes no imaginário popular. “A Meia Noite Levarei a Sua Alma” dividiu a crítica da época, afinal a produção era recheada de blasfêmias, sexo, violência, filosofia de botequim, diálogos hilários e cenários de papelão. O terror e o trash nasceram juntos entre nós, e o público adorou. Estreando primeiro em São Paulo e depois no Rio de Janeiro, o filme foi um grande sucesso, mas por total falta de gerenciamento da produção, Mojica ficou sem nenhum centavo das bilheterias lotadas.
Em Belo Horizonte (MG), o veterinário Luiz Renato Brescia ( 1903-1988) realizador independente de pequenos documentários, também se aventurava em gêneros pouco comuns por aqui. Tentou rodar um Western em 1945 e sete anos depois produziu um Peplum (Épico romano) “Nos Tempos de Tibério César” com direção de seu filho Ettore. Com parcos recursos começou a rodar nos fins de semana, “Phobus, Ministro do Diabo” (1965), sobre um ser nascido com a missão de espalhar o mal sobre a terra. Realizado com um elenco de amadores, equipe técnica diminuta e contando com inúmeros “defeitos especiais” óticos desenvolvidos pelo próprio diretor, a obra só ficou pronta na década seguinte e recebeu um lançamento precário em 1974, encerrando a carreira de Brescia e lhe legando um status cult/trash digno de um Ed Wood nacional.
Após transferir seus modestos estúdios para uma sinagoga abandonada (e com fama de assombrada, um ótimo marketing!), Mojica entusiasmado com o sucesso de seu primeiro filme de terror, decide dar continuidade a história. Em “Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver” (1966), Zé do Caixão continua sua busca insana e com a ajuda de seu fiel criado, o corcunda Bruno rapta várias jovens e as submete a torturas que envolvem aranhas caranguejeiras e um poço com serpentes (exigindo realismo e poupando nos efeitos especiais, Mojica utilizou bichos de verdade, uma tortura verdadeira para o elenco feminino e técnicos). Atormentado pela culpa de ter assassinado uma mulher grávida, Zé sonha que é arrastado para um inferno gelado e a cores (o filme assim como o anterior era em p&b, com exceção desta seqüência antológica) e no fim acaba morrendo afogado e blasfemando. A rígida censura da época, já preocupada com as ousadias do diretor, o obrigou a realizar uma re-dublagem tosca mostrando o personagem amoral e agnóstico se convertendo no último instante. Promovido pela imprensa a superstar e paparicado pelos cineastas do movimento “Cinema Marginal” (Sganzerla, Reinchenbach e outros), José Mojica ganhou um programa na TV Bandeirantes: “Além, Muito Além do Além” (1967/1968) que tinha episódios de uma hora de duração com direção sua e tendo Zé do Caixão como mestre de cerimônias. O sucesso de audiência muito se deve as histórias escritas por Rubens Francisco Lucchetti (1934), autor de centenas de livros populares de bolso, histórias em quadrinhos e roteiros para cinema e TV. Baseado nas histórias de Lucchetti para o show, o produtor Antonio P. Galante (1934), astuto empresário da “Boca do Lixo”, investiu em um filme de episódios de terror. Mojica dirigiu “Pesadelo Macabro”, sobre catalepsia e enterro prematuro, enredo bastante influenciado pelo escritor americano Edgar Allan Poe (1809-1849). Ozualdo Candeias (1922) adaptou “O Acordo”, sobre um pacto com o capeta, e Luiz Sérgio Person (1936-1976) conduziu “A Procissão dos Mortos”aonde apareciam guerrilheiros fantasmas. Apesar do filme se chamar “Trilogia de Terror” (1967), as adaptações dos outros dois cineastas nada tinham de assustador, pendendo para o experimentalismo marginal e a crítica política (com um explícito chamamento às armas, numa época onde as esquerdas estavam abaladas pela morte do líder guerrilheiro Che Guevara). Mas Mojica gostou da fórmula de um filme em episódios e tocou a produção de “O Estranho Mundo De Zé do Caixão” (1968), que ele encomendara para R.F. Lucchetti antes ainda do programa televisivo. As três histórias macabras foram rodadas em apenas 17 dias, em cenários construídos na sinagoga. Em “O Fabricante de Bonecas”, marginais invadem a casa de um artesão para roubar e abusar de suas filhas e descobrem da pior forma como o velho conseguia olhos realistas para seus brinquedos; em “A Tara”, um pobre corcunda vendedor de balões é apaixonado por uma bela jovem e só consegue consumar sua paixão depois que ele morre; finalmente em “A Ideologia”, Mojica apresenta seu “novo” personagem, o Professor Oaxiac Odez, que desafiado em um programa de debates na TV a provar sua tese que o instinto supera a razão, tranca um casal em sua masmorra e os submete a torturas, humilhações e canibalismo, se o nome do professor era Zé do Caixão ao contrário, suas idéias e métodos são muito parecidos e até mais cruéis. “Trilogia do Terror” e “O Estranho Mundo De Zé do Caixão” estrearam em 1968 com uma infinidade de cortes exigidos pela censura.
O formato de longa com histórias curtas foi utilizado em 1969 em “Incrível, Fantástico, Extraordinário”, adaptação de um programa radiofônico muito popular nos anos 50/60. Realizado por Adolpho Chadler (1931), com o astro-cantor Cyll Farney (1925) num elenco que vivia 4 histórias populares de sobrenatural: “A Ajuda”, sobre um motorista que é avisado por uma mulher de um trágico acidente e ao salvar o filho dela descobre que ela já estava morta; “O Sonho”, com uma garota que pode prever mortes em sonhos, inclusive a sua; “A Volta”, onde uma viúva é atormentada pelo retrato do falecido e “O Coveiro”, sobre um ladrão de túmulos que recebe o castigo merecido.
Chadler voltaria com outra antologia “O Impossível Acontece” (1970), agora com roteiro e co-direção dos famosos Anselmo Duarte (1936) e Daniel Filho (1937) e os episódios fantásticos ”O Acidente”, “Eu, Ela e o Outro” e “O Reimplante” (com os hilários Tião Macalé & Wilza Carla) ao estilo do seriado americano “Além da Imaginação” (Twilight Zone) com um tempero nacional. Uma sátira ao gênero, com a brasileiríssima fórmula da Chanchada trouxe em 1969 “Um Sonho de Vampiros” de Iberê Cavalcante (1935), O humorista Ankito (1923) vive o Dr. Pan, um velho médico da pacata cidade de Paraíso Tropical que faz um pacto secreto com a Morte e acaba se transformando em um vampiro que ataca e transforma as principais autoridades de sua pequena cidade. Fugindo da infestação de vampiros, um jovem casal de namorados vive várias aventuras.
José Mojica apesar de ter se transformado em um artista multimídia (cinema, TV, histórias em quadrinhos, disco de carnaval, marca de cachaça e até uma linha de perfumes!) continuava não administrando sua carreira e estava falido. Com a ajuda de seus alunos, amigos do Cinema marginal e um providencial financiamento bancário, decidiu rodar um filme radical, misturando horror, violência urbana, drogas e metalinguagem seguindo a onda sessentista de filmes psicodélicos. “Ritual dos Sádicos” escrito por Lucchetti e dirigido por Mojica, contava como um psicólogo utilizava quatro cobaias humanas, fazendo-as ter alucinações envolvendo Zé do caixão através de injeções de LSD. Rodado e divulgado em 1969, foi totalmente barrado pela censura e só liberado em 1983, já com o título de “O Despertar da Besta”, tendo lançamento apenas em festivais e mostras especiais.
A década de 70 foi a mais promissora para o Horror brazuca, o movimento Udigrudi (Underground verde-amarelo, também conhecido como Cinema Marginal) e a emergente produção da chamada “Boca do Lixo” providenciaram o estufo “B” necessário. “Os Monstros de Babaloo” de Elyseu Visconti Cavallero (1939) e “A Possuída dos Mil Demônios” de Carlos Frederico (1945), ambos de 1970, são fantasias bizarras e simbólicas que tanto podem ser vistas como variações burlescas do terror, como alucinadas críticas a sociedade. O primeiro à sociedade burguesa com um humor negro pré John Waters nas desventuras de uma família grotesca em uma ilha; e o segundo à pobreza e ignorância de nossas favelas onde afloram superstições e loucura à lá Passolini.
“Fantasticon, Os Deuses do Sexo”, de 1971 é mais um filme em episódios. “A Curtição” de Teresa Trautman (1951) e “Os Últimos” e “Kelak, A Bruxa” de José Marreco (1946), possuem toques de psicodelia, ficção científica e sobrenatural, respectivamente, e narrativas experimentais, em uma produção de baixíssimo orçamento realizada pelo casal com equipamentos emprestados.
“O Macabro Dr. Scivano” (1971) de Raul calhado(1938) e Rosalvo caçador (?), mostrava como um político fracassado se envolvia com magia negra e em troca de riqueza e poder se transformava numa espécie de vampiro tupiniquim. No final, depois de reduzido a pó pela força de uma cruz, um psicólogo diagnostica que ele era apenas um paranóico (em um final copiado descaradamente de “Psicose” de Alfred Hithcock de 1960). Promovido na época como “O Primeiro filme brasileiro de Ficção Científica” (?!), era na verdade uma tentativa de imitar o terror de Mojica, inclusive com o ator e co-diretor Calhado fazendo aparições públicas caracterizado como o seu personagem.
O ítalo-brasileiro Raffaele Rossi (1938), escreveu, dirigiu e estrelou uma fábula de horror questionando a autoridade paterna e a negligência familiar intitulada “O Homem Lobo” (1971), onde um professor de uma cidade do interior descobre que seu filho adotivo, que fora criado longe dele sofre de licantropia , e nas noites de lua cheia se transforma em uma criatura que ataca as mulheres da região. Primeiro ele tenta encobrir os crimes assumiando a culpa e depois decide caçar e eliminar o lobisomem.
Rituais de magia negra e cultos jovens com líderes ao estilo do americano Charles Mason são o tópico de “O Guru Das Sete Cidades” (1972) de Carlos Binni (1940), sobre um casal de milionários em crise que se envolve com uma seita hippie que exige sacrifícios humanos. Outro casal se enreda com o capeta e seus seguidores em “O Diabo tem Mil Chifres” (1972) de Penna filho (1936). Recém casados, eles recebem uma carta de uma misteriosa “corrente” e logo aparece um artista plástico determinado a seduzir e levar a mulher. O marido recebe uma proposta do demônio para resolver toda a questão… A Licantropia, tema presente em inúmeros relatos de nosso folclore e certamente trazido da Europa por nossos colonizadores, retornou a tela em 1974 com “Lobisomem, O Demônio da Meia Noite”. A pobreza da produção, a edição caótica e os diálogos beirando o surrealismo marcam outro udigrudi típico de Eliseu Cavallero. Wilson Grey (1923-1993) em seu primeiro papel principal, é um milionário exêntrico, que mora em um chalé próximo a uma mata e que preside um culto de bebedores de sangue, se transformando em um lobisomem (que mais parece um vampiro), até ser exterminado por uma figura mística chamada Branca Justiça.
Já “Quem Tem Medo de Lobisomem?” de Reginaldo Faria (1938), do mesmo ano, brinca com o tema e coloca dois rapazes da cidade grande em busca de suas raìzes e da lenda do “lobisomem das sete encruzilhadas” e que acabam encontrando uma família do interior que parece asombrada por fantasmas e que tem seis filhas mulheres e um caçula que seria um homem lobo. Uma mistura confusa que seu diretor/ator definiu como “um filme de terror com bom humor”.
O suceso internacional do terror-católico “O Exorcista”, de 1973, levou o produtor Aníbal Massaini Netto (1945) a investir em um similar nacional : “Exorcismo Negro”(1974) de e com… José Mojica Marins. Na trama bolada por Lucchetti, o diretor Mojica descança na casa de campo de uma família tradicional e pacata (com um elenco Global da época) e acaba enfrentando uma bruxa (Wanda Kosmo), um filho do capeta e o próprio Zé do Caixão, que é convocado pela feiticeira para cobrar uma dívida infernal. Numa produção refinada e bem acabada para os padrões de Mojica, ele acabou representando uma auto-paródia, ao ser mostrado como um intelectual de muito sucesso. Numa jogada publicitária genial, o próprio Zé do Caixão improvisava comícios na frente dos cinemas que exibiam o filme gringo e anunciava “O diabo é nosso! O diabo brasileiro é melhor!”, conclamando o público a assistir sua versão.
Ainda em 1974 tivemos o surpreendente “O Anjo da Noite” de Walter Hugo Khoury (1929-2003), um drama de suspense e terror psicológico baseado em um fato verídico vivido por uma babá brasileira nos EUA (que também inspirou o americano John Carpenter a criar seu clássico “Halloween” em 1978). Na história, premiada no Festival de Cinema Fantástico e de Terror de Sitges (Espanha), uma jovem universitária (a linda e expressiva Selma Egrei) aceita cuidar de duas crianças durante uma noite em uma mansão isolada. Pouco a pouco ela é assustada por misteriosos telefonemas e por uma presença sinistra dentro da casa. Uma pequena obra prima densa e perturbadora. O argentino Carlos Hugo Christensen (1914-1999) também fez uso do telefone como instrumento torturador em “Enigma para Demônios” (1975), baseado no conto de Carlos Drumond de Andrade “Flor, Telefone, Moça”. Monique Lafond vive uma mulher que após perder seu filho, volta para a casa da família. Depois de retirar uma rosa depositada em um túmulo, passa a ser aterrorizada por contínuos telefonemas, em que uma voz pergunta “onde está a rosa que você tirou da minha sepultura?”. Ela refugia-se em um sítio onde não há telefone, mas outros fatos misteriosos parecem confirmar uma trama sobrenatural. Christensen voltaria ao suspense fantástico com “A Mulher do Desejo” (1976) baseado em idéias do escritor Nathaniel Hawthorne sobre a sobrevivência do espírito e com diálogos precisos de Orígenes Lessa. Recém casados vão morar em um casarão do sec.XVIII e o homem parece possuído pelo fantasma de seu tio, adquirindo até algumas características físicas do morto, o que obriga sua esposa a procurar um exorcista. Foi filmado sob o título de “A Casa das Sombras”, utilizando atores amadores e a arquitetura peculiar de Minas Gerais. “Seduzidas pelo Demônio”(1975) foi a volta de Raffaele Rossi (que faria fortuna anos depois ao iniciar o ciclo de sexo explícito com seu “Coisas Eróticas”) ao terror misturado com conflitos familiares tendo como pano de fundo o tema da moda, a possessão diabólica. Um universitário é possuido espírito do mal e provoca a morte de várias mulheres. Seu pai adotivo vem em seu auxílio e descobre que ele fora resgatado quando criança de um grupo de adoradores do diabo. O conflito final entre os dois é inevitável, assim como o uso de uma cruz como arma contra o Tinhoso…
Uma livre adaptação da história policial “O Caso dos Dez Negrinhos” da escritora Agatha Christie, gerou o suspense “O Signo de Escorpião” de Carlos Coimbra (1928). Um grupo de doze pessoas é covidado por um famoso astrólogo a visitar sua ilha e passam a ser assassinados um a um, de acordo com seus signos do Zodíaco. Em meio a um elenco de atores conhecidos, a presença sinistra de Wanda Kosmo; da gostosinha Kate Lyra e do famoso na época , astrólogo televisivo Omar Cardoso. A participação especial de Cardoso era um Gimmick para atrair telespectadores e dar uma certa credibilidade a história envolvendo o horóscopo, mas ele ficou parecendo uma versão tupiniquim de Criswell nos filmes Ed Wood Jr.
O discípulo de Mojica, Marcelo Motta (1952), dirigiu seu mestre em “A Estranha Hospedaria dos Prazeres” (1976), sobre uma pousada mal-assombrada, que seria uma espécie de purgatório gerenciado pela própria morte (Mojica, trocando a cartola por um chapéu-côco). Em uma noite de tempestade, casais adúlteros, malandros, criminosos e um grupo de engraçados hippies motoqueiros acabam se refugiando no local e encontrando a danação eterna. A pobreza e o amadorismo da produção (Mojica enfrentava sérissimos problemas financeiros e pessoais) se repetiram em “Inferno Carnal” (1976), uma refilmagem de um episódio televisivo de sua série de 1969. Tentando acertar com um terror mais tradicional, Mojica acabou fazendo um Trash muito parecido com os melodramas sobrenaturais mexicanos dos anos 60, com uma história clichê de um cientista traído e deformado que se vinga da esposa e sócio adúlteros. Um dos acertos do filme foi a escalação da linda Helena Ramos (1955), a futura “Rainha do cinema erótico brasileiro” no papel de uma garota sexy, mas ingênua protegida pelo cientista atormentado.
“Excitação” (1976), de Jean Garret (José Antônio N.G. Silva, 1947-1996, português de nascimento), por detrás de mais um título com chamariz sexual, é uma mistura de macumba, reencarnação e fenômenos parapsicológicos. Uma mulher (Kate Hansen) vai morar em uma casa de praia para se recuperar de uma crise nervosa, passando a ter visões com um suicida e enlouquecendo quando aparelhos eletrodomésticos passam a funcionar sózinhos e a ameaçam. A produção paulista “A Virgem da Colina”(1977), de Celso Falcão (?) chegou a ser lançada nos Estados Unidos com o título de “The Ring of Evil”, contando o caso de um anel que pertencera a uma prostituta com poderes sobrenaturais e que divide a personalidade de uma jovem noiva (Cristina Amaral) e acaba deformando seu rosto obrigando-a a usar uma máscara.
Um curioso mix de subgêneros surgiu no argumento criado pelo produtor Antônio P. Galante (1934) para “Escola Penal de Meninas Violentadas” (1977) de Antonio Meliande (1945): Garotas marginais são recolhidas para uma escola penal dirigida por um grupo de freiras. Um cadáver encontrado nas redondezas trás a tona uma série de crimes e torturas ocorridas no local. Um policial veterano descobre que a tirânica madre superiora é na verdade uma psicopata fugitiva que assassinara e tomara o lugar da religiosa, transformando a instituição num lugar infernal. Um carcereiro brutamontes e mudo, uma freira possuída pelo diabo, detentas com pouca (ou nenhuma ) roupa e a presença dos ótimos Sergio Hingst e Zilda Mayo e de uma muito jovem Nicole Puzzi no elenco, completam o coquetel.
O prolífico diretor-produtor Fauzi Mansur (1941) flertou com o gênero a primeira vez com “Belas e Corrompidas” (1977), sobre uma psicopata (Maria Izabel de Lizandra) que se diverte seduzindo homens para depois assassina-los de maneiras variadas, sempre com a ajuda de sua fiel assistente corcunda Tula (contrapartida feminina do personagem clichê “Ygor”) num suspense erótico que tinha o saudável sub-título de “Sexta-Feira as Bruxas Ficam Nuas”.
Inspirados por manchetes sensacionalistas sobre um gênero de filmes onde atores desavisados seriam mortos em frente às câmeras, Claudio Cunha e Carlos Reichenbach escreveram “Snuff – Vítimas do Prazer” (1977) dirigido por Cunha, onde uma dupla de produtores de filmes pornográficos americanos aporta em nosso país em busca de equipe e principalmente elenco feminino para ser assassinado.
A atriz Rosângela Maldonado (1928), fã de Mojica, procurou seguir seus passos. Primeiro escreveu, produziu, musicou e atuou sob a direção dele, a comédia erótica de cunho fantástico “A Mulher que põe a Pomba no Ar” (1977) sobre uma cientista traída que cria mulheres-pombas para se vingar dos homens. A maquiagem das mutantes consistia em braços com penas, asas coladas nas costas e esquisitos capacetes com bicos. O filme foi um fracasso total, mal sendo distribuido. Obstinada, ela em seguida escreveu, produziu, dirigiu, fez a cenografia, maquiagem, figurino e (ufa!) atuou em “A Deusa de Mármore – Escrava do Diabo” (1977). Uma mulher misteriosa (Maldonado) com 2000 anos de idade, conserva a juventude atravéz de um pacto com o demônio, em troca de um fluido mágico ela extrai a alma de homens durante o ato sexual, sendo constantemente cobrada pelo enviado do capeta “seu Sete Encruzilhada” (Mojica). A mistura de terror com pornochanchada teve uma mãozinha de Mojica na direção, auxiliando sua discipula atrapalhada com as múltiplas funções. Em destaque na produção mambembe, os créditos de abertura desenhados de forma arrojada pelo artísta plástico Akira Murayama, que também faz uma ponta no filme. Segundo Horácio Higuchi, Mojica estava desapontado com a aluna: “…ela queria que eu fissesse uma espécie de diabo-gay, porque no meu inferno só tinha Homem. Eu reclamei e disse pra ela que meu personagem tinha que ter pelo menos uma assistente mulher. Ela colocou quatro diabas, mas todos os pecadores no inferno eram homens! Que porra de diabo era este, um diabo que só gosta de torturar homens?”.
O filipino Juan Bajon (1948) fez sua estréia escrevendo e dirigindo o policial de suspense “O Estripador de Mulheres” (1978), sobre um assassino psicopata procurado pela polícia e pela imprensa e que acaba condenando injustamente um funcionário de um frigorífico. No elenco, além do ótimo Ewerton de Castro, a linda gaúcha Aldine Müller (1953), que também estrelaria o primeiro filme de outro oriental radicado por aqui, o chinês John Doo (Chien Lun Tun, 1942). Trabalhando no cinema paulista desde os anos 60, em diversas atividades, Doo passou a escrever e dirigir quase sempre misturando erotismo com elementos fantásticos, revelando uma criatividade acima da média da produção da época. Em “Ninfas Diabólicas” (1978) ele coloca Úrsula (Aldine Müller) e Circe (Patricia Scalvi), duas jovens e belas estudantes que pegam uma carona com o bem comportado Rodrigo (Sérgio Hingst-1924-) e após serem levadas para uma casa na praia se revelam assustadoramente sedutoras e perigosas.
A nova incursão de Walter Hugo Khouri no terreno fantástico também é acima da média: “As Filhas do Fogo” (1978), com produção requintada, atriz estrangeira (a bela italiana Paola Morra) e roteiro intelectualizado. Numa mansão na serra gaúcha, duas amigas, após uma experiência com uma vizinha parapsicóloga, passam por estranhas situações com vozes de espíritos angustiados, estranhos rituais e um final onde a casa parece ser devorada pela vegetação local.
Absolutamente sem dinheiro para fazer um novo longa metragem, José Mojica Marins filma 30 minutos de um drama, onde um psiquiatra é atormentado por pesadelos onde Zé do Caixão quer roubar sua esposa. Completa os outros 56 minutos com cenas extraídas de quatro filmes seus anteriores, principalmente as que conseguira liberar da censura e tem pronto “Delírios de um Anormal” (1978), um calendoscópio de alucinações repetitivas… demencialmente trash!
O dublê de crítico e cineasta Alfredo Sternheim (1942), escreveu e dirigiu suspense erótico “A Mulher Desejada” (1978) baseado em uma epígrafe de Edgar Allan Poe. Kate Hansen vive uma estrela de TV em crise que procura refúgio em uma casa de campo de uma amiga. Lá se envolve com Waldo (Eduardo Tornaghi) filho da caseira e acaba descobrindo que mãe e filho não são nada normais, o que a leva para um pesadelo que pode ou não ser real…
Já “A Força dos Sentidos” (1979) de Jean Garret, apresenta um clima fantástico-fantasmagórico recheado de erotismo e a presença mágica de Aldine Müller ao acompanhar um escritor que vai para uma pequena praia para escrever um romance. Lá sente-se atraído por uma bela jovem surdo-muda (Aldine) e descobre um estranho ritual dos moradores locais que envolve um defunto que aparece na praia todas as noites e é levado de volta para o mar em procissão. A inspiração vem da frase de H.P. Lovecraft que abre o filme “Não está morto aquele que pode jazer, e após a eternidade até mesmo a morte pode morrer”.
Mojica em uma fase mais “realista” tivera a idéia de um filme chamado “Estupro”, sobre um industrial milionário chamado Vitorio Palestrina (Mojica!), sádico que gosta de humilhar e torturas suas conquistas (Pete Tombs, em “Mondo Macabro”, diz que Palestrina é o que Zé do Caixão seria se ganhasse na loteria). Um dia ele estupra uma jovem e lhe arranca um mamilo a dentadas. Passa então a exibir o bico do seio guardado em um vidro como um troféu. Assim como Zé, Palestrina procura uma companheira perfeita, amoral como ele. Conhece a bela Vitória (Arlete Moreira) e se apaixona, mas durante o ato sexual ela lhe arranca os testículos, revelando ser a irmã da garota que ele mutilou. Este melodrama gore acabou sendo exibido no Festival de Cinema Fantástico de Sitges (Espanha) e foi lançado no Brasil com um título mais ameno “Perversão” (1979), exigência da censura.
Elogiado pela crítica e com sucesso de público graças a “Ninfas Diabólicas”, John Doo planeja uma segunda parte para o filme, mas aceita conduzir uma produção mais cara, com elenco orindo das telenovelas. “Uma Estranha História de Amor” (1979) com Nei Latorraca e Selma Egrei, aonde a paixão trágica de um casal sobrevive a morte, reencarnações e graças aos poderes de uma menina vidente acaba influenciando outros amantes. De volta ao sistema independente da Boca do Lixo, Doo dirige “Ninfas Insaciáveis” (1979), policial-erótico com Zilda Mayo e Alvamar Taddei e toques fantásticos; e segmentos eróticos-sobrenaturais para “A Noite das Taras” (1980), episódio ”A Carta”; “Aqui Tarados” (1980) o gore e irônico “O Pasteleiro” (onde também atua dirigido por David Cardoso); ”Delírios Eróticos” (1981), episódio “Amor por Telepatia” e “Pornô” (1981), o exelente “O Gafanhoto”. Prolífico e criativo, John Doo ainda foi ator várias vezes e escreveu e dirigiu o terror “Excitação Diabólica” (1981), com Wanda Kosmos (a bruxa oficial do cinema nacional) como uma prostituta com poderes sobrenaturais. Maltratada por três motoqueiros metidos a machões, ela se transforma na mulher dos sonhos de cada um deles (Aldine Müller, Zaira Bueno e Silvia Gless), levando-os a loucura e a morte.
A dupla Luiz Castillini (1944) e Cláudio Cunha (1946), especialistas em sacanagem, realizaram em 1982 uma pretenciosa adaptação de um conto de Boccagio, que se chamou “A Reencarnação do Sexo”, mas a história do espectro de uma bela mulher (Patricia Scalvi) dominado pela vontade da cabeça decepada de seu amante que exige vingança, é na verdade uma cópia erótica do argumento do clássico da Hammer Films inglesa “Frankenstein Criou a Mulher” de 1966.
“Fantasias Sexuais”(1982) seria mais um filme erótico em episódios rotineiro, mas Juan Bajon ousou e no segmento “Os Caronistas” , três jovens são perseguidos por um psicopata tarado, e em “A Mulher Abelha”, a perturbada personagem título, ameaça suicídio e atraí homens atenciosos que acabam sendo consumidos sexualmente por ela até a morte.
O carioca Ivan Cardoso (1952), fotógrafo, superoitista e cinéfilo inveterado, driblou todas as dificuldades para realizar de forma independente sua homenagem-paródia aos clássicos de terror da Universal/Hammer, com roteiro de R.F.Lucchetti, “O Segredo da Múmia” (1982), onde o cientista louco brasileiro Expedito Vitus (Wilson Grey) descobre um soro da vida e ressucita uma múmia egípcia para ajuda-lo em uma vingança pessoal. Perfeito em sua combinação de terror com chanchada, sacanagem e deboche tem seu ponto alto no elenco recheado de atores famosos, mulheres maravilhosas, participações especiais (até José Mojica faz uma ponta no começo da história), amigos pessoais de Ivan e estreantes de muito talento, como o advogado Felipe Falcão no papel do alucinado assistente Igor. O filme, com uma ajuda da Embrafilme na pós produção e distribuição, foi um sucesso de público e crítica e inaugurou um gênero apelidado de “Terrir”.
Nesta época, o terror era uma moda internacional e a tônica da produção brasileira era calcar nos modelos e clichês americanos com doses generosas de nudez e sexo para ajudar nas bilheterias. “Shock” (1982) de Jair Correa (1956), com as belas Aldine Müller, Claudia Alencar e Mayara Magri, era uma tentativa de realizar um suspense ao estilo “Slasher” com um maníaco (metido a bateirista!) eliminando jovens após uma festa em uma mansão isolada. No erótico “Banquete das Taras” (1982) de Carlos Alberto Almeida (1942), um jovem escultor recebe uma visita da Transilvânia com uma missão: sossegar seu antepassado o Conde (Drácula?!) no sepulcro a mais de 500 anos, fazendo sexo e sacrificando quatro mulheres durante quatro noites. Já no “Banquete das Taras” (1982) de Julius Belvedere (?), um grupo de estudantes que se dedica a pesquisas com o sobrenatural, acaba invocando o espírito do Marquês de Sade, que possuí um deles e transforma tudo em uma orgia de sexo e violência até a intervenção de um espírito do bem que termina com a festa.
Filho de um lendário documentarista francês radicado no Brasil, Jean-Pierre Manzon se aventurou uma única vez em um filme ficcional, numa produção bem cuidada, elenco de primeira (Emílio de Biasi, Aldine Müller, Ênio Gonçalves, Selma Egrei), música original e roteiro nem tanto. “Força Estranha” (1983) reconta a velha história do casal de amantes que planeja enlouquecer a mulher dele, no caso uma jornalista, que passa a ter esquisitas aluninações com uma mulher morta e um casarão antigo. No “final surpresa” ela parece genuinamente possuída e mata os traidores afogados em uma piscina. O filme acabou sendo relançado com o título mais comercial de “Estranhos Prazeres de Uma Mulher Casada”.
Significante e premonitória é a premiação no II Festival Fotóptica de São Paulo do filme gaúcho “Beijo Ardente/Overdose” (1984) de Flávia Moraes e Hélio Alvarez, onde um vampiro entediado da vida eterna (o italiano Andrea L’Abate), auxiliado por seu mordomo sinistro (o hilário Antônio Carlos Falcão), procura um meio alternativo de saciar sua entediante necessidade de sangue humano. Divertido e melancólico, foi rodado em vídeo (Betacam), antevendo uma tendência que quase dez anos depois seria uma forma de manter o cinema macabro em ação.
Com o domínio dos filmes pornôs importados ocupando cada sala de cinema do país, centenas de similares nacionais começaram a emergir rapidamente da Boca do Lixo, e mesmo produções apenas eróticas passaram a ser remontadas sofrendo inserts de cenas hardcore (como um filme de John Doo que acabou virando “A mansão do Sexo Explícito” (1984) e foi assinada por seu diretor de fotografia, Henrique Borges). “As Taras do Mini-Vampiro” (1984) de José Adalto Cardoso, colocou o anão Chumbinho (figura onipresente no gênero) como o personagem título, atacando casais em pleno ato sexual no interior de São Paulo, provocando confusões em vez de terror e sendo perseguido por um subnutrido caçador de vampiros. O esperto Fauzi Mansur assina como Victor Triunfo “A Seita do Sexo Profano” (1985), pornô-terror sobre uma mulher que se envolve com os praticantes de uma seita satânica. “Arrepios – O Monstro do Sexo” (1986) de Sylas Bueno e Carlos Nascimento, se servia da fórmula de terror em episódios para mostrar talvez que os maiores “monstros” nacionais foram algumas atrizes da Boca do Lixo, já que elas rivalizavam em feiúra com o mutante-aranha e o monstro da caverna (com máscara e luvas de latéx de carnaval) deste trash absurdo que foi relançado em vídeo em 1992 com o título de “Aberrações”.
O ator/diretor/produtor/roteirista Francisco Cavalcanti rodou “A Hora do Medo” (1986) como um terror-pornográfico sobre um psicopata que com a ajuda da mãe, estupra, mata e esconde os corpos de mulheres no fundo da antiga casa em que moram. Decidido a abocanhar a moda de filmes de terror da época (chamada por aqui de “Espantomania”) pediu ajuda para José Mojica Marins para subtituir as cenas de putaria explícita por mais sangue e horror. O veterano mestre nacional, aproveitou e exagerou, sendo que seus 13 minutos de gore demencial destoam completamente do resto deste sub-Psicose terceiromundista.
Caminho inverso seguiu Ivan Cardoso em seu segundo Terrir, agora o deboche respeitoso do diretor com os clichês do gênero resultaram em uma pornochanchada noir-musical-macabra chamada “As Sete Vampiras” (1986). Uma espécie de “fantasma do cabaré” assombra o Rio de Janeiro dos anos 50, com direito a mortíferas plantas carnívoras, cientistas loucos, vampiras de mentira, mulhers gostosas nuas de verdade, detetives babacas e figuras icônicas como o Fu-Manchu de Wilson Grey. Tudo com muitas citações ao gênero, reconstituição de época e elenco classe A em um grande e afinado besteirol de sucesso.
Mais de dezesseis anos depois de ser proibido, Mojica conseguiu liberar sem cortes seu “Ritual de Sádicos”, agora “O Despertar da Besta” que foi exibido no Rio Cine Festival onde recebeu o prêmio de Melhor Ator e R.F.Luchetti o de melhor roteiro pela obra.
John Doo conseguiu em seu último esforço autoral, um co-financiamento com a então agonizante Embrafilme para terminar seu “Presença de Marisa” (1986/1988) com Joel Barcelos e Claudia Magno, um melodrama sobre crise existencial, feitiçaria e fenômenos paranormais, ou seja, seus assuntos favoritos. Apesar de um prêmio no Festival de Cinema de Brasília (melhor atriz para Claudia Magno) daquele ano, o filme ficou praticamente sem lançamento e Doo passou a trabalhar apenas como técnico ou ator eventual. O canto de cisne, ou melhor de corvo, para uma década…
Os anos 90 nos trouxeram o “presidente-bandido” Fernando Collor e uma pá de cal no que restava do cinema nacional. Mas dois fenômenos trariam o cinema macabro de volta da tumba: A internacionalização de nossos representantes, José (agora “Coffin Joe”) Mojica Marins e Ivan (“The Terror”) Cardoso lançados em VHS nos Estados Unidos e o nascimento de uma nova geração, a dos videomakers, jovens cheios de referências via Histórias em quadrinhos, TV e vídeo cassete.
Fauzi Mansur realizou, com vistas no mercado internacional, “Atração Satânica” (Satanic Atraction) em 1990. Uma série de assassinatos em uma cidade do litoral são motivados por um casal de gêmeos que haviam sido criados por uma seita demoníaca. Um bom Splatter com produção convincente e elenco correto, que só pecou por um roteiro previsível e por sua hilária dublagem em um inglês “caipirônico”, apesar de exibido em mais de dez países (incluindo EUA, Itália e Alemanha) foi ignorado por aqui, graças a uma péssima distribuição. Mesmo assim, Mansur realizou “Ritual Macabro” (Ritual of Death, 1991) rodado em São Paulo e lançado no exterior com elogios da crítica especializada, mas que continua inédito no Brasil. Um grupo de teatro, durante ensaios sofre diversas mortes sangrentas, provocadas aparentemente pelo espectro de um pastor psicopata ao estilo Jim Jones que possuí o corpo de um ator/roteirista após ele consultar um antigo livro amaldiçoado para escrever uma peça de terror. Destaque para uma cena de sexo sangrenta em uma banheira, envolvendo um casal e uma… cabeça de bode decepada!
Com a impossibilidade técnica e financeira de realizarem obras em película, uma série de novos diretores/produtores passaram a utilizar suas câmeras caseiras de vídeo amigos, parentes e vizinhos como equipe técnica e elenco e filmes de terror trash pipocaram por todo o país. Em Recife, o camelô alagoano Simão Martiniano (1931) realiza “A Rede Maldita” (1992) uma história de suspense sobrenatural sobre um fazendeiro que rouba uma botija cheia de dinheiro achada por um pobre agricultor, sem saber que a fortuna é amaldiçoada e provoca a vingança da alma do dono que não consegue descançar. A fita, assim como toda a produção caseira de Martiniano é comercializada diretamente em sua barraca em um camelódromo, em meio a velhos discos de vinil. No Espírito Santo Seu Manoelzinho, um pedreiro, realiza longas em VHS como “O Espantalho Assassino” e “O Aluguel Assombroso”, onde o amadorismo das produções é levado às últimas conseqüências.
Petter Baiestorf & Seu Manoelzinho.
Na pequena cidade de Palmitos, oeste de Santa Catarina, um jovem sócio de uma locadora de vídeo, Petter Baiestorf (1974), reune alguns amigos e com parcos recursos e uma câmera emprestada, roda “Criaturas Hediondas” (1993), uma ficção científica de terror-trash sobre um cientista marciano transloucado que quer invadir a terra. ”Criaturas Hediondas II” (1994) mostra o dia seguinte a invasão, com óbvias influências de Ed Wood Jr., Roger Corman, seriados japoneses e filmes splatter como “O Massacre da Serra Elétrica” (1974). Inventando (assim como Martiniano) seus próprios efeitos especiais e recursos técnicos e descobrindo atores amadores com a cara do gênero, Baiestorf e sua Canibal Produções passam a regurgitar centenas de informações da cultura pop (com um grosso caldo de transgressão e deboche), tomando de assalto o circuito nacional underground de bandas de rock e fanzines. Uma onda de modismo pelos trash-movies e o aparecimento da primeira convenção nacional de horror em São Paulo aceleraram o movimento do chamado Cinema-de-Garagem. Contando com uma equipe mais numerosa e aprimorando autodidaticamente sua técnica, Baiestorf lança “O Monstro Legume do Espaço” (1995) com as desventuras de uma criatura alienígena (Loures Jahnke) de origem vegetal e ímpetos filosóficos que é aprisionada por um cientista tupiniquim e seu assistente coprófago Caquinha (o maquiador Leomar Wazlawick). Mesmo sem um circuito de exibição e distribuição, o vídeo virou mania, influenciando novos realizadores encantados com seu clima trash escatológico.
Em São Paulo, Diomédio Piskator adapta uma história em quadrinhos do grande desenhista Júlio Shimamoto numa produção independente em 35mm chamada “Urubuzão Humano” (1996), sobre um médico que depois de ingerir carne humana morta para sobreviver a um acidente aéreo na selva, sofre mutações e se transforma em uma criatura que come cadáveres em cemitérios. A iniciativa ousada encontra o eterno problema brasileiro de finalização e distribuição e jamais é lançada comercialmente.
Influenciado pela história verídica de dois irmãos canibais necrófilos que aterrorizaram o interior do Rio de Janeiro em 1995, Petter Baiestorf concebe “Eles Comem Sua Carne” (1996), onde um grupo de amigos antropófagos, isolados da civilização, tentam viver em harmonia enquanto caçam fiscais da prefeitura e estranhos incautos para servir em um banquete de casamento. Procurando misturar ainda mais os gêneros (marca de sua produção futura), Petter Baiestorf lança “Caquinha Superstar A-Go-Go: The Gore Horror Picture Show” (1996), uma tentativa de comédia musical escatológica desenvolvendo o personagem cult aparecido em “O Monstro Legume do Espaço”. Agora o pavoroso Caquinha (E.B.Toniolli) vive feliz ao lado de sua amada Lena, que aplaca seus instintos doentios. Quando ela é atacada por uma dupla de caçadores caipiras, o retardado coprófago se vê sozinho em um mundo com criaturas tão estranhas quanto ele. Contrastando com detalhes de seu lançamento, como trilha sonora original lançada em Cd, o longa rodado as pressas em apenas um fim de semana ficou abaixo das expectativas.
Mojica, que já ganhara até um clone: Antônio Firmino, o “Toninho do Diabo” (criador & criatura nos curtas “O Caçador de Almas” e “O Caçador de Falsos Profetas”) aderiu a nova “boca do lixo eletrônica”. Dirigido por Andrea Pasquini atuou em “Contos de Horror – A Filha do Pavor”(1997), em dois papéis, como um padre e como o narrador “O Cavaleiro do Medo”, da história de uma mulher estuprada e morta que volta para se vingar. O vídeo faria parte de uma pretensa série de vinte episódios realizados para a tv, mas apenas este exemplar seria lançado anos mais tarde para o mercado de videolocadoras. Outra ponta de Mojica seria no decepcionante “Babu – A Vingança Maldita” (1997) de César Nero, sobre um líder de uma seita de adoradores do diabo que é assassinado para retornar com estranhos poderes.
“Blerghhh” (1996/97) de Petter Baiestorf, contando com grande equipe/elenco e efeitos especiais mais elaborados, trás um grupo de terroristas atrapalhados que seqüestram o filho de um milionário e sua sexy guarda costas e provocam uma série de incidentes que envolvem sexo, drogas, violência gratuita e um morto vivo (o primeiro da filmografia nacional) que se recusa a morrer mesmo quando tem a cabeça decepada. Mesmo tendo sua exibição pública proibida na terceira edição da Horrorcon (mesma convenção que ajudou a Canibal a ser conhecida nacionalmente) e uma edição deficiente, o vídeo obteve ótima repercussão. A chamada “fase 1998” da produtora catarinense seria marcada pela transgressão, deboche e sexualidade exacerbada. “S.B.A.F. – Sacanagens Bestiais dos Arcanjos Fálicos” (1998) começou a ser rodado como um vídeo pornô sobre um psiquiatra estudando as taras de dois pacientes, mas acabou se transformando numa mistura (indigesta para grande parte do público) de violência com sexo explícito. Já “Gore Gore Gays”, do mesmo ano, tinha como protagonistas um casal de bissexuais apaixonados e perturbados (vividos pelos realizadores Baiestorf e Coffin Souza) que embarcam em uma viagem de auto-conhecimento, mutilações e assassinados violentos. Novamente a fórmula sexo explícito + deboche + gore saí pela culatra e os produtores se vêem à beira da falência.
O rockeiro e videomaker do interior paulista Cleiner Micceno, depois de vários curtas metragens divertidos, consegue finalizar “Dominium” (1999) sobre uma invasão de mortos vivos demoníacos que traz o apocalipse sobre a terra. Zumbis também seriam o tema de “Zombio” (1999) de Petter Baiestorf, um média metragem inspirado nos filmes do italiano Lucio Fulci, com um casal em uma ilha que seria paradisíaca se não fossem um psicopata travestido e uma sacerdotiza que acorda uma legião de mortos apodrecidos famintos por carne humana.
Assim, como a praga de zumbis se alastra nos filmes impregnando inocentes transformando-os em criaturas malignas, o vírus do “faça-você-mesmo-e –se –divirta” vai tomando conta do sul do país.
Do interior gaúcho surge “Soul Crusher 2 – O Retorno do Homem Coisa” (1999) do jovem videomaníaco Cristian Verardi, um média da produtora Toque de Muerto, com influências de “Evil Dead” (1984), Spaghetti Westerns, filmes orientais, Troma Films e Canibal Filmes, com uma criatura deformada e sanguinária que procura um livro maldito (que teria sido roubado na imaginária parte 1) por ordens de um lendário demônio chamado Amazarel de Nicodemus. De Chapecó, SC, Fabiano Boni conta a origem de seu personagem Boni Coveiro (calcado nitidamente em Zé do Caixão) em “O Mensageiro das Trevas” (2000), onde o psicopata satanista se diverte matando inicentes escoteiros. Carlos Barbosa, no interior do Rio Grande do Sul, é assolada por um assassino mascarado em “Entrei em Pânico ao Saber o que Vocês Fizeram na Sexta-Feira 13 do Verão Passado” (2001) de Felipe M.Guerra, uma divertida homenagem satírica aos filmes de terror adolescente dos anos 90 (principalmente a série “Pânico”de Wes Craven). Boni Coveiro retorna dos mortos para se revelar “O Guardião do Inferno” (2001) dirigido e vivido novamente por Fabiano Boni, com participações especiais de Toninho do Diabo, do músico Wander Wildner e de outras personalidades sulinas.
Petter Baiestorf retoma suas atividades e filma “Raiva” (2001), uma mescla de filmes de ação (satirizando Quentin Tarantino) com terror gore, nas atividades de um bando de criminosos que são pegos de surpresa por colonos contaminados por uma droga (testada pelo governo) que libera seus instintos assassinos. Na frente da câmera, praticamente o mesmo grupo de atores/colaboradores que acompanha a Canibal Filmes a anos, por trás muito mais cuidado com a técnica e o amadurecimento da linguagem cinematográfica.
O pioneiro do gore americano H.G.Lewis (2000 Maniacs), Troma & Canibal Filmes foram a influência para um grupo de paulistas capitaniados por Fernando Rick ao realizarem o trash debochado “Rubão – O Canibal” (2002) e inserirem sua produtora, a Black Vomit Filmes, no circuito de bares e shows de metal, principal reduto de culto a toda esta produção de terror em VHS. A mesma trupe foi (i)responsável pelo primeiro terror-trash lançado em formato digital (DVD) por aqui: “Feto Morto” (2003), sobre um nerd (Rui Villani) que tem um feto grudado em sua cabeça (resultado de uma relação incestuosa de seu pai) e é hostilizado por uma gang. Escatologia, sexo e gore no que Fernando Rick chama de “estilo Troma de ser”.
Juntando a suas influências básicas, sua admiração pelo grupo de humor britânico Monty Python, Petter Baiestorf realiza o pastelão de terror “Cerveja Atômica” (2003), onde um cientista punk desenvolve a fórmula da bebida mortal que transforma bêbados em zumbis alucinados e desperta a fúria da avó de Chapéuzinho Vermelho (!?) e suas colegas de chá da tarde, que armadas e perigosas resolvem se vingar.
O cenário de produção desta época começa a mudar, já não existe mais espaço para a divulgação dos vídeos toscos em VHS, os computadores caseiros passaram a substituir as prosáicas mesas de edição linear e o cinema profissional brasileiro começava a se reerguer. Curtas de horror com qualidade técnica e artística (como “Amor só de Mãe” de Denninson Ramalho; ”Sózinho”de André ZP; “Conrad : Bruxaria, Pajelança & Canibalismo” de Luciano Maciel e “Coleção de Humanos Mortos” de Fernando Rick) conseguem espaço e até reconhecimento internacional, apontando novos caminhos para o cinema fantástico nacional.
Ivan Cardoso, ausente das telas por anos, perseguindo orçamentos a altura de suas produções, consegue apoio da Diler Associados e contrata o astro de terror espanhol Paul Naschy (Jacinto Molina) para seu aguardado “Um Lobisomem na Amazônia” (ex-“Amazônia Misteriosa”) em 2005. A interferêcia dos produtores acostumados com produções de cunho televisivo-cinematográfico (leia-se Xuxa/Globo) amenizam muito suas pretenções de uma história envolvendo o personagem clássico Dr.Moreau (baseado em H.G.Wells), guerreiras Amazonas e um lobisomem latino. Remontando material antigo seu (principalmente “O Lago Maldito”de 1977, inacabado e embrião do “Segredo da Múmia”) com cine-jornais antigos e cenas novas cria depois uma obra muito superior,mas pouco vista, chamada “O Sarcófago Macabro” onde um agente americano da CIA (Carlo Mossy) descobre um dossiê sobre um cientista louco brasileiro (Expeditus Vitus, leia-se Wilson Grey, morto em 1993) que colabora com os nazistas e trás para o brasil diversos carrascos da SS, inclusive o próprio Adolf Hitler, como múmias.
Enquanto o paulista Rubens Mello divulga seu média “Lâmia, Vampiro!” (2005), sobre a ressurreição da matriarca dos sanguessugas para evitar o apocalipse planejado por seus rebentos, Petter Baiestorf planeja uma refilmagem do clássico B “O Incrível Homem que Derreteu” (1978 ), mas o roteiro é mudado para uma história anarco-ateísta sobre a volta de Jesus Cristo como um monstro pegajoso, e finalmente é transformado em “A Curtição do Avacalho” (2006), agora uma comédia que homenageia o cinema marginal e mistura um cientista louco, um padre fanático, um psicopata mascarado paraguaio, monstros clássicos, heróis atrapalhados, mocinha em perigo e cineastas frustados em uma grande sopa de metalinguagem e auto-referências. No mesmo ano a Canibal cometeria a tão aguardada continuação de seu clássico “O Monstro Legume do Espaço 2”, contando o dia seguinte da suposta morte da criatura, mas o orçamento zero e uma equipe abaixo do mínimo frustaram realizadores e fãs, que ainda aguardam a volta por cima do “ícone do Terror VHS” (atualmente Petter Baiestorf está correndo atrás de investidores para refilmar a primeira parte do “O Monstro Legume do Espaço” com efeitos de Rodrigo Aragão).
No cinemão, o cineasta Walter Rogério conduz o policial com toques de humor negro “Olhos de Vampa” (2006), sobre uma série de crimes que aterrorizam São Paulo com as mesmas características, mulheres tem o sangue do corpo sugado por uma mordida na bunda e são encontradas seminuas em poses eróticas. Dois policiais que investigam descobrem um suspeito que apelidam de Vampa (o sinistro Joel Barcellos), que vive recluso e protegido por uma velha mendiga.
Um filme realizado por José Mojica e seus alunos em 1979 na bitola amadora Super 8mm é finalmente editado por Eugênio Puppo como parte das comemorações dos 50 anos de carreira do cinesta maldito. “A Praga” (1979/2007) escrita por Lucchetti conta como um homem é amaldiçoado por uma bruxa (Wanda Kosmo, é claro!) e uma misteriosa ferida em sua barriga precisa ser alimentada constantemente com carne, mesmo que seja carne… humana. Falando em canibalismo, eclode nesta época uma verdadeira epidemia de zumbis antropófagos nacionais. Primeiro é o descolado “Era dos Mortos”(2007) média metragem do mineiro Rodrigo Brandão, com um rapaz que fica preso em um elevador e ao conseguir sair se vê em meio a uma invasão de cadáveres ambulantes e famintos; seguido do pretensioso longa “A Capital dos Mortos” (2008) de Tiago Belotti, com Brasília sendo invadida por mortos vivos como previsto em uma antiga profecia apocalíptica de um padre (com direito a uma rápida ponta de Zé do Caixão em pessoa) e chegando até o cultuado “Mangue Negro” (2008) com roteiro, direção e maquiagens de Rodrigo Aragão (1977). Em meio a um manguezal no interior do Espírito Santo, a pobre comunidade local assiste aterrorizada os mortos levantarem da lama em busca da carne dos vivos. O apavorado catador de caranguejos Luis da Machadinha (Walderrama dos Santos) precisa a todo custo proteger a lavadeira Raquel, sua amada. Maquiador profissional e realizador de curtas de horror (“Peixe Podre”, “Peixe Podre 2” e “Chupa Cabras”), Aragão utiliza seus conhecimentos para ótimos efeitos especiais, unindo a isto um cenário exótico, um elenco afiado de profissionais e amadores e um roteiro que coloca os zumbis em um contexto verdadeiramente nacional, sendo premiado aqui e no exterior. Este “ciclo nacional” de mortos ambulantes teria ainda a participação do longa gaúcho “Porto dos Mortos” (2009) de Davi de Oliveira Pinheiro, mas não se sabe ao certo se o projeto muito comentado foi realmente finalizado.
No oeste catarinense o “canibal-mor” Baiestorf exercita estilo e linguagem com médias metragens na linha sexploitation unindo sexo simulado e violência explícita homenageando o diretor espanhol Jesus Franco e o cinema da Boca do Lixo com “Arrombada-Vou Mijar na Porra do Seu Túmulo” (2007) e “Vadias do Sexo Sangrento” (2008) contando com a edição precisa do músico/cineasta-experimental Gurcius Gewdner.
Depois de trinta anos de tentativas frustradas, bicos em parques de diversão, shows de rock, mestre de cerimônias de filmes vagabundos na TV e pontas em filmes alheios (inclusive pornôs), Josefel do Caixão Zanatas ressurge da tumba para completar a sua saga! Com apoio do produtor Paulo Sacramento e do fã-cineasta Dennison Ramalho, José Mojica Marins tira a poeira de seu roteiro escrito em 1966 e o adapta para os dias atuais em “Encarnação do Demônio”(2008). Depois de passar quatro décadas atrás das grades por seus crimes insanos, Zé do Caixão é posto em liberdade e escolhe novos seguidores, retomando sua busca pela mulher perfeita. No seu encalço estão um padre enlouquecido, dois policiais veteranos e os fantasmas de suas vítimas, todos sedentos de vingança. Com uma produção digna, efeitos especiais elaborados e elenco estelar (Jece Valadão, Adriano Stuart, Débora Muniz, Zé Celso, Helena Ignez e Rui Rezende), Mojica consegue mostrar a força e o horror de seu personagem imortal e é consagrado pela crítica, aparece em capa de revistas sérias e é premiado no Festival de Paulínia. O grande público não corresponde nas bilheterias, mas fãs brasileiros e estrangeiros assistem ao filme diversas vezes no cinema e em um DVD caprichado com diversos extras.
Em Curitiba(PR), Paulo Biscaia Filho escreve e dirige “Morgue Story – Sangue, Baiacu e Quadrinhos” (2009), humor-negro sobre um estranho triângulo envolvendo Ana Argento, uma desenhista de quadrinhos, um vendedor de seguros cataléptico e um legista psicopata que dopa suas vítimas com veneno de Baiacu para estupra-las e assassina-las no necrotério. Também do Paraná, é “A Bruxa do Cemitério 2” (2009) de Semi Salomão, com um colono sendo atormentado pelo espírito de uma feiticeira que exige vingança e atraí vítimas para um local onde ela domina forças maléficas.
Enquanto o paulista João Paulo Brasile Takada escreve, dirige e edita o longa em duas partes “Fúria Alucinante” (2010), com ação e ultra-violência na história de um ex-militar que através de experiências genéticas se transforma em um super-assassino vingativo, a atriz Gisele Ferran é arregimentada para as hordas da Canibal Filmes e estrela o média “O Doce Avanço da Faca” (2010) de Petter Baiestorf, mostrando que uma mulher também pode virar uma máquina de matar ao se vingar de uma seita de crentes pela morte de seu amado.
arte de Leyla Buk para o filme "O Doce Avanço da Faca".
A nova década mostra o amadurecimento técnico e artístico do nosso cinema “de gêneros”. Felipe Guerra retoma seus personagens para a continuação de sua engraçada sátira aos filmes de terror Hollywoodino com “Entrei em Pânico ao Saber o Que Vocês Fizeram na Sexta-Feira do Verão Passado 2 – A Hora da Volta da Vingança dos Jogos Mortais de Halloween” (2011) com os novos crimes (risadas) provocados pelo assassino interiorano Geison.
“Pólvora Negra” (2011) de Kapel Furman, é um policial de ação, suspense e muito sangue, com estilo e ótima produção. Também em São Paulo, Sandro Debiazzi finaliza (em 20 anos de filmagens) seu média-metragem “O Tormento de Mathias” (2011), estrelado por Felipe Guerra e Joel Caetano. Mas o novo marco da produção independente cabe novamente ao capixaba Rodrigo Aragão com o maravilhoso “A Noite do Chupacabras” (2011). No interior do Espírito Santo, o conflito entre duas famílias rivais é acentuado com a chegada de um casal e com a presença de uma criatura monstruosa e sanguinária que sai da mata e provoca baixas nas duas facções em guerra. Assim como em “Mangue Negro”, Aragão prova que podemos produzir maquiagens e efeitos especiais de primeira categoria e originalidade. E que monstros como o lendário Chupacabras (vivido por Walderrama dos Santos) podem ser integrados a uma realidade nacional-regional, algo só conseguido antes com o Zé do Caixão de Mojica. Significativa também é a presença de outros cineastas brasileiros em destaque no elenco, como o vilão alucinado de Petter Baiestorf, o herói apalermado de Joel Caetano (diretor de vários curtas de horror, como “Minha Esposa é um zumbi” (2006), “O Gato” (2009) e “Estranha” de 2011) ou o “Velho-do-Saco” (outra figura mítica/sobrenatural presente na trama) de Cristian Verardi (“Colt Romero”de 2008 e outros).
Como o mundo não acabou como previsto no ano 2000 e me disseram que ainda não vai se aposentar em 2012… assim como o cinema nacional… esperamos novas, emocionantes e assustadoras surpresas, saídas de algum cemitério público, casa mal-assombrada ou principalmente das cabeças criativas de nossos “Horror-Makers” genuinamente brasileiros, portanto teimosos, endividados e batalhadores. Uma nova geração de curta-metragistas dedicados ao gênero fantástico está surgindo, Rubens Mello (ator em filmes ótimos como “Encarnação do Demônio” de José Mojica e “Ivan” de Fernando Rick) dirigiu recentemente “Lia”, um horror psicológico; Caio D’Andrea realizou o curta “O Solitário Ataque de Vorgon” que é ótimo (além de ter co-dirigido, com o colega Rodrigo Fonseca, o western com toques fantásticos “Duas Vidas Para Antonio Espinosa”); Armando Fonseca realizou um gore movie macabro tecnicamente muito bem realizado chamado “Velho Mundo”; o músico Márcio Júnior e sua esposa Márcia Deretti filmaram “O Ogro”, baseado na obra do desenhista Júlio Y. Shimamoto e Gabriel Carneiro acabou de lançar o curta-metragem “Morte e Morte de Johnny Zombie”, estrelado por Joel Caetano… Não percam o próximo capítulo!
Escrito e pesquisado por Coffin Souza (texto original foi publicado no fanzine “Brazilian Trash Cinema” dos editores Coffin Souza e Petter Baiestorf em novembro de 2001, revisto e atualizado em novembro de 2011)
Canibuk 